yo confieso

geraldine fitzgerald sobre bette davis

2012-02-16T08:24:00.000-08:00

Geraldine Fitzgerald, compañera de reparto de Bette Davis en "Amarga Victoria" (Edmund Goulding, 1939):

"Me habían dicho que ella me espantaría, que me robaría las escenas. Me habían dicho que tuviera mucho cuidado, que era muy buena haciendo eso. Si se te acerca y te abraza, si su personaje se muestra amistoso con el tuyo ¡ten cuidado! Significa que ella intentará hacerte sombra o te dará la vuelta para que no te enfoque la cámara. Eso me preocupó mucho y pregunté: "¿Qué haré?" Me dijeron que lo mejor era meterse entre una mesa y una silla para que no pudiera darme la vuelta. Me tomé el consejo al pie de la letra: cuando veía un mueble que ni podía moverse me metía detrás de él (...). Ella pensó que estaba loca porque a decir verdad es la persona más generosa con otros actores que haya visto.

Todos nos juntamos (para ver la toma final en la que Bette Davis sube sola las escaleras mientras se va quedando ciega) Con algunas tomas, si la actriz es buena ,todos quieren verla por lo que había mucha gente en el set. Ella iba subiendo con la mirada trascendental y, de repente, bajó la escalera y le dijo a Eddy Goulding: " ¿Max Steiner le va a poner música a esto?" Y él le respondió: "No, no lo creo Bette". Se sabía que a ella no le gustaba que le pusieran música a sus escenas importantes. Entonces él le contestó con evasivas " No, no lo creo" Y ella agregó: "Pues te advierto que esa escalera la subo yo o la sube Max Steiner, pero de ninguna manera la subiremos juntos" Y por supuesto, Max Steiner le puso música a la escena y ella se puso furiosa"

Gracias por vuestros comentarios a la foto de Hitchcock y perdonad la ausencia de estos días, pero ya sabéis, a veces uno no tiene tiempo para nada. Espero volver pronto. En cualquier caso os sigo leyendo, eh?

Biquiños

otras imágenes: el GRAN hitchcock

2012-02-03T12:11:00.000-08:00

Anda qué!!!

Sabía vuestro gusto por los chismes pero desconocía que os gustara más una polémica que a Hitchcock una rubia. Me incluyo, queridos confesos, me autoinculpo, incluso. Pero quería daros las gracias por vuestros comentarios tan acertados y agudos pero, sobre todo, por el respeto con el que habéis manifestado vuestra opinión.

Está mal que yo lo diga pero da gusto leernos, oiga.

Os dejo una maravillosa foto del maravilloso Hitchcock tomada por el maravilloso Irving Penn ¡Cómo me las maravillaría yo! Y os deseo, cómo no, un maravilloso fin de semana bajo la mantita.

Hasta pronto!!

El árbol de la vida

2012-01-31T10:07:00.000-08:00

¡Ays! Queridos confesos ¡Cuán inspiradores sois!

Uno se da un paseo por el blogroll e inmediatamente se le enciende una lucecita: la cabeza empieza a funcionar, a atar cabos, y los dedos empiezan a correr por el teclado. Yo confieso: estas entradas son las mejores por improvisadas y espontáneas.

Os cuento.

El año pasado hubo tres películas especialmente mediáticas dada la repercusión y presencia que tuvieron en medios y blogs. Hablo de "La piel que habito" (Pedro Almodóvar), "El árbol de la vida" (Terrence Malick) y "Melancolía" (Lars Von Trier). Cuando se estrenaron, en mi blogroll parecía haber unanimidad (cuando menos) temática. Pero yo confieso: suelo huir de las películas tan inminentemente celebradas o vilipendiadas. Primero porque creo que toda obra necesita un marinaje y segundo porque creo que dada la tormenta de opiniones mi subjetividad/objetividad y mis expectativas pueden verse alteradas.

Toda esta introducción - necesaria, como veréis- surge por las últimas entradas relativas a "The artist" esa, aparentemente, obra maestra que ha encandilado a crítica y público y que, al parecer, se va a llevar a Francia todos los premios habidos y por haber. Todas las reseñas/críticas que he leído son fantásticas, pero muestran todas la misma cara. Por eso me ha encantado leer la reseña de Cinema Genovés pues, aun a riesgo de ganarse la antipatía del respetable, muestra la otra cara de la moneda. También he disfrutado - lo sigo haciendo - del debate creado entre detractores y defensores de la cinta y, lo mejor de todo, los inteligentes argumentos que se esgrimen para defender una u otra postura. Conocedor del conocimiento (valga la redundancia) que posee el amigo Genovés sobre el cine silente (maravilloso epíteto) su reseña merece toda mi credulidad sin que ello reste veracidad a las demás ¡Faltaría más!

No, no he visto "The artist" y no tengo pensado verla hasta que pasen unos meses, sobre todo, hasta que pase la resaca de premios que se avecinan. Pero sí he visto "El árbol de la vida" y sólo puedo decir: ¿dónde está la polémica?.

Sin duda alguna, medios y blogs han hecho una estupenda e impagable campaña publicitaria de la última película de Malick. Mientras las salas se llenaban (en algunos casos para vaciarse a los diez minutos) yo asisitía atónito a la película paralela que se formó y os puedo asegurar que visto desde fuera (desde la butaca de los que decidimos esperar), fue de lo más entretenida.

Leí todos y cada uno de los artículos (en prensa o en blogs) que se pusieron a tiro sobre "El árbol de la vida" y en muy pocos (podríamos decir que la cantidad fue anecdótica) encontré referencia alguna al trabajo anterior de Malick. Si estuviéramos ante una filmografía de 30 títulos lo entendería, pero lo teníamos muy fácil amigos: Terrence Malick, hasta la fecha, sólo tiene (con "El árbol de la vida") 5 largos. Yo había visto todas sus películas, así que traté de poner la mente en blanco y descubrir qué ocurría.

Desde el primer segundo me quedé literalmente fascinado.

"El árbol de la vida" es una película muy coherente con la trayectoria de su director, que conserva sus señas de identidad estilística (la voz en off, la maravillosa fotografía y la importancia de la música ) pero dando un pasito más al emplear los actuales medios técnicos para componer bellísimas escenas (sí, me refiero a la parte "documental" de la película). Los distintos planos narrativos a través de monólogos internos y esa increible cámara subjetiva que invita a (re)descubrir la grandiosidad de la naturaleza.

El argumento. Supongo que aquí radica el foco de la polémica. Yo sinceramente opino que de nada sirve disertar sobre los motivos, las intenciones, las pretensiones de Malick en "El árbol de la vida" porque creo que está hecha, precisamente, para que cada uno saque las conclusiones que considere más oportunas en función de sus creencias (no sólo religiosas, no caigamos en lo fácil). Aunque la primera frase que oimos es "hay dos caminos que puedes seguir en la vida: el de la naturaleza y el de lo divino" quedarnos sólo con la parte ciencia vs. Dios sería desperdiciar mucha película a pesar de que Malick se moje (sino a qué viene presentarnos la teoría del Big Bang). La infancia, la pérdida de la inocencia, el miedo, el dolor, la maldad, la bondad, la madre, el padre, los hermanos, la naturaleza, la violencia, la religión, la muerte....Tenemos un amplio catálogo de temas y subtemas en "El árbol de la vida".

Yo confieso que me emocioné con algunas secuencias de "El árbol de la vida", sobre todo aquellas que me transportaron a mi infancia, y también confieso que me quedé bastante pensativo cuando terminó, pero no porque tratara de descifrar la película, sino porque me ayudó a realizar un ejercicio de introspección. Entiendo que para muchos la película sea tediosa, pesada, lenta e, incluso, incomprensible. Lo que ya no entiendo es que tratándose de Malick la gente esperara encontrarse con puro cine de entretenimiento.

Y aquí enlazo con el principio: no nos dejemos camelar ni tampoco ayudemos a crear campañas publicitarias sustentadas en humo (y no me refiero a "The artist" porque no la he visto). Somos espectadores, y, por lo tanto, libres para ir en contra de la crítica, de la mayoría, de la minoría, de los premios.... Confieso (y ahora sí me refiero a "The artist") que hace unas semanas tenía mucho interés en esta película neo-muda pero cuando supe que detrás estaban los Weinstein comenzó a olerme a tongo ¿Será que los oscars se acercan? Los que estais al tanto de los últimos gritos musicales entenderán la comparación. El bombo y platillo de "The artist" me recuerda al de Lana del Rey: no había salido el disco y medio globo ya hablaba de ella e, inevitablemente, escribiendo esto, ya me he unido a la tremenda e inexplicable campaña promocional de esta debutante.

Amén.

otras imágenes: mamita querida

2012-01-26T11:26:00.000-08:00

Respondía yo a vuestros inteligentes, recurrentes y agradecidos (¿se me nota el peloteo? ejem!) comentarios sobre Davis y Hopkins cuando el amigo Calamarin de coolfrenesie me hizo reflexionar sobre la pregunta que planteaba:

Se atreverá alguien algún día a llevar la vida de Bette al cine...? ¿cuanto tiempo debería durar ese film, para contar tantas cosas importantes sobre la Davis?

Mi respuesta fue que, ya puestos, preferiría una miniserie de la HBO aunque tendríamos el eterno problema de siempre: ¿Quién resucitaría a Bette Davis? Porque sí, se trata de resucitar, o corremos el riesgo de caer en la parodia y la gracia se pierde en el camino. Entonces recordé a Faye Dunaway dando vida a Joan Crawford en esa especie de telefilm que aquí (creo) se llamó "Mamita Querida" y fue dirigida por un tal Frank Perry en 1.981.

"Mommie Dearest", su título original, narra la vida de la Joan Crawford madre y se basa en la novela (casi diríamos autobiografía) de su hija, que no he tenido ocasión de leer pero me temo debe ser aterradora (por lo que cuenta y por cómo lo cuenta).

Sin entrar en la calidad de la película, que poco interesa, sí es cierto que hay momentos en los que Dunaway es el vivo retrato de Crawford. También es cierto que asistimos a escenas aterradoras que, si fueron ciertas, sólo nos permiten concluir que Joan Crawford estaba algo desequilibrada (recuerdo la terrorífica pero, al mismo tiempo, desternillante escena de las perchas) y su hija fue una víctima de su estrellato.

En cualquier caso, para quienes no la hayáis visto, os dejo el trailer (presentado como un film de terror, ya me contaréis...) para que juzguéis el parecido, razonable o no, entre Dunaway y Crawford.

(la solterona) davis y hopkins: vieja amistad

2012-01-20T08:28:00.000-08:00

En una ocasión leí (lo siento, no recuerdo dónde) unas declaraciones de Bette Davis en donde venía a restarle importancia a sus sonadas y sonoras trifulcas con Joan Crawford para confesar, justo a continuación, que si en realidad tuvo una enemiga real en Holywood esa fue Miriam Hopkins. Sé que sois muchos los que conocéis la vida de Bette Davis como la palma de vuestra mano, así que os pido que me rectifiquéis o ratifiquéis según sea el caso (y de paso me entero yo) porque aunque de lo que vamos a hablar hoy sea de las dos películas que hicieron juntas, sin querer evitarlo, saldrán a la palestra pormenores relativos a la tormentosa enemistad que mantuvieron.

Al parecer todo empieza a finales de los años 20, en la compañía teatral que dirigía el joven George Cukor en Nueva York, en donde ambas actrices coinciden por un pequeño lapso de tiempo (lo que allí ocurrió, lo desconozco por completo). Hopkins alcanzó el status de estrella mucho antes que Davis gracias a películas como "Dr. Jekyll and Mr. Hyde" (Rouben Mamoulian, 1.931). Con todo, no había abandonado el teatro, y en 1.933 protagoniza "Jezabel" en Broadway así que cuando años después se prepara la adaptación cinematográfica da por hecho que el papel será para ella. Como sabéis, esto no fue así. La historia cuenta que cuando Bette Davis consiguió su segundo óscar , Hopkins lloró desconsoladamente (¡quién sabe!).

Ese mismo año, 1.938, Miriam Hopkins firma un suculento contrato con la Warner por dos películas. La primera de ellas, "The old maid" (La solterona, 1.939) sería dirigida por Edmund Goulding y co-protagonizada por Bette Davis. El rodaje no fue fácil. Al parecer el primer día Hopkins apareció vestida con un traje idéntico al que luciera su compañera en "Jezabel" (W.Wyler, 1.938) y no contenta con ello, trató, durante todo el rodaje, de robarle protagonismo en las escenas compartidas.

"La solterona" promete mucho pero da poco. Una de sus frases publicitarias reza: " ¡Es una solterona amargada que me odia porque soy joven y atractiva y estoy enamorada!" Sí, estamos ante un melodrama, cuyo hilo argumental se sustenta sobre la relación, ora de odio, ora de amor, que tienen dos primas. (Atención: spoiler) Delia Lovell (Hopkins) está a punto de contraer matrimonio con un joven muy bien posicionado cuando recibe la noticia de que el gran amor de su vida ( George Brent) ha regresado de la Guerra Civil. Charlotte Lovell (Davis), secretamente enamorada de él, va a recibirlo a la estación y le ruega que no impida esa boda. Como era de esperar, Charlotte y el ex-novio de su prima tienen un escarceo del que nace, en la clandestinidad, Tina, quien crece ignorando que su madre es la misma persona que regenta un orfanato para huérfanos de la guerra. El paso de los años agria el carácter de Charlotte, quien no puede confesarle a su hija que ella es su verdadera madre para no arruinar su futuro, accediendo, incluso, a que su tía Delia, ya viuda y muy bien posicionada, la adopte legalmente para que pueda casarse con el heredero de una de las mayores fortunas de la ciudad.

Sí, queridos confesos, un culebrón....

El problema de "La solterona" estriba en que las tiranteces que tienen las primas (ya no sólo por la educación de Tina sino por las puñaladas pasadas y presentes) no se resuelven en pantalla. No se entiende cómo no se saca más partido al duelo interpretativo de ambas actrices, ya que creo que podríamos haber tenido un par de escenas de esas que se convierten en antológicas. Por otra parte, el tiempo avanza rapidamente a través de fundidos en negro. Vemos como la niña se hace mujer, vemos como Charlotte envejece inexorablemente y se convierte en una solterona de libro y vemos como Delia permanece intacta (nótese la ironía). Aunque estamos hablando de dos grandes actrices, sus interpretaciones quedan un poco deslucidas por estos motivos y si tuviéramos que valorar a ambas, creo que Davis está mucho más convincente que Hopkins, la cual abusa un poco a la hora de abrir los ojos y poner cara de circunstancias.

"La solterona" fue un taquillazo. La Warner explotó la rivalidad entre ambas actrices, las cuales, con bastante sentido del humor, permitieron que se les tomara la fotografía que veis arriba, junto a un Goulding aparentemente desesperado.

Miriam Hopkins estaba casada con el director ucraniano Anatole Litvak. Ella estaba convencida de que entre él y su enemiga había algo más que un "hola, cómo estás". No es muy probable que esto fuera verdad, ya que en 1.939 Davis pasaba su tiempo con Wyler, pero sí hay constancia de que en 1.940, con el matrimonio Litvak ya disuelto, hubo un pequeño affaire que, sin duda alguna, ayudó a acrecentar el odio que Hopkins sentía hacia Davis (sobre este capítulo pido la inestimable ayuda de los cronistas rosas).

Aunque se piense que la Warner quiso repetir fórmula con "Old Acquaintance" ( Vieja amistad, 1.943) no es así. Como en otras muchas ocasiones, a Davis le llegó el guión de rebote, después de que Rosalind Russell e Irene Dunne lo rechazaran. Cuando a Warner le nombraron a Miriam Hopkins para acompañar a Davis (se dice, se cuenta, se rumorea) exclamó: "¡Sí, esa es una auténtica zorra!" Para la dirección ¿quién mejor que Edmund Goulding? Al fin y al cabo ya había lidiado con ambas actrices....Sin embargo, poco antes de empezar el rodaje sufrió un ataque al corazón y como Hollywood no espera a nadie fue sustituido por Vincent Sherman. (Warner nunca se creyó lo del ataque. En realidad estaba convencido de que lo había fingido para no soportar, nuevamente, a las grandes enemigas).

Comienza el rodaje y, nuevamente, Hopkins quiere su lugar. Davis desconfía al principio del proyecto. Además del odio que se profesaban las actrices no había trabajado antes con Vincent Sherman y, como sabéis, Bette tenía que controlarlo todo. Después de haber visto las primeras tomas se queda más convencida y se pone manos a las obras. Una buena mañana, durante el rodaje, Miriam Hopkins está saliendo de la bañera cuando pisa una pastilla de jabón, cae al suelo y se parte una oreja. Veredicto: "Bette Davis me quiso asesinar".

"Vieja amistad" es, al parecer, un drama (para mí es una comedia) con momentos francamente divertidos. Kit Marlowe (Bette Davis) regresa a su pueblo natal convertida en una escritora de éxito. Allí la espera su mejor amiga, Millie Drake (Miriam Hopkins) quien está felizmente casada con Preston Drake (John Logan). Poco a poco comenzamos a ver cómo Millie, siempre quejándose y victimizándose, desea imitar a toda costa la vida de su amiga, convirtiéndose en una escritora de novelas pret-a-porter de éxito.

Aquí sí nos encontramos ante dos interpretaciones notables. Ambas actrices se dan la réplica a la perfección. Frente a una Bette Davis con un personaje comedido, comprensivo, que ante todo quiere a la amiga, con independencia se sus actos, Miriam Hopkins interpreta al ego, la vanidad, el exceso. Está sobreactuada porque tiene que estarlo. El momento cumbre llega cuando Kit, harta tras aguantar durante años las tonterías de su amiga, decide tomar cartas en el asunto. Estamos ante una de las escenas más memorables del cine, no tanto por lo que implicaba en la historia, sino por la trastienda.

Ese día el plató estaba lleno de gente. Nadie quería perderse el momentazo. Pero Hopkins no quiso darle el gusto a una audiencia ávida de venganza y, como habéis visto, se convirtió en un auténtico muñeco de trapo al servicio de Bette Davis. La escena quedó más cómica que dramática pero no desentona con el espíritu de la película ¿No es genial?

Yo confieso: más de una vez he querido hacer eso.

Feliz fin de semana!!!

yo confieso: yo confieso

2012-01-12T11:43:00.001-08:00

Hace unos días, mientras esperaba a que el azar me soprendiera con una película ya vista pero que necesariamente había que volver a ver, me encontré con "Yo confieso" (Alfred Hitchcock, 1.953) y me pregunté: ¿es posible que no haya reseñado "Yo confieso" en YO CONFIESO? Pues sí, totalmente posible, así que vamos a subsanar este "olvido" y retomar, de paso, el cine propiamente dicho, que ya llevábamos tiempo perdiéndonos con crónicas amarillas y rosas (tranquilos, cuando mis informadores me suministren nuevos y jugosos detalles de las celebrities os los comunicaré) y corríamos el riesgo de convertirnos en una sucursal de Louella Parsons en esta dimensión en la que tratamos de vivir.

Yo confieso que "Yo confieso" es una película extraña en la filmografía de Hitchcock. Es cierto que nos hayamos de nuevo ante una transferencia de culpas, sin embargo, la novedad estriba, quizás, en el dilema moral que se introduce en la trama y que lejos de atormentar al protagonista (que tiene muy claro su silencio) atormenta más a un público que no comprende porque no confiesa.

Tratando de no hacer un tragalenguas con el verbo "confesar", comencemos a confesar qué se confiesa y qué no se confiesa en "Yo confieso".

La película arranca con un asesinato y un asesino que, con sotana, escapa de la escena del crimen cuando dos jovencitas pasan por delante del lugar de los hechos. No olvidemos que Hitchcock nos ha llevado a la escena del crimen siguiendo unas flechas en donde se puede leer la palabra "direction" ¿Nos conduce al hecho delictivo o nos advierte de que vamos a presenciar una historia sobre la rectitud moral? Pronto, muy pronto, sabemos lo que ha ocurrido: el asesino, un emigrado alemán de nombre Otto Keller (Otto E. Hasse) y que ejerce como sacristán en una iglesia de Québec, ha matado al abogado Villete después de que éste lo haya soprendido robando. Keller confiesa todo ante el padre Logan (Montgomery Clift) que se verá obligado a guardar secreto de confesión. Por su parte, el padre Logan estaba siendo extorsionado por Villete, quien sabía que, antes de ser ordenado sacerdote, había mantenido una relación con Ruth Grandford (Anne Baxter).

"Yo confieso" posee casi todas las marcas de la casa. Desde la (prematura) aparición de Hitch hasta las dicotomías entre cámara y diálogos ( la escena del desayuno en donde nos interesa más la actitud de la encubridora mujer de Keller que el diálogo entre los curas, por poner sólo un ejemplo). Pero decimos casi porque la gran carencia que presenta la historia es la ironía. Y aquí radica, quizás, el pero de la película, reconocido por el propio director: " Al tratamiento del tema le faltaba humor y sutileza. No quiero decir con esto que hubiera sido necesario introducir más humor en la película, pero, personalmente, debiera haber introducido más en mi manera de contarlo, como en Psicosis: una historia seria contada con ironía" ("El cine según Hitchcock". Francois Truffaut).

Por otra parte, las imprecisiones en el guión (entiendo que bastante asumidas por el propio Hitch) no permiten entender por qué el sacerdote no quiere confesar un hecho pasado (un romance) que, quizás, perjudicaría más a su "amiga" que a él mismo, sobre todo cuando conocemos por boca de Ruth Gordon que su actual marido es conocedor de una historia que a nosotros se nos presenta a través de flashbacks.

Yo confieso que si bien es cierto que a "Yo confieso" le falta ironía también lo es que le sobra sutileza porque el crimen parece plantearse como una excusa para adentrarse en el pasado (¿oscuro?) de un sacerdote que antes de tomar sus votos tuvo una vida, sin embargo ese pasado nos parece insustancial y poco pecaminoso (quizás para el público de 1.952 fuera más que suficiente). En resumidas cuentas a lo largo de la película no sabemos si nos hayamos ante una película en la que hay que descubrir al verdadero asesino o ante una historia de amor prohibido, porque lo que sí parece claro es que no nos hayamos ante una historia en la que su protagonista se siente atormentado por un dilema moral pues en todo momento el padre Logan tiene clara su postura. Al final hasta el título nos parece engañoso porque confesión, lo que se dice confesión, no hay por ningún lado.

Rodada en blanco y negro y haciendo especial hincapié en planos contrapicados de santos edificios, todo ello para acrecentar la sensación de agobio, a priori "Yo confieso" es una película que puede despertar morbo, pero a medida que avanza se va desinflando y se vuelve algo tediosa. Y aquí radica la extrañeza que me produce el film, porque conociendo la filmografía de Hitchcock creo que posee todos los ingredientes para, al menos, facturar una obra irónica y entretenida. Aún así, podemos disfrutar en ella de fantásticos planos (100% cine) y de una gran interpretación por parte de Clift, siempre tan resuelto en papeles de gran contención.

me han traído un munchkin!!!!

2012-01-10T10:39:00.001-08:00

Sí, sí, cómo lo veis, o mejor dicho, cómo la veis, una munchkin de nombre Kelly perteneciente a la cofradía de la canción de cuna. No os voy a contar la cara que se me quedó cuando abrí el paquetito y lo agradecido que le estoy a SS.MM los Reyes Magos de Oriente porque sé que han movido Roma con Santiago para conseguir que mi sueño se hiciera realidad.

Gracias, gracias, gracias! He debido de ser muy bueno!

Queridos confesos: ahí fuera hay un mundo extraño pero tentador repleto de munchkins de barbie. Avisados y prevenidos quedáis. Ellas se llaman Kelly. Ellos se llaman Kenny. También hay Dorothys, Glindas, brujas malas, hadas buenas, hombres de hojalata, espantapájaros, leones....y todo de barbie, claro está.

Ahora me debato entre seguir la colección o comenzar la carta para las siguientes navidades, porque he visto una barbie-tippi hedren con pájaros en la cabeza que me ha dejado sin palabras.

¿Qué poco explorado tenía yo este mundo! Con lo feliz que está uno viviendo en la ignorancia....

títulos de crédito

2012-01-02T08:00:00.000-08:00

Triste pero cierto. No comenzamos el año haciendo una nueva confesión, más bien todo lo contrario, volviendo a confesar una y otra vez lo que nos gustan en "yo confieso" los títulos de crédito. Mea culpa. Pero no cualquier secuencia inicial es digna de admiración, no, no. Hay títulos y títulos y, por ende, diseñadores y diseñadores. Lo que ocurre es que salvando a la Reina Madre de la disciplina, oséase, al venerado Saul Bass, pocos (o ninguno) nombres propios son tenidos en cuenta a la hora de poner en el lugar que le corresponde a esta parte de la película - sí, forman parte de la película, claro que sí - que debería tener su propia categoría en cualquier certamen cinematográfico. Ahí queda la sugerencia.

Pongamos pues nombres y apellidos a todos esos artistas (que lo son) que con su talento e ingenio revolucionaron ese microcosmos llamado "títulos de crédito" y que también tiene su historia.

Hace años, muchos años, cuando el cine sonoro todavía gateaba, la mayoría de los títulos de crédito se pintaban con pincel sobre fondos estáticos, era un trabajo artesanal y, por lo tanto, hecho por artesanos que se limitaban a enumerar el elenco artístico y técnico de la película. Con un poco de suerte, en el Hollywood más dorado, se podían encontrar secuencias de crédito insertadas sobre paisajes u otras imágenes más o menos sugerentes e, incluso, algún asomo de originalidad, y decimos sólo originalidad, porque si bien es cierto que unos títulos de crédito han de ser atractivos, también lo es que han de ser funcionales. Lo mismo ocurría con la tipología de las letras empleadas: habría que esperar casi tres décadas para comenzar a dotar de personalidad propia a ese conjunto de caracteres que unidos formaban nombres, apellidos, disciplinas y, claro está, títulos.

Para ser justos, encontramos los primeros atisbos de esa funcionalidad en la época del cine mudo, y más concretamente en la colosal "Intolerancia" (W.D. Griffith, 1916) que con ese majestuoso prólogo, supone un antecedente de lo que años más tarde sería la auténtica finalidad de la secuencia de creditos: anticiparle al respetable el sentido y fin de la película. En consecuencia, en "Intolerancia" se presentan una serie de imágenes y palabras que van contextualizando históricamente los fotogramas que el espectador va a disfrutar. (aviso: no necesitais ver los 20 minutos de video, sólo unos minutos para entender el antecedente que creó "Intolerancia")

También es justo, antes de llegar a la "Primera Revolución de los Títulos de Crédito" mencionar esas películas de fantasía y horror de los años 20 que, como "King Kong", condicionaban al público para pasar un mal rato, o los progresos que en el campo del diseño gráfico consiguió Walt Disney.

Pero como muy bien sabeis, queridos confesos, es Saul Bass el que se erige como auténtico transgresor en la materia cuando en 1954 Otto Preminger le encarga la antesala de "Carmen Jones". Aquí no tenemos querencia hacia Saul Bass, tenemos lo siguiente, pero no es necesario explayarse en los logros y virtudes de Bass, pues ya lo hemos hecho, en su día, aquí. Con este genio se abre la veda para esas joyitas que durante los últimos 50`s y la década de los 60´s nos dejó el cine, y con él se puede decir que se crea esta disciplina artística como categoría con personalidad propia.

Presententemos pues, sin más dilación, a algunos de los creadores más emblemáticos de la primera era dorada de los títulos de crédito.

Maurice Binder

Es Stanley Donen quien le da su primera oportunidad en el diseño de los títulos de crédito al encargarle los opening titles de "Indiscreta" (1958), pero es su trabajo en "The grass is greener" (Stanley Donen, 1960) el que atrae las miradas de los responsables del Agente 007 y así, en 1962, crea la marca de la Casa Bond para la posteridad (o eternidad) con los títulos de "Agente 007 contra el Dr. No" (Terence Young). La genialidad de Binder no radica en haber creado los títulos de crédito de varias películas de la saga sino en haber creado una imagen de marca de 007.

Con Binder comienza la era pop del diseño gráfico y a él también le debemos una de las secuencias iniciales más recordadas, la de "Charada" (Stanley Donen, 1963) obra cumbre de la animación abstracta y continuada por Binder con títulos como "Arabesque" o "Kaleidoscope"

Si bien es cierto que no tiene muchos títulos en su haber (su carrera se dirigió más hacia el diseño gráfico) sí es necesario mencionar como sucesor de Binder en alguna de las películas de 007 a Robert Brownjohn artífice de los títulos de "Desde Rusia con amor" (1963) y "Goldfinger" (1964), muy inspiradores para la posteridad al proyectar sobre cuerpos imágenes y letras. Aunque su trabajo fue continuista con la psicodelia que despuntaba en los 60´s sí aportó originalidad y trangresión a la disciplina.

Pablo Ferro

" En un segundo caben, por lo menos, 24 ideas,

porque para triunfar siempre es necesario contar una historia"

Este americano de origen cubano, todavía en activo a sus casi 77 años, comenzó a tomar fuerza con el diseño de los títulos de "Dr. Strangelove" (Stanley Kubrick, 1964). Considerado un genio por el propio Kubrick, a Ferro le debemos la técnica quick out (corte rápido) consistente en un vertiginoso montaje de imágenes y tipografías manuales y que más tarde utilizaría la MTV como emblema de la cadena. Precisamente, esta tipografía imperfecta y manual es uno de sus sellos característicos: ignorando los avances técnicos a su disposición, Ferro ralla las letras directamente sobre el fotograma hasta alcanzar, casi, la inelegibilidad. Otra marca de la casa es la multipantalla, muy empleada a finales de los 60´s y que podemos ver por primera vez en "El caso de Thomas Crown" (Norman Jewinson, 1968).

Con permiso de Bass, Ferro es un pilar fundamental en el diseño de los títulos de crédito, capaz de poner al servicio de la secuencia inicial el poder de la música y de sintetizar el trabajo del director en un minuto. Sus trabajos son, en muchos casos, auténticas minipelículas con una poética y un lenguaje propios. A pesar de sus señas de identidad, yo confieso que Pablo Ferro me parece uno de los diseñadores más eclécticos del panorama. El maravilloso lirismo de "Dr. Strangelove", la "modernidad" de "El caso de Thomas Crown", el manejo de la tipografía de "Bullitt" (Peter Yates, 1968) o la locura del trailer promocional de "La naranja mecánica" (Stanley Kubrick, 1971) por poner sólo cuatro ejemplos, son una buena muestra de ello.

Recientemente se ha hecho un documental sobre su trabajo en el que caras muy conocidas del séptimo arte ofrecen sus opiniones mientras animaciones hechas por el propio Ferro van jugueteando en la pantalla.

Mención aparte merece Stephen Frankfurt por su anecdótica (sólo se le conoce este trabajo) pero imborrable huella en la historia de los títulos de crédito pues a él le debemos uno de los trabajos más poéticos y, a la vez, funcionales de la historia del cine, los de "Matar a un ruiseñor" (Robert Mulligan, 1962), capaces de condensar en poco más de dos minutos la maravillosa sensibilidad que desprende la película.

A finales de los 60´s se acaba la era dorada de los grandes diseñadores y comienzan a surgir los herederos y alumnos de algunos de los genios a los que muy justamente les hemos dedicado esta primera entrada del año. Pero esa será otra historia...

Feliz año nuevo a tod@s!

pd.: No, no me han traido ni un sólo munchkin :-(

por navidad quiero un Munchkin

2011-12-18T10:19:00.001-08:00

Yo confieso: las estadísticas de los blogs son muy divertidas. Más allá del número de visitas y demás datos que ayudan a inflar los egos, la pestaña "estadísticas" es un pozo de sabiduría. Que un gran número de lectores (o curiosos) aterricen en tu blog tras introducir en google "Greta Garbo vieja" da mucho que pensar. Que la temible Karen Balkin (la niña odiosa de "La Calumnia" de W. Wyler) sea otra de las que te proporcionan invitados es aterrador cuando no preocupante: ¿tan marcado ha quedado el personal con esta niña? Por no hablar de "Marilyn Monroe muerta fotos", "hijo de Rossy de Palma", "Mohamed Ali comiendo un helado"...Lo peor es que google los manda aquí. Yo confieso: algo debo estar haciendo mal.

Con las entradas pasa lo mismo: ¿por qué unas entradas son tan populares y otras pasan casi desapercibidas? Uno puede pensar que el número de visitas es directamente proporcional a la calidad del texto pero no, queridos confesos, no es el caso. Voy a reproduciros mi entrada más visitada (por goleada además) porque a la vista del título (Por navidad quiero un Munchkin) puede venir muy al caso. Y no, no fue una entrada navideña, sino primaveral, y muchos de sus lectores llegaron a ella tras escribir en google: fotos de enanos graciosos. En fin....

Y esa entrada decía....

Los 7 enanitos de Blancanieves están sobrevalorados. Sí, son muy monos, graciosos, tiernos, fieles...pero sobrevalorados. Si me tengo que quedar con algún enano no tengo ninguna duda. Yo confieso: me quedo con los "Munchkins", con todos ellos ¡¡¡más de cien!!! Los adoptaría a todos a pesar de su fama de borrachuzos.

"El Mago de Oz" (Victor Fleming, 1939) es muy grande y a pesar de sus casi 70 años, me sigue pareciendo innovadora por muchos motivos. Cada vez que me la regalo (sí, "El mago de Oz" es una peli que hay que auto-regalarse de vez en cuando como muy bien predica mi costume coordinator Jack Lemon) veo una y otra vez uno de los cinco minutos más maravillosos de la historia del cine: Dorothy y Totó aterrizan con su casa en un extraño mundo en color, repleto de plantas de plástico, nenúfares, casitas de cuento, una espiral de baldosas amarillas... Entonces una gran pompa de jabón surge de un decorado plano (con un Totó que ni se inmuta) y una melindrosa hada buena aparece mientras se empiezan a escuchar risitas nerviosas entre los arbustos. Y de pronto oooh! unos seres diminutos ataviados con trajes de fieltro, sombreros imposibles y flores en los zapatos, salen de todas las esquinas para agradecerle a Dorita Gale de Kansas que haya matado a la bruja mala del este ("la matasteis totalmente, agradecidos francamente"). Y Glinda, la buena hada del norte, grita: "bailad, cantad, reíd sin fin, murió la bruja del este al fin". Y los “Munchkins” comienzan una de las canciones más divertidas y macabras de la historia del cine: "Ding! Dong! The witch is dead! Which old witch? The wicked witch! Ding Dong! The wicked witch is dead!" Y una muerte nunca fue tan celebrada por todos: el alcalde, el notario, el forense, la cofradía de la canción de cuna, la cofradía de la piruleta...Y yo pienso que todas las muertes deberían celebrarse así.

Y Dorothy comienza su "camino de Oz" siguiendo las baldosas amarillas con sus recién estrenados chapines de rubíes y dejando un fiambre atrás.

Confesad conmigo: es algo macabro. Pero no nos importa. A mí sólo me importa que han pasado dos navidades y sigo sin Munchkin. Lo seguiré intentando, navidad tras navidad, aunque me consta que los "enanos graciosos" están muy demandados y yo, quizás, no he sido tan bueno como para estar en los primeros puestos de niños que quieren un munchkin por navidad.

Mientras espero os deseo varias cosas:

1.- A los navideños tradicionales, a esos que disfrutais con las luces, los villancicos, la familia y demás rituales, os deseo una feliz navidad.

2.- A los navideños interesados, a esos que les encanta recibir regalos y regalos y regalos, os deseo que Santa o/y Sus Majestades hayan considerado que os portasteis lo suficientemente bien como para recibir todo lo que deseais.

3.- A los navideños sufridores, a esos que padecen estas fechas, os deseo que se os haga corto y que (para colmo) vuestras visas no se queden temblando.

Y yo deseo encontraros a todos (pasaré lista) cuando regrese de unas mini vacaciones blogueras que, con vuestro permiso, me voy a tomar. Tranquilos, os visitaré, que una cosa no quita la otra, oiga! En cualquier caso, disfruten, a poder ser más que estas dos.

Bicos

ahí viene el negro zumbón

2011-12-12T08:15:00.000-08:00

(Sor)Anna.

Siempre he considerado este número como el "put the blame on mame" europeo. Pero mientras Gilda insinuaba, Anna proponía, mientras Gilda era sensualidad, Anna era sexualidad. El uso de luces y sombras, los contoneos, los negros zumbones, las miradas... hacen que todo sea más hot.

lo que el viento trajo a galicia

2011-12-07T00:03:00.000-08:00

El 1 de junio de 1943 un escuadrón de junkers nazis derriba sobre las costas gallegas un avión Ibis que une las ciudades de Lisboa y Bristol. Todos los pasajeros fallecen , entre ellos el actor británico Leslie Howard, mundialmente conocido por dar vida a Ashley Wilkes en "Lo que el viento se llevó" (Victor Fleming, 1939).

Como sabeis, queridos confesos, tras la muerte de cualquier actor se abre la veda para las teorías conspiranoicas. Si estuviéramos ante un accidente aéreo más, como el que se llevó al etéreo paseo de la fama a Carole Lombard, por ejemplo, el expediente Howard quedaría cerrado de forma inmediata tras el correspondiente duelo. Pero en esta historia tenemos un escuadrón nazi de por medio sobre el que se ha escrito de todo tratando de desvelar un misterio: ¿era Leslie Howard un objetivo del III Reich?

Damas y caballeros, prepárense para asistir a una película que no está basada en hechos reales sino que son auténticos hechos reales, repleta de espías, viejos romances, conspiraciones y misiones secretas en el ecuador de la II Guerra Mundial.

Hasta 1943 España tenía el estatus de país no beligerante en la contienda, sin embargo todos eran conocedores del encuentro en Hendaya entre Franco y Hitler y de la ayuda que la División Azul proporcionaba a los alemanes en su lucha contra la Unión Soviética. En cierta medida, se trataba de una muestra de agradecimiento por parte de Franco a la ayuda prestada por los alemanes en la guerra civil española. Las fuerzas aliadas necesitaban convencer al dictador de la idoneidad de una España neutral para así poder asegurar la conquista de África del norte (Operación Antorcha) y la preparación de un desembarco en Francia sin esperar un ataque a la retaguardia aliada desde territorios de la península ibérica.

Convencer al Régimen no era tarea fácil. Samuel Hoare, embajador británico en España, mantenía unas pésimas relaciones con Franco, quien conocía sus conspiraciones con varios generales monárquicos para derrocarlo y poner al frente de España al Conde de Barcelona. Por su parte, el propio Churchill tampoco confiaba en su diplomático ¿Cómo llegar entonces hasta Franco?.

Leslie Howard, además de ser uno de los actores británicos más importantes de los años 30, fue un destacado oponente del régimen nazi, dejándolo patente dentro y fuera de la pantalla a través de distintos artículos y declaraciones y dirigiendo, incluso, un par de películas de marcado carácter propagandístico en donde se dejaba en ridículo al III Reich. Su vocación militar era bastante pronunciada contando, además, con numerosos contactos que hacían de él un hombre muy útil para Churchill. Entre esos contactos se encontraba Conchita Montenegro, la Greta Garbo española.

Tras comenzar su carrera en España, Conchita Montenegro (yo confieso: no tenía el gusto pero era una mujer bellísima y si no me creen googléenla) llega a Hollywood en 1930 para rodar versiones en español de películas exitosas del momento. Durante poco más de un año estuvo en la plantilla de la Metro Goldwyn Mayer y participó en películas junto a Robert Montgomery, Norma Shearer o nuestro protagonista, Leslie Howard. Fue precisamente durante el rodaje de "The twain shall meet" (1931) de W.S. Van Dyke donde inicia no sólo un instenso romance con Leslie Howard, casi 20 años mayor que ella, sino una amistad de por vida. Finalizado su contrato con la Metro, la guapísima Conchita es contratada por la Fox y tras aprender inglés aconsejada por Edgar Neville y Charles Chaplin, comienza a obtener pequeños papeles que le abren las puertas del mercado europeo. Tras la guerra civil, regresa a España en donde protagoniza varias producciones y contrae matrimonio con Ricardo Gímenez Arnau o, lo que es lo mismo, el Director de Relaciones Exteriores de la Falange.

El plan ideado desde Londres era el siguiente: conocedores de la cinefilia de Franco, Leslie Howard, a través de Conchita Montenegro, se entrevistaría con Franco con la excusa de proponerle una co-producción hispano-británica sobre la vida de Cristobal Colón. Isabel La Católica sería interpretada por Montenegro (papel que ansiaba tras haber visto a su amiga Greta Garbo dando vida a Cristina, Reina de Suecia), Leslie Howard sería Colón y el guión sería escrito por el propio Franco bajo pseudónimo. Una vez reunido con el dictador, Leslie Howard debía sugerirle la necesidad de que España se declarara neutral y, posiblemente, le daría la palabra del gobierno británico de no tomar represalias contra el país una vez finalizada la guerra.

Leslie Howard llega a España el 23 de abril de 1943 y tal y como estaba previsto, se reúne con Franco tras ver a su amiga Conchita Montenegro. La explicación oficial quo se dio fue que el actor británico se encontraba en nuestro país para dar unas conferencias sobre Hamlet (recordemos que en España aún no se había estrenado "Lo que el viento se llevó" pero es probable que Leslie Howard fuera un actor más que conocido).

Tras su gira española, Leslie Howard recala en Lisboa, de donde parte el 1 de junio de 1943 dirección Bristol. Cuando el Ibis en el que viajaba junto a otras 16 personas sobrevolaba A Serra da Capelada (Cedeira), muy cerca de la capilla de San Andrés de Teixido, aquella a la que vai de morto o que non foi de vivo, un escuadrón de junkers nazis abre fuego contra el aparato, derribándolo. Durante años se especuló con la idea de que los alemanes atacaron aquel Ibis convencidos de que el propio Churchill viajaba en él. Pero en realidad, el III Reich sabía que era Leslie Howard, agente del gobierno británico, el que volaba en aquel avión.

Hoy, Leslie Howard y 16 personas más, descansan en las bravas aguas atlánticas, frente a bellos acantilados cubiertos de herbas de namorar.

El 18 de julio de 2009 familiares del actor, así como del resto de las víctimas, además de los embajadores británico y holandés, rindieron homenaje en el lugar exacto donde se produjo el ataque (Lugar de O Coturelo) a la memoria de los fallecidos, descubriéndose una placa conmemorativa e inaugurándose un monumento consistente en una réplica exacta de las hélices del avión derribado.

Tres meses después del derribo del avión, la División Azul volvió a casa y Franco declaró España neutral.

Sobre esta interesante historia existe un libro publicado que lleva por título "El vuelo del Ibis" (José Rey-Ximena).

todos los días del año

2011-12-01T08:26:00.001-08:00

Yo confieso: nunca he entendido muy bien los Días Internacionales de. Es como si el resto de los días del año no existiera esa causa, esa enfermedad, ese problema... Hoy es 1 de Diciembre, Día Internacional de la Lucha contra el SIDA, día de lacitos rojos y buenos propósitos, de fotos y photocalls, de solidaridades apresuradas e intereses fingidos.

La "visibilidad" de Rock Hudson supuso un gran paso en la lucha contra los prejuicios, los falsos mitos y las falsas creencias. Todo grupo minoritario y discriminado necesita de referentes públicos que ayuden a normalizar una situación. Él fue uno de los primeros en dar voz a muchas personas que aterradas guardaban silencio y bajaban la cabeza porque no existía otra enfermedad que implicara un juicio paralelo, no exisitía otra enfermedad de la que uno debiera avergonzarse (lamentablemente, así sigue siendo).

Hace años, cuando era voluntario de un Comité antiSIDA, impartía talleres a adolescentes con hormonas revolucionadas y prejuicios adquiridos. Yo entraba en la clase con un botellín de agua y me limitaba a explicarles qué eran el VIH y el SIDA, cuáles sus vías de transmisión, cuáles las prácticas de riesgo... Les explicaba - mientras bebía agua de mi botella- que eso de los grupos de riesgo era una invento, que todos éramos un gran grupo de riesgo muy vulnerable. Cuando estaba a punto de finalizar, después de que afirmaran que todo les había quedado muy claro, les retaba a que bebieran de mi botella de agua. Un silencio espeso e incómodo se apoderaba de la clase. Al final, in extremis, siempre se levantaba un "valiente" y bebía de mi botella, más por hacer el payaso que por convicción, y todo ello a pesar de que yo, en ningún momento, decía si era o no era seropositivo... ¿Habrá cambiado algo?

Rock Hudson abanderó con su imagen una causa e incluso, cuando ya no pudo hablar, sus amigos hicieron de altavoz. Burt Lancaster transmitió uno de sus últimos mensajes: "No estoy feliz por tener SIDA, pero si esto puede ayudar a otros, al menos puedo saber que mi propia desgracia tiene un valor positivo".

Y lo tuvo!!

Todavía queda mucho por hacer. Podemos comenzar pensando que mañana, y pasado, y el mes que viene, y todo el año, es el día de la lucha contra el SIDA.

otras imágenes: ¿felices fiestas?

2011-11-29T10:56:00.000-08:00

Mientras esperamos ansiosos el momento de ganar nuestras alas (valeeeee.... y de buscar el muérdago bajo el que, discretamente, colocarnos a la espera de un beso) quiero inspirar a los creativos publicitarios de Ese Cava.

Tomen nota!

Yo confieso: no sería maravilloso que al final de estas imágenes Natalie Wood nos deseara felices fiestas?

santa loretta young

2011-11-25T09:14:00.000-08:00

Vengaaaaa!!! Vaaaaa!!! Confesad, queridísimos pecadores, que os gusta más una trastienda que a Hitchcock una rubia - yo soy el primero que entona el mea culpa, eh? - y que a veces nos gusta más bucear en el Hollywood de las apariencias y las falsas morales que en el de las deslumbrantes alfombras rojas. Así que decoramos el confesionario en tonos amarillos y pasamos a desmenuzar con todo lujo de detalles (verdaderos o falsos ¿acaso importa?) una de esas historias que no salen en ese gran pozo de sabiduría llamado wikipedia y a la espera de que alguno de vosotros me ayude a completar o complementar esta gran vida ejemplar.

La niña, hoy difunta, nació con el nombre de Gretchen Young pero sus ¿amigos? íntimos sólian llamarla "Gretch, the Wretch", que en el cristiano de toda la vida viene a ser "Gretch, la miserable". Pero no quedó ahí la cosa. "La manipuladora", "La hermosa carcelera de Hollywood", "La mariposa de acero", "Alondra con espinazo de hierro" y, ya talludita, cuando se reinventó, "Sor Atila" o " Santa Loretta", fueron algunos de los cariñosos apodos con los que era conocida nuestra pecadora de hoy. Porque sí, mentes calenturientas, Loretta Young pecó, vaya si pecó, pero encontró la auto-redención (imagino que a base de repetirse una y otra vez aquello de "quien esté libre de culpa que tire la primera piedra") y hoy debe estar sentada a la derecha del Padre usurpándole el puesto al Mismísimo.

Como muy bien sabeis, en toda crónica amarilla que se precie, es necesaria una ingeniosa frase de Joan Crawford para darle más color al asunto. Aquí también la tenemos ¡cómo no! y sin más demora la reproducimos para ubicar al respetable en la historia. Asistía Joan Crawford a una de esas fiestas de postureos, chismes y vanidades cuando el maestro de ceremonias le ofreció una posadera en donde descansar el visón. La Crawford y su causticidad respondieron: "!Ahí no! Acaba de sentarse Loretta Young y ha dejado la señal de la cruz en el asiento".

Pero comencemos por el principio.

Loretta Young llega a Hollywoodland con tres añitos, acompañada de sus hermanas y su recién divorciada madre. Aunque de pequeña intervino en varias películas (entre ellas en una del mismísimo Valentino) su carrera infantil se detiene cuando su madre la interna en el Convento Ramona para recibir una educación como Dios manda. Nada más salir vuelve a la carga hasta que obtiene su primer papel de importancia en 1928 junto a Lon Chaney en "Ríe payaso, ríe". Algo vamos a reconocerle a Santa Loretta: superó con éxito la prueba del sonoro y salió despegada hacia el estrellato en su primera etapa, esa etapa en la que un crítico del New York Times dijo: " Sea lo que sea lo que jamás tuvo esta actríz aún está lejos de tenerlo" ¿ Y qué tenía Loretta Young? Pues principalmente unos grandes pómulos bajo unos grandes ojos y un gran, grandísimo, mal gusto para vestir. Su cuerpo, normalito, tirando a flojo para los cánones imperantes en la industria de la época, por lo que a veces era necesario "manipularlo" para sacarle el máximo partido ante las cámaras.

Con 17 años, en 1930, se fuga con el actor Grant Withers para casarse pero ¡Oh Dios mío! ¡No lo hacen ante un cura!! Por lo que durante todo un año, con sus días y sus noches, le niegan la comunión hasta que su matrimonio es anulado en 1931 (para el que le interese, este primer marido fue perdiendo fuelle tras el divorcio para ganar querencia etílica hasta que se suicidó).

Santa Loretta continuaba su carrera meteórica cuando en 1935 siente "La llamada de la selva" junto al pre-loquelevientosellevó Clark. El binomio Young/Gable funcionó dentro y fuera del set. Preguntado el director del asunto, Willian Wellman, dijo: "Todo lo que sé es que Loretta y Clark se hicieron muy amigos mientras rodábamos y allá, en el norte, hace un frío terrible". Las apuestas comenzaron a rular. Era sabido que Gable le ponía los cuernos a su esposa Ria y lo que se esperaba era que tras el divorcio los amantes contrajeran matrimonio. Pero todos los que apostaron algo lo perdieron.

Un buen día la Fox anuncia que retira a Miss Young durante una temporada por "problemas de salud". Después de todo un año, de nuevo con sus días y sus noches, Loretta vuelve al trabajo y en 1937 se anuncia que ha adoptado una criatura de nombre Judy que en ese momento tiene 23 meses y de la que se enamoró cuando la vio en un orfanato de San Diego decorando un árbol de navidad. (Tierno, eh? Es que Santa Loretta era muy Santa!) Sólo había un pero: ¿cómo era posible que Loretta Young hubiera adoptado a una niña cuando en el estado de California estaba prohibida la adopción para los solteros? De nuevo se le volvió a preguntar a William Wellman sobre al particular y de nuevo Wellman volvió a responder: "Una vez acabado el film ella desapareció por un tiempo y luego se presentó con una hija que tiene las orejas más grandes jamás vistas salvo en un elefante".

Y así debía tener la pequeña sus apéndices auditivos porque poco después de la "adopción" Loretta sometió a su hija a cirugía plástica para disimular el "problema".

Abro paréntesis. (Llegados a este punto, quiero hacer notar al respetable, vosotros, que el autor, yo, en ningún momento ha atribuido la paternidad de la criatura a nadie en concreto porque yo también soy un santo. Pero prosigamos que vienen curvas...Cierro paréntesis).

La vida, como siempre ha ocurrido, continuó, y en 1940 Loretta se casa con el multiusos (ejecutivo, productor, escritor) Thomas Lewis, un buen hombre que tiene a bien darle a la hija sin padre conocido un apellido y a su mujer dos vástagos más ¡Habemus prole! Si hacía unos años había sentido la llamada de la selva ahora Loretta comenzaba a sentir la llamada de Dios. El matrimonio instaló en cada una de las puertas de su inmaculada mansión una pila de agua bendita. Las malas lenguas (envidiosas) aseguraban que el ejemplar marido fotografiaba a la fiel esposa imitando a la Santísima Virgen (me imagino a la Crawford presa de los celos). La canonización de Loretta Young iba por buen camino.

El destino, siempre caprichoso, quiso que en 1950, entre tanta santidad y beatitud, la ya oscarizada Loretta coincidiera de nuevo en un rodaje con el post-loquelevientosellevó Gable, encendiéndose irremediablemente aquella tempestuosa y maligna llama que con tanta agua bendita la pobre madre coraje había tratado de apagar. Tantos debieron ser los esfuerzos para evitar sentirse pecadora que terminó en las urgencias de un hospital. Diagnóstico: aborto.

Loretta Young había llegado a un punto en el que no caminaba, levitaba. Allá por donde iba irradiaba santidad. Ya retirada del cine y volcada por completo en su exitoso show televisivo, instaló en el plató la "hucha de las blasfemias" para que todo aquel que durante los rodajes osara proferir algún improperio tuviera un lugar en el que depositar su penitencia pecuniaria y, al mismo tiempo, contribuir como buen cristiano a la obra de la "St. Anne´s Maternity Hospital de Los Ángeles para madres solteras" ¡Cuánta bondad! Y es que la penitencia era muy dura. Nombrada Presidenta de la "Asociación Cívica por una literatura decente" durante el mandato de Reagan como gobernador de California, recorrió todo el estado impartiendo desde un púlpito conferencias que condenaban la pornografía y la literatura sexualmente explícita. Incluso habían comenzado a obrarse milagros. Cuando ella estaba dando uno de sus sermones en una ciudad, se producían atentandos contra los sex-shops ¡Qué cosas! Su entrega a la sociedad era tal que en 1966 una cadena de diarios católicos comenzó a publicar una columna escrita por ella dedicada a los amantes abandonados. Algo debió aprender porque en 1969 se divorcia de su santísimo fotógrafo Lewis.

Pero ya conoceis el dicho: no escupas hacia arriba que.....Y es que en 1977 su hijo Christopher Lewis, un joven de 21 años que coqueteaba con la realización de películas, es detenido bajo acusación de "comportamiento incívico con dos niños de trece años" después de que la Brigada contra el Vicio incautara en su laboratorio lo que la policía definió como una "película porno con niños" titulada Genesi´s Children y de la que os ahorraré los detalles. Chris nunca recurrió la acusación (¿quiere esto decir que se declaraba culpable?) de la fiscalía e inexplicablamente (para la prensa) sólo fue condenado a 5 años de libertad condicional y 500$. Su Santa Madre,como no podía ser de otra forma, no se ensució la boca hablando del tema. Imagino que estaría ocupada rellenando las pilas de agua bendita de su particular portal de Belén.

Santa Loretta dedicó los últimos años de su vida a labores de caridad junto a su amiga Ángela Chaning ¡ups! queremos decir Jane Wyman. Aunque a mediados de los 70´s se anunció su regreso para dar dar vida a la primera santa norteamericana, la Madre Cabrini, bajo las órdenes de Scorsese, el proyecto nunca se llevó a cabo. Sí resulta curioso, a la par que ilustrativo, lo que Martin pensaba sobre el personaje: "una santa nada santa que había hecho la calle y se había abierto camino a codazo limpio en la sociedad".

Cinco años antes de partir hacia la eterna morada, se vuelve a casar con Jean Louis, sí, sí, el diseñador del vestuario de "Gilda", para morir en 1997 de un cáncer de ovarios.

Dios la tenga en su gloria.

Amén

otras imágenes: but you are, Blanche!

2011-11-22T02:20:00.000-08:00

La maledicencia hecha mujer.

Atrapada por un oscuro síndrome de Peter Pan, Baby Jane ha sido, es y será una de las malas malísimas del cine aunque en el fondo de tanta inmundicia se esconda una gran víctima.

¿Somos siempre conscientes de quién es el malo de la película?

natalie wood que estás en los cielos

2011-11-18T23:46:00.001-08:00

Hace unos días la amiga SqSMaravillosa nos contaba en su (como siempre) completísimo homenaje a Natalie Wood que en el año 2.010 la hermana de la actriz había solicitado reabrir el caso de su inquietante muerte. Pues bien, como supongo que ya sabreis, ayer saltaba la noticia en casi todos los medios escritos: "La policía reabre el caso de la muerte de Natalie Wood, 30 años después". Y lo más curioso es precisamente eso, que 30 años después, sigue interesando el caso porque se encuentra entre las noticias más leídas. Claro que, con la que está cayendo, supongo que cuando uno lee un titular que se aleja de la triste cotidianidad a la que asisitimos es de esperar que ocurran estas cosas.

Hasta ahora lo único que sabemos es que ha aparecido "nueva información" y se ha solicitado la ayuda de todo aquel que sepa (o mejor dicho, recuerde) algo al respecto. En una esperadísima rueda de prensa el sheriff ha sido muy claro al responder a la pregunta de si Wagner era sospechoso de la muerte de su esposa: Un NO tajante y claro fue la respuesta.

Mucho me temo que quien está detrás de todo esto es el patrón del "Splendor", un tal Dennis Davern, el cual se está haciendo su particular tourne televisiva para asegurar que la versión que en su día vio la luz había sido previamente pactada por Wagner (principal sospechoso), Christopher Walken (que también estaba en el barco aquella noche) y el propio Davern, ya que - según él- Natalie Wood jamás se subiría sola a una zodiac a sabiendas del pánico que le tenía al mar. La policía, por su parte, afirma que las nuevas informaciones no tienen nada que ver con los cinco minutos de gloria del patrón.

Un ocaso convulso parece que le espera a un Robert Wagner que a sus 81 años deberá asistir con cierta inquietud al desarrollo de los acontecimientos.

En cualquier caso y parafraseando a mi costumer coordinator Jack Lemmon: "serán rompemitos!!!" porque, yo confieso, este tipo de muertes inquietantes que dan pie a teorías conspiranoicas - cuando no absurdas- forman parte del tinglado, reconozcámoslo. Una gran estrella con una muerte dudosa está predestinada a que su halo permanezca por mucho más tiempo sobre nuestras cabezas.... y nosotros encantados, oiga.

Y qué duda cabe (ninguna!!): ya no se muere como se moría antes, hasta para eso se ha perdido el glamur.

¿Adónde vamos a ir a parar?

vida perra

2011-11-15T11:40:00.000-08:00

"Linda Christian nunca alcanzó mucha fama como primera actriz, pero, gracias a las revistas de chismes, se dio a conocer por sus romances en la vida real. Terminó casándose con Tyrone Power. En 1.958, él subió para siempre al gran plató celestial. En 1.964, Linda fue requerida por Francesco Rosi para hacer el papel de una actriz norteamericana en una coproducción italo-española, El momento de la verdad, historia sobre la vida de un torero. Se aficionó a los toreros que conoció durante el rodaje y tuvo un romance con el más famoso de todos, Luis Miguel Dominguín. Acabada la película regresó a Roma y a su ático con terraza en un rascaciones de Parioli, el barrio más lujoso de la capital italiana. Allí solían visitarla los matadores amigos suyos, alguno de los cuales le llevaban de regalo las orejas de los toros abatidos. El chihuahua de Linda, MOUSIE, que desde cachorro había compartido cama con su dueña, empezó a sentir crecientes celos de los toreros que la visitaban; en cierta ocasión destrozó a dentelladas una de las orejas destinadas a la colección de Linda. Demasiadas veces tuvo Mousie que desalojar la cama para dejar lugar a los toreros. El momento de la verdad llegó para el chihuahua celoso en junio de 1964; la neurótica mascota, que desde hacía un tiempo recibía cada vez menos atenciones, saltó finalmente desde la terraza en un rapto de auténtica desesperación canina".

Hollywood Babilonia II

Kenneth Anger

Y digo yo: ¿cuántas inocentes mascotas se habrán suicidado presas de los celos desenfrenados? ¿Cuántas pobres criaturas han sido relegadas a un segundo plano por culpa de la pasión desatada de sus dueños? ¿Cuántas perritas de Hollywood envidiaban en silencio a la musa Lassie, esperando, tumbadas en una chaise longue de capitoné aterciopelado, su gran oportunidad?

Ays, vida perra!

something´s got to give: la trastienda ( y III)

2011-11-11T10:18:00.001-08:00

Tras la laureada escena de la piscina el optimismo comenzó a rebrotar en la Fox. Marilyn llevaba una semana ininterrumpida de rodaje y el viernes 25 de mayo se fue a casa realmente contenta. Sin embargo, para muchos (entre ellos el productor Henry Weinstein) este fin de semana marcó un antes y un después en su vida porque estuvo, literalmente, desaparecida ¿Dónde estaba Marilyn? Para otros, como el escritor Donald Spoto, no había tanto misterio: "Marilyn pasó casi todo el fin de semana sola pero el sábado salió con Pat (Newcomb) a comprar comida (...)Estaba tomando los antibióticos que le habían sobrado de la sinusitis, pero el sábado la infección era evidente y la temperatura había alcanzado los 39 grados. Una inyección de una dosis masiva de penicilina la curó en tiempo record pero el lunes no pudo presentarse a trabajar".

En lo único que hay coincidencia es en que Marilyn no acudió a trabajar el lunes. Si en los informes de producción antes se indicaba que la actriz "estaba enferma" ahora se decía: "la empresa no rodó porque Marilyn Monroe no se presentó a trabajar". Al día siguiente, sí acudió al estudio pero los problemas de concentración eran evidentes.

Y llegó el 1 de junio, el día en el que Marilyn cumplía 36 años, una edad bastante crucial para una actriz. A pesar de todos los retrasos ocasionados, había una tarta esperándola en el set (yo confieso: quién podría resistirse a ver como Marilyn soplaba sus velas?) pero se aseguraron muy bien de que la celebración no comenzara hasta las 6 de la tarde, cuando terminaran de rodar. Todo fue sencillo y austero, mera cortesía. Ese mismo día, Marilyn acabó su jornada recaudando fondos en un estadio para la investigación de la distrofia muscular. El aire fresco del atarceder provocó un empeoramiento en su sinusitis y una nueva ausencia al trabajo, la décimo séptima.

Y el vaso, finalmente, rebosó. Cukor agotó su paciencia. Dean Martin, realmente molesto, abandonó el plató en un ataque de ira. Y, sin más, el rodaje se detuvo. De treinta días de trabajo, Marilyn sólo había acudido trece. El presupuesto de la producción ya superaba el millón de dólares y los rumores sobre la sustitución de Marilyn comenzaron a cobrar fuerza. El Doctor Greenson, actuando de mediador entre la Fox y Marilyn, se reunió con los abogados del estudio para convencerlos de que su "paciente" podría trabajar siempre que se tratara de "peticiones sensatas".

El 6 de junio en la Fox se discutía el futuro de Marilyn Monroe. George Cukor, que asistía a aquella reunión, insisitía en su sustitución, y no contento con ello, filtró a la columnista Hedda Hopper que la actriz había sido despedida y que estaba acabada para Hollywood. La bola de nieve comenzó a hacerse más y más grande. La prensa especializada abría sus ediciones con titulares como " estudio en crisis por Marilyn Monroe". Finalmente, el 8 de junio de 1.962, la Fox despedía a Marilyn Monroe. Tres días más tarde las más de cien personas que formaban el equipo recibieron una carta de despido. La culpable tenía nombre y apellidos. Marilyn se sentía humillada.

En un intento por salvar la película, la Fox comenzó a buscar sustitutas. Kim Novak y Shirley MacLaine rechazaron el papel. Lee Reemick, que encajaba perfectamente en el vestuario que se había diseñado para Marilyn, aceptó. Pero cuando Dean Martin tuvo conocimiento del cambio de actriz, presentó su dimisión amparándose en una cláusula de su contrato que establecía que si Marilyn era sustituida él tenía que dar el visto bueno. La Fox estaba en un callejón sin salida.

Por su parte Marilyn estaba dispuesta a pelear. Su imagen estaba siendo maltratada y era necesario recobrar el prestigio. Así que jugó sus mejores cartas y durante más de un mes se dedicó a conceder entrevistas a los periodistas más prestigiosos y a posar para sesiones de fotografía. Entre estas sesiones se encuentra la famosa serie de fotografías (sus últimas fotografías) realizadas por George Barris y que aparecieron en la revista Life. Además, de dedicó a mandar telegramas a sus compañeros de reparto preguntándoles si estaban dispuestos a continuar con el rodaje. Todos le contestaron que sí.

La Fox cambió de opinión y pidió a la actriz que volviera. Las negociaciones fueron duras pero ambas partes hicieron sus concesiones. Marilyn aceptó prescindir de Paula Strasberg a cambio de que George Cukor fuera sustituido por Jean Negulesco. Al mismo tiempo, firmó con la Fox un contrato para dos películas por un millón de dólares y se decidió reanudar de inmediato el rodaje de "Something´s got to give".

Aunque la presión había ocasionado que Marilyn sufriera más insomnio del habitual y aunque estuviera recibiendo la visita diaria de dos médicos que le recetaban somníferos, tenía razones para estar contenta. Su carrera parecía salvada y su salud - más allá del insomnio - parecía recobrada.

El 4 de agosto rechazó una invitación para ir a cenar a casa de los Lawford y decidió quedarse en casa.

Esa misma noche moriría.

Y hasta aquí la historia de Something´s got to give y de los últimos días (profesionales) de Marilyn. La Fox hizo finalmente aquella película pero en 1.964 y con Doris Day y James Gardner como protagonistas y "Move over, Darling" como título. Afortunademente se han rescatado los más de 500 minutos rodados por Cukor y se ha realizado un montaje de apenas 20 minutos de duración....pero lo que se ve en ellos será para otro día.

Cinéfilo fin de semana para tod@s!!

something´s got to give: la trastienda (II)

2011-11-09T11:42:00.001-08:00

Pospuesto el rodaje por Cukor hasta el 23 de abril, Marilyn decidió ir a pasar unos días con los Strasberg a Nueva York para preparar su papel. Cuando regresó a Los Ángeles, el 19 de abril, oh my God ¡padecía una fuerte gripe!

En la industria eran conocidos los retrasos y ausencias de Marilyn motivados por resfriados, gripes, sinusitis y demás variantes. También era sabido que si no estaba fisicamente perfecta era muy difícil que apareciera en el set de rodaje. Lo que quizás no se sabía tanto era que, muy probablemente, el estrés que sufría la actriz antes del inicio de un rodaje provocaba una bajada de sus defensas que propiciaba este tipo de dolencias. Pero en esta ocasión el propio médico del estudio, tras examinar a Marilyn, diagnosticó que efectivamente padecía una gripe y sugirió que se aplazara el rodaje un mes como mínimo. Evidentemente su consejo fue ignorado y tal y como estaba previsto, el 23 de abril Cukor inició el rodaje de Something´s got to give sin su estrella principal. Modificando el plan inicial, comenzaron a rodar las escenas entre Cyd Charisse y Dean Martin.

Marilyn no apareció en toda la semana (ni siquiera estuvo presente en la visita que el Sha de Irán y su esposa hicieron a los estudios y al set de rodaje) y el equipo se ajustó a ello rodando escenas en las que ella no aparecía.

Desobedeciendo las órdenes de los médicos, el 1 de mayo Marilyn se presentó a trabajar a las 7 de la mañana pero a las pocas horas se desmayó y la llevaron a casa. El temor comenzaba a correr por el set como la pólvora. Cukor, en un intento de tranquilizar los ánimos de las más de 100 personas que formaban el equipo dijo: "No os preocupeis. Todo saldrá bien. Hay que tener paciencia con Marilyn. Esto es lo habitual pero es tan maravillosa que valdá la pena". Y durante otra semana continuó el rodaje con las escenas en las que Marilyn no intervenía.

El 7 de mayo Marilyn enfermó por décima vez y su "conducta" puso a prueba la paciencia del equipo. Al día siguiente el rodaje tuvo que ser detenido porque ya no se podía continuar sin ella. El informe de producción del 10 de mayo decía que la presencia de la estrella era necesaria en el resto del guión. Marilyn sólo había trabajado dos días y medio y la película llevaba 5 días y medio de retraso ¡Suma y sigue! La Fox estaba perdiendo los nervios: no podían permitirse gastar más dinero y la película debía estrenarse en octubre para hacer frente al aumento de deudas que estaba provocando "Cleopatra". Pero ¿qué pasaba en Roma? No sólo los gastos venían provocados porque la producción se les había ido de las manos. Lyz Taylor también estaba sufriendo problemas de salud (uno de ellos casi la mata) pero parecía que exisitía un doble rasero por parte de los directivos a la hora de tomar en consideración las dolencias de una y otra actriz. Hagamos memoria: en 1.962 Liz Taylor era la estrella indiscutible de la Fox. Copaba portadas y portadas de revistas y periódicos ya fuera por sus calamidades ya por sus idas y venidas (o metes y sacas) con Burton. No era de extrañar, teniendo en cuenta la mentalidad de los directivos de la Fox, esta discriminación positiva en favor de una exhuberante y prometedora actriz que estaba a punto de cumplir 30 primaveras.

El 14 de mayo, Marilyn reapareció por tercera vez en el plató. Yo confieso: Cukor se equivocó a la hora de elegir la escena que había que rodar. El personaje interpretado por Monroe, Ellen Arden, llegaba a su casa después de permanecer cinco años desaparecida/muerta. Allí se reencontraba con sus hijos que, evidentemente, no la reconocían. Sólo el perro parecía darse cuenta de que su dueña había regresado. Pues bien, Cukor decidió rodar la escena en la que el perro reconoce a Ellen. Marilyn estuvo impecable, sin embargo el perro no quería trabajar, por lo que se repitió la toma una y otra vez perdiendo un valioso tiempo.

Marilyn se había reincorporado al rodaje y con ella, a razón de 5.000 dólares semanales, su profesora Paula Strasberg, el terror de los directores. Marilyn, para desesperación de Cukor, sólo atendía a las órdenes de su maestra. Ambas se encerraban en el camerino y no aparecían hasta que consideraban que Monroe estaba realmente preparada. Al mismo tiempo, si a Strasberg no le convencía una escena ésta se volvía a repetir, se pusiera Cukor como se pusiera. Sobra decir que el pobre George, a estas alturas, ya la odiaba con todas sus fuerzas. Pero si Paula, Marilyn y toda la retahíla de inconvenientes (a buena o mala fe) que hacían casi imposible la normalidad del rodaje fueran pocos, se unió a ellas Pat Newcomb, la publicista de Marilyn, otra barrera infranqueable que era necesario atravesar para llegar a la actriz.

El 17 de mayo, tras varios días seguidos sin "sorpresas" Marilyn fue a trabajar a pesar de tener fiebre. Fueron necesarias horas de maquillaje para disimular su mal aspecto y Cukor se vio obligado a emplear filtros para disimular el estado febril. Se rodó la escena en la que Ellen se reencuentra con sus hijos y Marilyn con su sueño eterno: ser madre. Todo parecía coger forma hasta que ese mismo día se supo que tenía pensado asistir en Nueva York a la fiesta de cumpleaños de Kennedy.

Para ser justos hemos de decir que antes del inicio del rodaje Marilyn ya contaba con un permiso provisional de Weinstein para ausentarse del rodaje y asistir a la ceremonia donde cantaría el célebre happy birthday. Efectivamente, en las notas de producción constaba por escrito este permiso, sin embargo, a la vista de los retrasos que acumulaba la producción Peter Levathes le imploró - incluso le prohibió a través de una carta - que no asistiera. Como ya sabeis, Marilyn, para regocijo de la humanidad de ayer y de hoy, asistió al evento y, yo confieso: se lo agradezco. La película no se acabaría pero Marilyn brindó una de sus más famosas apariciones, como si la de un ángel se tratara, que permanece todavía hoy en el imaginario colectivo.

Pero el lunes llegó y con él el trabajo. Había sido un fin de semana intenso, así que Marilyn Monroe comunicó a George Cukor que nada de primeros planos y muchos filtros para disimular su cansancio. Las cosas empeoraron cuando al día siguiente Marilyn alegó un nuevo motivo para no rodar durante 3 días: Dean Martin estaba resfriado y temía contagiarse. A punto de perder el poco respaldo que tenía en el equipo, todo cambió el 23 de mayo cuando apareció exultante para rodar la famosa escena de la piscina. Con sus operadores de cámara favoritos y contados miembros del equipo en el set, Marilyn Monroe se desnudó por completo para mostrar al mundo que a sus casi 36 años seguía teniendo un cuerpo perfecto.

Cuando terminó la escena afirmó: "Esto sacará a la Taylor de las portadas de las revistas". Y así fue.

To be continued....

Os quiero pedir disculpas por mi ausencia en vuestros blogs....Intento visitaros y comentaros todo lo posible pero no al ritmo que me gustaría....Volveré, a Dios pongo por testigo....

something´s got to give: la trastienda (I)

2011-11-09T08:58:00.000-08:00

Something´s got to give (George Cukor, 1962) ha pasado a la historia como la película inacabada de Marilyn Monroe, la película en la que por primera vez en la historia del Hollywood post-Hays una actriz se desnudaba competamente ante las cámaras, la película que consiguió que Marilyn Monroe fuera despedida por sus sonados retrasos y ausencias. Pero la historia de cómo se fraguó Something´s got to give, más allá de ser un testimonio sobre los últimos meses de Marilyn Monroe, es un claro ejemplo de cómo funcionaba el star system y ayuda a comprender que el cine no sólo es magia sino también dinero.

El origen de Something´s got to give hay que buscarlo en Roma, donde se rodaba (o se intentaba rodar) la faraónica "Cleopatra" de Mankiewicz. La 20th Century Fox padecía una severa y larga crisis financiera causada, principalmente, por la producción de la película que hizo de Elizabeth Taylor la primera actriz en ganar un millón de dólares. Sus problemas de salud, los costosos escenarios, los retrasos de producción... abocaban al estudio hacia la quiebra. Había que actuar. Era necesario realizar urgentemente una película que pudiera estrenarse a finales de 1962 y permitiera obtener ingresos.

¿Qué gran estrella capaz de conseguir un taquillazo estaba en la plantilla de la Fox? Marilyn Monroe, la cual llevaba 2 años sin trabajar para un estudio que ahora "suplicaba" sus servicios. El productor David Brown fue el encargado de convencer a la actriz para que se embarcara en el proyecto. Aunque Monroe no quería hacer la película, el contrato draconiano que la sometía a la Fox no le dejaba mucho margen de maniobra. Con todo, junto a la Fox, Marilyn Monroe Productions coproduciría la cinta (" creo que tengo el derecho a dar el visto bueno a un director, es muy importante para mí" afirmara Marilyn cuando fundó su productora en 1.955 con la intención de tener el control creativo de sus proyectos).

George Cukor, uno de los directores que se incluían en la famosa lista de realizadores con los que MM quería trabajar, tampoco quería hacer la película y además le inquietaba la idea de trabajar nuevamente con ella tras su experiencia en "El Multimillonario". David Brown consiguió convencerlo y en enero de 1962 firma a regañadientes el contrato con la Fox.

Cyd Charisse y Dean Martin completarían el reparto. Sin duda, conseguir su participación fue lo más fácil para Brown.

Habemus super estrella. Habemus director ¿Habemus guión definitivo? No, a pesar de los esfuerzos del guionista de la Fox A. Schulmann por reescribir los diálogos porque la idea, queridos confesos, era realizar un remake de la película "My favorite wife" (Garson Kanin, 1.940) protagonizada por Cary Grant e Irene Dunne.

Los nervios comenzaban a aflorar. A un guión provisional se unía una Marilyn recién divorciada de Arthur Miller que ahogaba sus penas en somníferos con champagne. La película debía estrenarse a toda costa en octubre con el fin de aliviar la precaria situación económica que atravesaba la Fox. Temiendo que la situación se fuese de las manos, uno de los jefazos, Peter Levathes se reunió con el psiquiatra de Marilyn, el Dr. Greenson, para implorarle que controlara la conducta se su paciente.

Pero lo que hizo el listo de Greenson fue tomar el control del proyecto, posiblemente, amparándose en la voluntad (falsa o no ) de Marilyn. Despidió al productor David Brown y lo sustituyó por su amigo, el productor Henry Weinstein, lo cual enfureció a Cukor.

Y así dio comienzo una interesante partida de ajedrez que se extendería a lo largo de todo el rodaje. Marilyn Monroe, Greenson y Weinstein frente a George Cukor y su director artístico Gene Allen. Sólo coincidieron en una cosa: el guión debía trabajarse más. Y así fue. El oscarizado Nunnally Johnson ("Cómo casarse con un millonario") llegó para reescribir el guión mano a mano con Marilyn y Weinstein, quienes quedaron encantados con la visión que el guionista le dio a la historia. Pero cometieron el error de no dejar participar a Cukor en la re-elaboración de los textos. Ni siquiera era convocado a las reuniones, lo cual aumentaba su furia. Por otra parte consideraba que la versión de Johnson se alejaba del encanto original de "My favorite wife".

Como era de esperar, a los dos meses Nunnally Johnson fue sustituido por Walter Bernstein quien comenzaría a reescribir el guión junto a Cukor (sólo con la reescritura se excedió el presupuesto en 300.000 dolares. Un suma y sigue para la Fox) mientras su director artístico, Gene Allen, supervisaba la construcción de los decorados, una réplica exacta del jardín de la casa del director. Por otra parte, mientras el departamento de vestuario trabajaba a marchas forzadas, Weinstein perseguía a Marilyn para que se presentara a trabajar. Finalmente, el 10 de abril de 1.962, Marilyn apareció para realizar las pruebas de maquillaje y vestuario pero, para su sopresa, Cukor no estaba en ellas para supervisarlas. Con todo, convenció a todos de que se encontraba en plena forma.

Tres semanas antes de comenzar el rodaje, Weinstein acudió a casa de Marilyn para celebrar lo bien que había salido todo. Se la encontró casi desnuda y completamente ida. Había que posponer el rodaje. Pero el estudio opinaba que aunque estuviera fuera de control los problemas personales que pudiera tener eran asumibles. Marylin sorprendió a todos acudiendo sólo tres días después de esta supuesta sobredosis a una reunión para hablar del guión, el cual todavía necesitaba mucho trabajo, por lo que Cukor decidió posponer el inicio del rodaje una semana, hasta el 23 de abril.

To be continued....

wyler según davis

2011-10-30T07:04:00.000-07:00

Sin William Wyler mi carrera no habría sido tan brillante. Con "Jezabel" fue cuando realmente empecé a ganar dinero. Fue un gran film gracias a su dirección. El director lo es todo. No hay duda. Yo no había hecho más de dos tomas hasta filmar "Jezabel", si decías bien tu parte estaba bien. Pero él era muy exigente. Tenía su propia manera de filmar. Decía "no me importa lo que pasa mientras filmamos esto, si nos llevamos bien o no... sólo me importa lo que vea el público". Conocía el film de principio a fin. En esos día era la manera en que un director se protegía de gente como Jack Warner que con la primera edición arruinaba todo. El Sr. Wyler nunca dejó que el Sr. Warner editara nada. Hitchcock hacía lo mismo, al igual que los grandes directores, porque los que tenían la última palabra en el montaje arruinaban todo creyendo que hacían lo correcto. Fue la primera persona que realmente me dirigió porque si el director es bueno tú eres buena. Como actriz me dio otra categoría, no hay ninguna duda.

Estoy llegando....gracias a tod@s!!

happy days are here again

2011-10-20T09:47:00.000-07:00

Como no sólo hay que estar para lo malo sino también para lo bueno (parece evidente, pero no es una práctica muy usual) os informo que aquel epílogo de bonnie&clyde que más de uno interpretó como el the end de YO CONFIESO ha tenido un final (relativamente) feliz e inesperado y que una nueva etapa laboral ha comenzado el pasado lunes de forma total y absolutamente sorpresiva. Para los tiempos que corren ha sido parecido a que me tocara la lotería.

Como todos los cambios, éste también requiere tiempo, así que es probable que en los próximos días no pueda estar con vosotros el tiempo que a mí me gustaría (comentaros a todos, leeros a todos....cuidaros a todos). Sin embargo, os prometo que en unos 10 días volveré a estar al pie del cañón preparado para gritar ¡ACCIÓN!

Y como Barbra ha dado juego (jejeje!) os dejo una bonita colaboración con Judy Garland para recordarnos que, a veces, los happy days , son una cuestión de actitud y que, si no llegan, al menos nos tenemos los unos a los otros para sonreirnos y leernos y escribirnos.

Sois de lo más increíble que me ha pasado este 2011.

otras imágenes: otras narices

2011-10-18T08:55:00.000-07:00

Pocos han sido capaces de hacer de sus "defectos" virtudes y entrecomillamos "defectos" porque la belleza, queridos confesos, es algo totalmente subjetivo. Lo que sí es objetivo es que la llegada al cine de Barbra Streisand se caracterizó por interpretar al patito feo que a base de tesón y esfuerzo se convierte en cisne (Funny Girl- William Wyler,1968).

A lo largo de su carrera, esa marathon caracterizada por convertir en oro todo lo que tocaba, Miss Streisand repitió clichés sintiéndose "fea" en más de una ocasión incluso cuando ella era la directora (El amor tiene dos caras, 1996). Sin duda, es un papel que le iba bien.

Su nariz es, quizás, su rasgo físico más carismático. Para interpretar casi por sistema a mujeres "poco agraciadas" fisicamente creo que hay que tener un gran sentido del humor y esta foto, del genial fotógrafo Richard Avedon, es una muestra de ello.

Pero, yo confieso, más que su nariz a mí siempre me ha llamado la atención el largo de sus uñas, siempre enormes (salvo en "Yentl", claro!) como auténticas cuchillas, y me sorprende todavía más cómo ha sido capaz de no herir a sus compañeros de reparto:una caricia de la Streisand puede ser muy peligrosa....

Claro que si un patito feo abre la boca y sale lo que sale, es fácil convertirse en cisne...

Lana Drama Queen Turner

2011-10-12T03:33:00.000-07:00

Cuando Johnny Valentine, más conocido como Johnny Stompanato, llegó a Cinelandia, las diosas del celuloide afilaron desafiantes sus uñas y, mostrando sus mejores armas, pelearon como gatas en celo por ser las afortunadas compañeras de alcoba de este gangster, guardaespaldas y gigoló que muy pronto fue apodado como "Oscar" en una clara alusión a los centímetros de la estatuilla que la Academia entregaba todos los años.

Sin embargo, Oscar sólo estaba interesado en una mujer: Lana Turner. Johnny sabía que "la chica del jersey ajustado" acababa de separarse del Lex Tarzán Barker. Aunque corría la primavera de 1957, un otoño peremne se había instalado en la vida de Lana Turner. Tras ser una de las reinas indiscutibles de la MGM y la mujer o amante (o ambas cosas) de hombres como Sinatra, Hughes, Power, Artie Shaw etcétera etcétera etcétera........ su declive profesional no había hecho más que empezar y, junto a él, un preocupante estado de vulnerabilidad emocional. Así que Johnny consiguió su teléfono privado y le sugirió a la pobre Lana una cita a ciegas sin olvidarse, evidentemente, de mencionar "su oscar".

Que a Lana Turner le iba la caña era algo sabido por todas y todos en Hollywood. Lana había sido arrojada escaleras abajo por uno de sus maridos, abofeteada en público por otro y empapada en champagne por un tercero. En otra ocasión, lucía unas grandes gafas de sol modelo funeral para esconder un ojo morado. Sin embargo ella afirmaba " los hombres son terriblemente excitantes y cualquier muchacha que opine lo contrario es una solterona anémica, una prostituta o una santa". Es palabra de Lana. Amén.

Evidentemente la relación con Johnny no era un campo de rosas. A él se le adjudican lindezas tales como " Cuando yo diga arriba, tú te levantarás. Cuando yo diga salta, tú saltarás" o " Te mutilaré, te haré tanto daño que te convertirás en un ser repulsivo y tendrás que esconderte para siempre". Uno de los puntos álgidos del dominio que el amo ejercía sobre su esclava se produjo en Inglaterra cuando Lana rodaba junto a Sean Connery "Brumas de inquietud" (Lewis Allen, 1958). El Sr. Stompanato se presentó en el set de rodaje y apuntando con una pistola a Connery le advirtió que se mantuviera alejado de Lana. Este incidente terminó, gracias a la inestimable ayuda de Scotland Yard, con la deportación de Johnny.

Pero Lana Turner estaba a punto de interpretar el mejor papel de toda su carrera. El 4 de abril de 1958, viernes santo (para darle más dramatismo) Jerry Geisler, uno de los abogados más importantes de Hollywood, recibió una llamada. Al descolgar el teléfono escuchó: " Soy Lana Turner. Ha ocurrido algo terrible ¿Puedes venir inmediatamente a mi casa, por favor?" El solícito Jerry se personó en la mansión colonial de Turner y comprobó como sobre el suelo yacía el cadáver ensangrentado de Johnny Stompanato. La escena era digna del mejor de los melodramas: Lana lloraba desconsolada mientras su hija adolescente Cheryl estaba al borde del ataque de histeria.

La prensa se frotaba las manos. El público vibraba de entusiasmo. La industria se echaba las manos a la cabeza. El juicio iba a convertirse en una cuestión de estado.

El testimonio de Cheryl conmovió a la nación. En una de las muchas peleas que tenía que presenciar escuchó "voy a rajarte y después haré otro tanto con tu madre y tu hija...esto es lo que voy a hacer ahora mismo". Así que Cheryl, según su propia declaración, corrió despavorida hacia la cocina, se hizo con un cuchillo de 9 pulgadas y regresó para ayudar a su madre.

Por su parte, el testimonio de Lana fue el siguiente: " Todo sucedió tan rapidamente que ni siquiera vi que mi hija tenía un cuchillo en sus manos. Pensé que le había golpeado en el estómago con sus puños. El Sr. Stompanato se separó y cayó de espaldas. Se llevó las manos a la garganta ¡Se ahogaba! Corrí hasta él y le levanté el jersey. Vi la sangre. De la garganta escapaba un sonido terrible..." Lana comenzó a llorar y casi se desmaya. Cuando se repuso continuó: " Traté de insuflar aire entre sus labios entreabiertos, mi boca contra la suya..." El abogado la sostenía. Un alguacil le trajo un vaso de agua. "Estaba muriéndose". Y Lana volvió a llorar.

La prensa fue unánime: Lana había interpretado la escena más dramática de su vida. La víbora Hedda Hopper sentenció: "Mi corazón sangra por Cheryl". Gloria Swanson, casi encarnando a Norma Desmond, escupió: "¡Esa pobre chica! La única verdad que nos ha contado es que para dormir se pone un camisón de punto. No es ni siquiera una actriz ¡es sólo una furcia!" Y es que los colegas de Johnny habían hecho bien su trabajo. Las cartas amorosas que la pareja se había intercambiado estaban en la portada de todos los periódicos y eran estudiadas minuciosamente por público, psicoanalistas, sociólogos, clero....

El jurado sólo necesitó 20 minutos para deliberar: HOMICIDIO JUSTIFICADO.

Pero Lana Drama Queen Turner capeó el temporal y cuando reapareció en la pantalla con "Imitación a la vida" (Douglas Sirk, 1959) esa película en la que todos los personajes envejecen menos ella, en las salas podía escucharse "¡ Estamos contigo, Lana!".

¡¡Y claro que estamos!!! No nos importa que hayas sido una madre disoluta y antinatural, que buscaras relaciones sentimentales autodestructivas, que no envejezcas en "Imitación a la vida", que sufras un ataque de histeria mientras conduces un coche en "Cautivos del mal" y no te mates.... No nos importa porque Lana Turner sólo hubo una y porque las drama queens además de serlo, han de parecerlo, dentro y fuera de la pantalla.

Amén.

de tennessee a williams y tiro porque me toca

2011-10-06T03:03:00.000-07:00

Hace unas semanas, la compañera Clementine hacía un detallado (como todos sus posts) repaso de las adaptaciones cinematográficas de Tennessee Williams y pude comprobar, casi asustado, yo confieso, que todavía me faltaban muchas películas por ver. Evidentemente había visto las míticas, las que todos hemos visto, pero había algún título que se me había escapado.

Manos a la obra pues (sigo en ello) me puse a buscar y buscar para ir acortando la lista de tareas pendientes. Hoy abordaré (esa es la palabra) dos de ellas: La primavera romana de la Sra. Stone (José Quintero, 1961) y Propiedad Condenada (Sydney Pollack, 1966).

La primavera romana de José Quintero es, para mi gusto, eso, una primavera romana de este director teatral que con su primera y última incursión en el cine adapta la novela de Williams contando, para ello, con Vivien Leigt. Los ingredientes parecen augurar una película interesante. Además de Vivien (de la que presuponemos una interpretación redonda) la temática se nos antoja interesante para la época. La Sra. Stone, una afamada actriz cercana a los 50 que ve como su decadencia profesional y personal están llamando a la puerta de su camerino, se queda viuda repentinamente, por lo que decide alejarse de todo y todos refugiándose en Roma. Allí, a través de la Condesa Magda ( Lotte Lenya), la cual posee una red de gigolós para las mujeres de la alta sociedad, conoce a Paolo DiLeo (Warren Beatty) un hombre mucho más joven que ella que sólo busca dinero.

Este es el planteamiento inicial pero ¡ays! no llega a calar en el espectador. Ni la historia de Williams, ni los exteriores romanos, ni el sobreactuado Beatty (aún reconociéndole el esfuerzo por imitar el acento italiano) consiguen, para mi gusto, levantar la película. Quizás por inexperiencia del director; quizás por un guión ineficaz y, en algunos momentos, carente de interés; quizás porque abunda el cartón piedra en los interiores; quizás porque la música a veces sobra; quizás porque los planos son monótonos.... No lo sé. Sólo Vivien Leight consigue salir airosa pero con reservas.

El personaje de Karen Stone es muy jugoso: una actriz madura, retirada más por miedo que por convicción, que le da una nueva oportunidad al amor con un gigoló, y que se esconde en Roma creyendo que así también se esconde de sus propias miserias. Promete pero no llega a cuajar quizás por una equivocada dirección de actores. O quizás por las circunstancias vitales de Vivien Leight, que acababa de atravesar una de sus crisis. Con todo sigue teniendo la misma presencia que años ha (ayudada por el vestuario de Balmain), y esa mirada similar a la Blanche de "Un tranvía llamado deseo" que quizás, en este personaje, no sea necesaria, pero sí le confiere ese halo de desesperación. Por otra parte, Beatty no está a la altura por mucho que despliegue todas las clases tomadas en el Actors Studio.

Propiedad Condenada, segunda película de Sydney Pollack y primera de sus muchas colaboraciones con Robert Redford, está protagonizada por Natalie Wood o, al menos, es la actriz resaltada en los títulos de crédito dejando para el casi debutante Redford el primer lugar del co-starring junto a Charles Bronson, Kate Reid y Mary Badham (sí, la niñita de "Matar a un ruiseñor" pero en versión preadolescente).

Con guión adaptado por (entre otros) Francis Ford Coppola (aquí sólo Francis Coppola) "Propiedad Condenada" es un retrato de una madre sin escrúpulos que obliga a su hija Alva Starr (Wood) a mantener buenas relaciones con hombres bien posicionados para poder mantener la pensión que aloja a los trabajadores del ferrocarril de Dodson (Mississippi). Un buen día llega al pueblo y a la pensión Owen Legate (Redford) para hacer un ajuste de plantilla y despedir a la mayoría de los trabajadores del ferrocarril. Al final, la relación entre Wood y Redford será la que termine absorviendo el protagonismo de una película bastante poliédrica en sus inicios pero irregular en su intensidad.

Para empezar, la película comienza desvelando practicamente el final. Es Mary Badham, encarnando a la hermana pequeña de Natalie Wood, la que comienza a narrar la historia de por qué esa propiedad (la pensión) está condenada y de lo que ocurrió para llegar a tal situación.

Hay química entre los protagonistas, los guapos Redfod y Wood, que quedan de maravilla en cámara y están perfectamente fotografiados (por James Wong Howe), sobre todo ella, con unos primeros planos como yo nunca he visto de Natalie Wood. Sin embargo su personaje nos recuerda en ocasiones a la Dennie Loomis de "Esplendor en la hierba" y esto, yo confieso, no es bueno. Redford está correcto, sin más, en un papel que le sienta como anillo al dedo. La joven Badham sigue siendo la misma niñita del ruiseñor pero con más años y la madre de Alva, Kate Reid, derrocha con maestría ordinariez. Charles Bronson, por su parte, sin pistolas no es nadie. Y aquí radica uno de los grandes "peros" de la película; el guión. Mal desarrollado no permite ahondar en las personalidades de los personajes, sobre todo los secundarios, por lo que a veces no entendemos muy bien qué finalidad tienen determinados diálogos. Además de el the end, torpe y precipitado, falta intensidad dramática, más si hablamos de una adaptación de Williams.

Pollack, por su parte, ofrece algún movimiento de cámara interesante en el acercamiento a los personajes pero no es, todavía, el Pollack de "Danzad, Danzad malditos" o "Memorias de África".

dimes y diretes

Durante el rodaje de "La primavera romana de la Sra. Stone" Warren Beatty mantenía una relación con Joan Collins, la cual no se perdió ni un día de rodaje, atenta, en todo momento, a los movimientos de su chico. Un día Vivien Leight se acercó a ella y le dijo:

- Querida, no debes tener celos, es totalmente imposible que tengamos algo. Yo estoy enamorada de Jack (Merivele) y él de tí. Ni siquiera me cae bien....

A lo que Joan Collins respondió:

- No tengo celos de él, tengo celos de tí. Trato de acercarme todo lo posible para aprender de tí todo lo que pueda. Eres una actriz increible.

Vivien estalló en una gran carcajada y durante todo el rodaje la relación entre ambas fue muy amistosa.

persona

2011-10-04T08:12:00.000-07:00

hueles a sueño y lágrimas (...)
averiguaré qué quiero de nosotras aquí, lejos, en nuestra soledad.

p e r s o n a (Del lat. persona, máscara de actor, personaje teatral)

Alma: Es extraño. Una va por ahí haciendo las cosas casi siempre igual. Hace casi las mismas cosas de siempre. Me casaré con Karl-Henrik y tendremos unos cuantos hijos que yo criaré. Todo eso está decidido. Está dentro de mí. No hay nada que pensar. Es un enorme sentimiento de seguridad.

************************************************************************************

Psiquiatra: ¿Crees que no lo entiendo? El sueño imposible de ser. No de parecer sino de ser. Consciente en cada momento. Vigilante. Al mismo tiempo, el abismo entre lo que eres para los otros y lo que eres para tí misma, el sentimiento de vértigo y el deseo constante de, al menos, estar expuesta, de ser analizada, diseccionada, quizás incluso aniquilada. Cada palabra una mentira. Cada gesto una falsedad. Cada sonrisa una mueca ¿Suicidarse? ¡Oh, no, eso es horrible! Tú no harías eso. Pero puedes quedarte inmóvil y en silencio. Puedes encerrarte en tí misma. Aislarte. Así no tendrás que desempeñar roles, ni poner caras ni falsos gestos. Piensas pero ¿ves? la realidad es atravesada, tu escondite no es hermético. La vida se cuela por todas partes. Estás obligada a reaccionar. Nadie pregunta si es real o irreal, si tú eres verdadera o falsa. La pregunta sólo importa en el teatro. Y casi ni siquiera allí. Te entiendo, Elizabeth. Entiendo que estés en silencio, que estés inmóvil, que hayas situado esta falta de voluntad en un sistema fantástico. Te entiendo y te admiro. Creo que deberías mantener ese papel hasta que se agote, hasta que deje de ser interesante. Entonces podrás dejarlo, igual que, poco a poco, fuiste dejando los demás papeles.

Durante una representación de Electra (no es casual), la actriz Elizabeth Vogler (Liv Ullmann) enmudece. Descartadas causas físicas o psíquicas que hayan originado la mudez, Elizabeth decide permanecer consciente y deliberadamente en silencio y se refugia, acompañada de la enfermera Alma (Bibi Andersson), en una casa en la costa.

Obra maestra (y complejísima) de Bergman, odiada por unos, adorada por otros ( entre los que me encuentro) Persona (Del lat. persona, máscara de actor, personaje teatral) es un viaje sin retorno en busca de la verdad más oculta de sus protagonistas. Analizar minuciosamente esta película o experimento visual de Bergman es una tarea difícil y que requiere de tiempo y, sobre todo espacio, para no dejarse nada en el tintero. Así que queda abierto el debate.

Yo sólo apuntaré que Persona tiene uno de los blancos y negros más gloriosos de la historia del cine y una fotografía a cargo de Sven Nikvist simplemente perfecta. Cada plano, cada contraste de blancos y negros, cada escenario, cumplen una función más allá de la meramente narrativa, y son protagonistas de la cinta junto con Ullmann y Andersson que ofrecen un duelo interpretativo de los que crea escuela. Ullmann sin guión hablado es capaz de transmitir toda la complejidad de su personaje. Andersson, por su parte, consigue evolucionar desde su yoidad hasta la simbiosis con Elizabeth de forma creíble y magistral.

Por su parte, Bergman factura una cinta que hoy es totalmente contemporánea, por forma y por contenido, transgrediendo todas las reglas preestablecidas y adentrándose en nuevos campos narrativos a través de la utilización, en su beneficio, de los medios de comunicación existentes en la época (1966) que son conjugados para componer este experimento sublime y exquisito, no apto para todos los públicos, pero imprescindible para entender que muchas de las cosas que nos siven en bandeja hoy en día no son tan cool.

otras imágenes: "lo que el viento se llevó" se llevó

2011-10-02T12:03:00.001-07:00

El viento no sólo se llevó prosperidad y paz sino también muchas (quizás demasiadas) actrices candidatas a dar vida a Escarlata O´Hara.

Joan Crawford fue una de ellas y para muestra un botón: esta fotografía, de 1938, pertenece al casting de la famosa película. Quizás en ese momento Joan no era muy consciente de que interpretando a O´Hara no podría lucir visón pero sí carácter y de eso, a Crawford, le sobraba ( y mucho).

Quiero agradecer a Sergio, de Ideario de un "Superehore" (cómo me cuesta escribirlo, casi tanto como escribir correctamente Hitchcock) el premio sunshine que me ha concedido. Sergio: yo no tengo preparado discurso ni agradecimientos ni traje para la alfombra roja, pero sí las "gafas funeral" para huir de acosadores fanáticos y una estantería para todos los premios que me han caído estas semanas (creo que ya van cuatro, ufff!). Pero mis más sinceras gracias a tí y a tod@s.

Un secreto: lo mejor de esto es que os puedo llevar a cualquier parte!! Sois como "amigos sin fronteras"!

bonnie&clyde: epílogo

2011-09-29T08:38:00.000-07:00

Antes de las 10 nominaciones, los dos oscars y el honor de convertirse en un film de referencia dentro del género, Bonnie&Clyde (Arthur Penn, 1967) atravesó numerosas vicisitudes, tanto durante su producción como durante su exhibición.

El empeño de un Warren Beatty que además de protagonista ejercía como productor de la cinta, fue, quizás, una de las bazas más importantes para que Bonnie&Clyde viera la luz. Y es que la empresa no se presentaba nada fácil.

Junto a Beatty, Faye Dunaway, Estelle Parsons (mejor oscar como actriz secundaria) Gene Hackman y Michael J. Pollard, recreando, todos ellos, la banda de intrépidos forajidos que tuvo en vilo a las autoridades de varios estados a comienzos de los años 30. Y todos ellos dirigidos por la atenta e inteligente mirada de un Arthur Penn que convertiría Bonnie&Clyde en una de las obras maestras de la década de los 60.

Pero el resultado del público no fue el esperado. La inusitada violencia (extrema, la llamaron algunos) con la que Penn y su director de fotografía, Burnett Guffey (ganador del segundo oscar de la cinta) retrataron la historia de la pareja de criminales más célebre y romántica de la historia, no gustó nada en Estados Unidos, provocando un cisma dentro de la crítica especializada. Sin embargo, en Europa Bonnie&Clyde surtió el efecto contrario. A modo de nota anecdótica, sólo en el otoño de su estreno, en el viejo continente se vendieron decenas de miles de boinas similares a la que Faye Dunaway lucía en la película. La inesperada buena acogida que el trabajo de Penn y Beatty cosechó en el viejo continente sirvió para darle una segunda oportunidad en los cines americanos. Esta vez, el éxito fue rotundo. Esta vez, Warren Beatty había cumplido uno de sus sueños.

Cuando fui yo el que decidió llevar a cabo uno de sus sueños, abrir una tienda (arriba el logo que creé para ella), tuve claro que el cine debería estar muy presente en ella. Al fin y al cabo abrir y estar en una tienda es una verdadera película: yo confieso. La historia del rodaje de Bonnie&Clyde y su posterior acogida me parecieron lo suficientemente adecuadas para crear otro Bonnie&Clyde. Además de la pared para fotografiar detenidos, que es la seña característica de este espacio desde el que escribo la mayoría de mis confesiones, los originales Bonnie&Clyde presiden la entrada al probador. Libros de cine se mezclan entra la ropa junto a horarios con toques cinéfilos, publicidad con olor a celuloide, escaparates con algún guiño.....El cine siempre ha estado presente, incluso ahora, en donde una imagen de Warren Beatty y Faye Dunaway acribillados anuncian una liquidación por cierre.

Hoy cumplo 3 años y hoy comienza el epílogo de esta aventura. En menos de un mes Bonnie Parker y Clyde Barrow serán acribillados sin piedad en un cruce de carreteras. Sin embargo yo podré decir que un día realicé uno de mis sueños.

Y una nueva película comenzará....

"Tenemos los dos una buena coartada"

Poema de Bonnie Parker

mildred pierce:alma en suplicio

2011-09-21T09:56:00.001-07:00

Cuando hace unos meses leí que la HBO preparaba la versión televisiva de Mildred Pierce (Michael Curtiz, 1945) yo confieso: me eché a temblar, a pesar de que, viniendo de la HBO, seguramente sería un producto de calidad. No me equivocaba. Temblé ¡vaya si temblé! pero de placer: la HBO se había sacado de la manga una Mildred Pierce 2.0 que lejos de ser un remake de la película protagonizada por Joan Crawford era algo nuevo, bellísimo y delicioso. Con Todd Haynes como director de orquesta y Kate Winslet en el papel protagonista, la miniserie es una joyita que deja a un lado el cine negro para convertirse en un melodrama de tonos cálidos y ambientaciones exquisitas, con una fotografía y una dirección artística sublimes y unas interpretaciones que no defraudan. Si no la habéis visto ¡ya estáis tardando! Aquí os dejo el trailer para ir abriendo boca ( y ojos).

En más de una ocasión he hecho referencias a la "Mildred Pierce" de Michael Curtiz, bien sea para hablar de hijas odiosas/madres coraje, bien sea para proclamar a los cuatro vientos que siempre me ha gustado más que "Casablanca" (sin tener nada que ver una con la otra), pero nunca le había dedicado el tiempo que merece. Después de ver la serie (mucho más fiel a la novela de James. M. Cain) decidí volver a Curtiz. Así que vamos allá.

La grandeza de "Mildred Pierce" (o "Alma en suplicio", título con el que llegó a España y que, sin que sirva de precedente, yo confieso, me parece muy acertado) es que consigue conjugar a la perfección todos los ingredientes del cine negro y todos los ingredientes del melodrama. Ergo ¿ nos encontramos ante un melodrama negro? Pues ignoro si existe el género como tal, pero me permito esta licencia porque el noir y todas sus reglas quedan más que patentes en el presente perfecto de la historia para ser abandonadas en favor de la luz cuando, a través de flashbacks, vamos descubriendo por qué Mildred Pierce está en una comisaría.

Parafraseando otra película, "La boda de Muriel", tan pronto aparece Joan Crawford ( y su visón) pensamos casi inconscientemente "Has sido mala, Joan" y es que ¡Cuánto daño puede hacer alguna película a la reputación de un personaje! La pobre Mildred aún no ha abierto la boca y nosotros ya la estamos acusando de asesinato. Pero es que es Joan Crawford ¿Qué pretendía Curtiz? ¿Que pensáramos que era un angelito? Pues no. Así que la vemos en esa comisaría agobiante, oscura, en donde suenan teléfonos, máquinas de escribir, puertas...y Mildred aguanta el tipo (y el visón) con la falsa dignidad que sólo las malas malísimas pueden enarbolar. Los primeros planos de su cara parcialmente iluminada, ese rostro que apenas se inmuta, nos ayudan a acrecentar nuestras sospechas. Los planos secuencia de la comisaría, de los sospechosos que entran y salen, quizás cómplices los unos de los otros, esos techos claustrofóbicos, esa oscuridad tenebrosa por el humo de los cigarros, las sombras, las luces....En definitiva, vemos un film noir (que dicen los entendidos).

Pero Mildred comienza a contarle al detective su historia. Y se hace la luz. Comienza el melodrama: Mildred Pierce es una madre que se desvive por sus hijas. Quiere darles todo aquello que ella nunca tuvo, incluido un status social que la mayor de las hermanas, Veda (Ann Blyth) quiere conseguir a toda costa. Nunca ha existido una hija tan odiosa como Veda o, yo confieso, nunca ha existido una actriz tan odiosa como Ann Blyth. Mildred progresa y deja de ser camarera para ser propietaria de su propia cadena de restaurantes. Pero la escalada empresarial (y económica) de Mildred es directamente proporcional a las exigencias y desmanes de su hija... Y hasta aquí voy a leer.

La película, por lo tanto, va transitando del cine negro al melodrama, de la luz a las sombras, adoptando todos y cada unos de los clichés típicos de ambos géneros. La música original de Max Steiner también transita entre claroscuros, ayudando a crear este melodrama negro, que juega con los primeros y medios planos en su parte negra para dejar al servicio del melodrama los grandes planos y exteriores. La inteligente utilización de los espejos a lo largo de toda la película es una especie de profecía sobre el destino de los personajes, que irán evolucionando hasta la gran catarsis, momento en el que se producirá una simbiosis perfecta entre cine negro y melodrama.

Joan Crawford (que por fin había sido liberada de su contrato con la MGM para trabajar a las órdenes de la Warner) consigue realizar una de sus interpretaciones más brillantes y por la que recibiría el único oscar de toda su carrera (supongo que iría a recogerlo con el visón). Kate Winslet, hace unos días, recogió un Emmy por su interpretación en la serie de Todd Haynes.

Ann Blyth se impone como la gran revelación de la película, quizás más por el personaje (al que terminas odiando sin ningún sentimiento de culpa) que por sus dotes interpretativas. En la miniserie de la HBO su papel lo interpreta magistralmente la reina de los vampiros de True Blood Evan Rachel Good.

Y junto a ellas, que llevan el peso de la película, un elenco de caras conocidas como Jack Carson, Eve Arden o la inolvidable (y encasillada) Prissy (Butterfly McQueen) de "Lo que el viento se llevó" y otras no tan conocidas (al menos para mí) como las de Zachary Scott o Bruce Bennett, pero que tienen su peso dentro de la trama.

Cine negro, melodrama, Joan Crawford (y su visón), Michael Curtiz, hijas odiosas, madres coraje, crímenes pasionales ¿necesitais más?

Quiero agradecer a los compañeros de La noche de los wasabis verdes fritos el premio que me han concedido: un WASABI (genial!) al mejor vestuario, como si no me gustaran a mí nada los trapitos...Gracias chicos!!!

cómo robar un millón

2011-09-19T08:48:00.001-07:00

Cuando en 1.966 se estrenó "Cómo robar un millón" (William Wyler) la crítica estadounidense sentenció "agradable pero sin sustancia", sin embargo se preocuparon (y mucho) de eximir de toda culpa al director y a sus actores, centrando toda su (mala) crítica en un guión carente de realismo y a cargo de Harry Kurnitz (co-autor junto a Billy Wilder de "Testigo de cargo"). Claro - pienso yo - hacer una mala crítica a William Wyler en 1.966 obviando toda su trayectoria no debe ser una tarea fácil e, incluso, no sería cinematográficamente correcto. El mismo argumento podría ser empleado para juzgar la labor interpretativa de Hepburn y sus compañeros, entre ellos un Peter O´Toole que no sólo no se hace pequeño al lado de la ya icónica Audrey Hepburn, sino que se crece, por no hablar del selectísimo elenco de secundarios encabezado por Hugh Griffith y que incluía nombres tan importantes para la época como Eli Wallach o Charles Boyer.

Yo confieso: estamos antes un gran dilema a la hora de juzgar esta película, casi de magnitudes semejantes al que viven los protagonistas a la hora de planear y perpetrar el robo del siglo.

Existe unanimidad a la hora de posicionar la película en la categoría de comedia romántica, sin embargo hay peculiaridades que la alejan de los cánones que se esperan de una comedia. La más importante de todas es que no posee ese ritmo vertiginoso que se le presupone al género.

Para mí, yo confieso, la mayor de las peculiaridades de "Cómo robar un millón" se llama William Wyler. Estamos ante una comedia romántica realizada por William Wyler (director) en un momento en el que William Wyler (maestro) no debía demostrar nada a nadie. Y es precisamente por ello, por ese aventurarse en territorios no explorados, por lo que podríamos alabar su interés o curiosidad a la hora de encontrar y experimentar nuevos registros. El ritmo pausado que se alega en contra de la cinta es, para mí, un aliciente más que una objeción porque, en su conjunto, la película y la historia funcionan, por más que se tilde de guión insustancial (no todo iba a ser nouvelle vague en los 60, señores críticos).

Wyler y su director de fotografía, Charles Lang (Sabrina, Con faldas y a lo loco, Charada) se decantan por las panorámicas y los exteriores parisinos y reservan los primeros planos para introducirlos, casi abruptamente, en beneficio de lo que para mí es la gran protagonista de esta película: la ironía. Hay ironía en la música (un novato John Williams con una música puesta al servicio de la intención del film), hay ironía en los diálogos (Peter O´Toole diciéndole a Audrey Hepburn que le de un día de vacaciones a Givenchy), hay ironía en las interpretaciones (los guiños del protagonista al "estilo Cary Grant" son bastante evidentes; la secuencia en la que Audrey Hepburn se "impregna" del cuartucho en el que nace la historia de amor es una clara alusión a la Greta Garbo de "La reina Cristina"), hay ironía en el suspense (Audrey Hepburn tapándose la cara con un libro en el que aparece la cara de Alfred Hitchcock) y, sobre todo, hay una gran ironía en el tratamiento que se da del "negocio del arte".

Junto a la ironía, la historia de amor, también muy irónica, pero totalmente creible gracias a la química que desprende el tándem Hepburn- O´Toole.

Audrey consigue con su interpretación la sublimación (si me permitís la expresión) de mujer a icono en su última colaboración cinematográfica con Givenchy. Todos los modelos sin excepción llevan el sello Givenchy-Hepburn (hasta me atrevería a decir que incluso hay Givenchy cuando Hepburn está vestida de fregona) al que hay que añadir las joyas de Cartier. Si a ello le unimos los exteriores en París, el Ritz, el descapotable rojo... Pero más allá de la Hepburn icono ¡¡¡por fin!!!! Audrey tiene un compañero de reparto que no puede ser su padre. Por fin Audrey es un ser sexual, tímidamente sexual, pero sexual, y ella consigue imprimir a su personaje ese deseo sin perder la clase que por exigencias de guión, pero también por trayectoria profesional, le corresponde. Con todo, nos encontramos con una Audrey Hepburn cómica, que transita entre la responsabilidad de la que carece su padre y la locura que da el amor.

Peter O´Toole, por su parte, está como pez en el agua. Con un papel que parece escrito para él, se desenvuelve con soltura en la ambigüedad de su personaje, manteniendo la duda sobre sus verdaderas intenciones y, por lo tanto, sobre su verdadera naturaleza. ¿Es el chico bueno o es el chico malo?

Y junto a ellos todos esos actores secundarios que dan color ( y mucho) a una película elegante, totalmente visual, entretenida y que termina con una sonrisa en tu cara.

Trailer original

No puedo cerrar este post sin darle mis más sinceras felicitaciones a mi productor ejecutivo Alberto Ríos Mosteiro de lo pienso, lo escribo por la fantástica entrevista que le han hecho en La Voz de Galicia: amigo, tú lo vales!!

and the oscars goes to....you

2011-09-15T03:27:00.000-07:00

No sé si ayer hubo una gala clandestina de oscars blogueros o qué ocurrió exactamente, sólo sé que el compañero Daniel de Cine Puro y la compañera SqS Maravillosa de Divas del Cine, tuvieron a bien otorgar un "premio" a "yo confieso" y, por extensión, a mí.

¡Muchísimas gracias a los dos! Con vuestras visitas y comentarios ya me siento totalmente premiado.

Ambos premios son diferentes, esto es, proceden de distintas cadenas, pero en ambos casos me otorgan la posibilidad de conceder 10 premios a los blogs que considere oportuno. En ambos premios también se indica que he de incluir una frase (en uno cinéfila, en el otro no necesariamente) y explicar por qué la he elegido.

Yo confieso: aunque lleve dos años en el mundo blog a veces me sigo sintiendo un poco novato. Comprobar que algo que he escrito puede suscitar un solo comentario ya me parece bastante premio. En cualquier caso, estos premios tienen trampa: conceder otros 10 premios. Así que aquí me tenéis, en modo decisióndesophie por un lado, y en modo, aquiénlepasoelmarrón por otro. Ergo, me siento bipolar.

Así que he decidido lo siguiente, ignorando si es "bloggeramente correcto": voy a conceder nosécuántos premios (creo que dispongo de 20) pero exonerando a los destinatarios de la obligación de que, a su vez, otorguen otros tantos. Muchos de los posibles "ganadores" que habitualmente visitan "yo confieso" ya han recibido su premio, por lo que no me parecería justo otorgarles otro. Hablo de compañer@s como Javi, Lala, Atticus, David Amorós, Isabel, Miquel, Abril, Jota, Mario, Sidhe, Susan, Emilio y, claro está, Daniel y SqS. Chic@s, me siento afotunado de compartir el premio con todos vosotr@s y vuestros exquisitos blogs. Yo también os concedería un premio y desde aquí sólo puedo agradeceros, por una parte, vuestros textos y, por otra, vuestras visitas y comentarios. Sois muy grandes!

Como a mí me gusta personalizar todo he decidido regalaros (a los citados y a los que citaré) una pequeña parte de mi otro gran vicio confesable: la fotografía. Espero que la foto que veis arriba (que subida aquí pierde bastante calidad, pero bueno...) que titularemos "acumulando luz", os sirva para encarar el otoño con fuerzas y sin sobresaltos, y cuando los casi terminales días de verano empiecen a desaparecer y la oscuridad protagonice las tardes noche, podáis contemplarla en busca de luz.

Procedamos pues a abrir los sobres después de una dura, durísima selección, pero antes la frase, que en este caso no es cinéfilia:

"Aprender a vivir con incertidumbre es el gran arte de vivir"

B.K.S. Iyengar.

Con los tiempos que corren, creo que sobran las explicaciones.

And the oscar goes to:

* Por ser una buena y gran iniciativa: a las compañeras de Zinéfilaz y por extensión, a sus blogs.

* Por sus relatos, que son cine puro: Antonio de Castro de Panama Blues

* Por su positivismo: no.me.pises.que.llevo.chanclas. de El reino de la música es el corazón

*Por el placer y el conocimiento que otorgan leer sus posts:Fernado Genovés de Cinema Genovés

* Por su valentía y sinceridad: Alforte de Mullholand World

* Por su buen hacer: los compañeros Bruja Truca y White Gold de 24 veces por segundo

* Por conjugar a la perfección moda, cine y fotografía: Calamarin de Cool Frenesí

* Por hacer que me sienta enamorado, sin estarlo: Ene de Birritas bajo el sol

* Por descubrirme nuevas imágenes: Lorenzo de El retronauta

* Por descubrirme nuevos decorados: PoeMa Bat Soilik de PoeMa Bat Soilik

* Por sus detallados análisis y conexiones: Clementine, de La gran pantalla

* Por sus "juegos" de versiones: Néstor, de Ideario de un "superehore"

* Por despertar siempre una sonrisa y mis pies: Raúl, de Interpreta-sones

* Porque siempre me gano un acre cuando lo visito: Roy Bean, de Ganarse un acre

* Porque tiene las cabeceras con más estilo de la blogosfera: Cinexim, de Cinexim

*Porque siempre es un gusto volver a Manderly: William de Baskerville de Retorno a Manderly

Bicos para tod@s!

cecil beaton

2011-09-13T02:41:00.001-07:00

" Es torpe, es fea, su interpretación mecánica...Su piel es repugnante y como no se aplica suficiente maquillaje da la impresión de haber pasado la viruela. En vivo su aspecto es horrible...es inconcebible que continúe exhibiéndose en público".

Puede resultar contradictorio que la misma persona que afirmó que la belleza es la palabra más importante del diccionario pudiera escribir esa frase que muestra de todo menos belleza (al final descubriremos a quién iba dirigida para tratar de no perder objetividad sobre nuestro personaje). Pero tampoco debe extrañarnos si, como se dice, elegía a sus invitados por sus cualidades fotogénicas y hablaba de sus amantes como ornamentos hogareños, complementos de su preciosa decoración.

Cecil Walter Hardy Beaton (Londres, 1.904- Salisbury, 1.980), fotógrafo de realezas, celebridades y paisajes bélicos, era un esteta obseso y obsesionado, que había conseguido convertir en un escenario todo lo que le rodeaba. Bebía de la pintura y la escultura para crear un estilo propio siempre repleto de glamour pero también de dramatismo. Brando, Cooper, Monroe, Garbo, Dietrich, Wayne pero también Dalí, Picasso, Warhol, Jagger, los Windsor....fueron presas de su mirada, la cual se mantuvo en la vanguardia durante más de cuatro décadas.

Pero no sólo fue fotógrafo. Cecil Beaton encarnó una de las personalidades más renacentistas del S. XX: fotógrafo, decorador, escritor, diseñador, caricaturista, ilustrador, actor, escenógrafo... Según cuenta en sus memorias, a los 3 años decidió que quería ser fotógrafo cuando reparó en la postal de una actriz sobre la cama de su madre. Lo que comenzó como un juego terminó convirtiéndose en un contrato para la revista VOGUE que duró varias décadas.

Cecil Beaton y My Fair Lady

Cecil Beaton llega a Hollywood en 1.930 de la mano de Anita Loos y su marido. Allí es donde comienza a realizar fotografías de los actores y actrices más importantes de la época, con excepción de Greta Garbo que durante más de dos años lo esquivó para, finalmente, acabar siendo buenos "amigos". Entrecomillamos "amigos" porque uno de los grandes pecados de Beaton fue desvelar su relación (más que amistosa) con Greta Garbo: " Era la única vez que me había querido casar . Hubiera sido un logro. Ya lo era el mantenerse en contacto con ella (pero) no podía casarse. Insistía en que si lo hacía se sentiría como enjaulada. La idea del matrimonio la asustaba y puede decirse que alteró nuestra relación". Esta confesión supuso un distanciamiento con la actriz que sería solventado cuando Beaton comenzaba el epílogo de su vida.

Tras participar en multitud de películas como director artístico, a Beaton se le encomienda la tarea de crear la escenografía y el vestuario de "My Fair Lady" tras el apabullante éxito que su trabajo cosechó en la representación de Nueva York.

Beaton siempre consideró "My fair lady" como una película suya, afirmaba que, en cierto sentido, lo era, pero que él no era el director: " Cuando hice My Fair Lady sabía que me hallaba en mi mejor momento como creador. Podía echar mano de mis conocimientos - por aquel entonces bastante vastos - sobre historia, arte, fotografía, diseño, etcétera".

Y es que si el argumento de debía en último término a Bernad Shaw y la dirección a George Cukor, es justo reconocer que la estética y, por extensión, el espíritu de la película es obra de Cecil Beaton. Y ya no sólo porque él fue el responsable de los escenarios y el vestuario, sino que también influyó bastante en la fotografía y en la publicidad de la película. Como no podía ser de otra forma, todo este despliegue de talento provocaron unas más que sonadas desaveniencias con Cukor: " Hice varias fotografías de Ms. Hepburn, con su propio vestuario y el de otros actores. A Cukor le pareció que no era el momento ni el lugar, aunque lo era. No quería que su estrella estuviera cansada, que no lo estaba. Si lo consideró como una usurpación de su autoridad o no, es algo que nunca vi claro. Estaba enfadado, y en aquella medida de fuerzas salió como el ganador; Ms. Hepburn no tuvo más remedio que ponerse de su parte. Pero yo hice las fotos. Ms. Hepburn era una modelo ideal. Conseguí convencerla para que se quitase el pesado maquillaje de los ojos y desarrollamos lo que ella llamó su aspecto flamenco".

Cecil Beaton obtuvo 2 oscars por sus diseños y su dirección artística en My Fair Lady (ya poseía otro por su participación en Gigi de Vincente Minnelli) y se convirtió en uno de los protagonistas principales de fiestas y saraos.

Su genialidad está fuera de toda duda. De su humildad, yo confieso, no puedo decir lo mismo. En culquier caso fue una persona imprescindible en la evolución de la dirección artística del cine de Hollywood. Venenosa, en ocasiones, pero imprescindible.

Tras su muerte se encontaron tres fotografías en un cajón: una del multimillonario y mecenas Peter Watson; otra de su amante Kin y, por último, una fotografía de Greta Garbo. Quizás, al final de sus días, descubrió que toda aquella belleza que le obsesionaba se podía condensar en estas tres personas.

pd.: la primera frase de esta entrada va dirigida hacia Katharine Hepburn.

welcome to galicia

2011-09-07T08:05:00.000-07:00

Hace unas semanas, los compañeros de welcome to galicia me invitaron a escribir un artículo sobre el lugar de donde procedo. Mientras lo escribía, precisamente allí, desde ese lugar, reflexionaba acerca de los conceptos de "pertenencia" y "morriña" y al mismo tiempo recordaba al George Bailey de ¡Qué bello es vivir! y su necesidad casi enfermiza de abandonar Bedford Falls para conocer mundo.

Como la Escarlata O´Hara que desea a toda costa regresar creyendo que encontrará la felicidad que un día dejó atrás, los que nos hemos ido - por unos u otros motivos - siempre volvemos tratando de encontrar Tara intacta, sin telarañas ni muros derruidos. Porque Tara es ser de, pertenecer a , venir de... Es raíz, es pasado, es arraigo, es querencia.

Esa obsesión tan humana como enfermiza de "pertenecer a", de saberse parte de un lugar, de conocer tu origen, es la que desencadena la morriña, tan presente en los gallegos pero, al mismo tiempo, tan universal.

George Bailey nunca pudo abandonar Bedford Falls. Yo sí. Pero a veces vuelvo, y para mi asombro descubro que no es Tara la que ha cambiado, sino yo. Y entonces pienso en Dorothy cuando dice " como en casa no se está en ningún sitio" y pienso que mientras no consiga convertirme en caracol y llevar mi propia casa a cuestas, la morriña seguirá llamando a mi puerta.

¡Qué le voy a hacer! Al fin y al cabo....soy gallego.

Si quereis leer esas tres pequeñas entradas sobre mi Bedford Falls o mi Tara particulares, aquí teneis la primera, la segunda y la tercera. Y perdonad el "cambio de tercio".

breve encuentro 2.0

2011-09-05T09:23:00.000-07:00

Quizás, si hoy se rodara "Breve encuentro" (David Lean, 1945), la música de Rachmaninov sería sustituida por algo más "moderno". Algo que tuviera la siguiente letra:

In the privacy of our love

There is nothing

Outside our love

In the privacy of our love

We're in each other

As hand in glove

In the privacy of our love

There is nothing outside, above

If there's nothing outside, above

We're in the privacy of our love

I've never seen your love again

I'll never be your love for sure

I've never seen your love again

I'll never be your love for sure

I've never seen your love again

I'll never be your love for sure

Except for that day

Hot Chip (Made in the dark, 2008)

Y es que lo grande de "Breve encuentro" es precisamente eso, lo que esta letra refleja tan bien: no hay nada más allá de la privacidad de nuestro amor, ni siquiera los remordimientos, sólo hay lo que tiene que haber: amor.

Yo confieso: siempre que veo "Breve encuentro" la paro antes de que termine. Para mí ese amor no puede ser efímero, no puede ser "except for that day" y aunque sé que uno de los puntos fuertes de la película es su final, que a la vez es principio, yo no me conformo con él.

He dicho.

billy wilder speaks

2011-08-31T02:33:00.000-07:00

En 1.988 Volker Schlöndorff realizó y grabó, a lo largo de dos semanas, una extensa entrevista a Billy Wilder en su despacho de Brihgton Way (Beverly Hills). Aunque inicialmente el maestro rehusó la propuesta de Schlöndorff, acabó aceptando con la condición de que su contenido no viera la luz hasta después de su muerte. Finalizado el rodaje, Wilder levantó esa condición y le dejó al autor vía libre para hacer con el material lo que quisiera.

Muchos de vosotros seguro que ya habeis visto esta entrevista-documental, pero me he permitido traeros aquí un resumen de las interesantes reflexiones y opiniones de un Billy Wilder de 83 años, perfectamente lúcido y con las cosas muy claras.

Sobre cómo se hizo director: Rodé mi primera película en defensa propia, contra los directores. Una de las cosas por las que me odiaban era porque cuando me preguntaban si los directores también tenían que saber escribir yo decía que era más importante que supieran leer.

Sobre la creación de un guión: En un guión no debe constar nada, sólo la escena y si es de día o de noche para que el cámara pueda preparar su instalación.

Sobre su método: Mi método es trabajar deprisa e intentar rodar los menos planos posibles, planos buenos e interesantes, pero no el tipo de planos ante los que el espectador se indigne por su mala calidad. Cuando eso ocurre, ya has perdido la partida. El poder de la película son los planos que hacen temblar la casa. Una gran escena superflúa para una película es una mala escena.

Sobre las películas: Hay dos clases de películas: unas para un público con una trama sencilla, adornos rococó y bonitos decorados. Te lo puedes permitir porque la trama es muy sencilla. Y otras con tramas complicadas que simplemente se plasman en película. En éstas, si colocas demasiados adornos la gente no es capaz de seguirlas (...). Cada espectador es un idiota, pero todos juntos son un genio.

Sobre el teatro: Dicen que es difícil contar una historia sobre un escenario y que nosotros, los cineastas, como podemos llevar la cámara a todas partes, no tenemos que limitarnos a un escenario. Eso es lo que se piensa. Pero poder colocar la cámara en cualquier parte es mucho más difícil porque no sabes dónde colocarla. Tenemos libertad para decidir pero eso puede ser desastroso. En el teatro las elecciones suelen ser más limitadas (...) pero como podemos hacer cualquier cosa es mucho más difícil.

Sobre Hollywood y la política: El gran peligro de involucrarse en política es rodar películas que pierdan dinero. Yo estoy en contra de enarbolar banderas y de los dircursos largos porque no es mi estilo. Hay ciertas reglas éticas en las que creo y no quiero traicionarlas sea cual sea la trama. Puede que haya rodado películas malas, temas repetitivos, pero nunca he rodado ninguna cuyo contenido me avergüence. Nunca me he vendido.

Sobre el éxito: Tengo demasiada experiencia para engañarme a mí mismo. Cuando una película no tiene éxito sueles decir que se adelantó a su tiempo, que se estrenó antes de navidad (...) Se utilizan todo tipo de excusas, normalmente que no era la película adecuada para esa época. No nos gusta que nos confronten con cosas que son verdad y duelen (...) pero no puedes hacer películas que gusten a poca gente y que a los demás no le importen. Al espectador tienes que hacerle lo que en el argot estadounidense se llama "pillarle por los huevos con las rodillas". Resulta muy gratificante que una película tenga éxito y que además enseñe algo que no sabía o le haga interesarse en algo nuevo. Esas son las pequeñas victorias que obtienes.

Sobre Raymond Chandler (co-guionista de "Perdición"): No tenía ni idea de escribir guiones. Sólo escribía sobre movimientos de cámara. Quería resultar cinematográfico pero no hacía falta. No se sabía las reglas, tuve que explicarle la escena paso a paso. No tenía instinto para la gran pantalla. Un dramaturgo lo habría sabido.

Sobre Lubitsch: Él tenía una forma de pensar totalmente distinta que costaba mucho copiar. Entoces se solía decir que no era un director que temiera que la gente no le entendiera. Entonces se solía decir: 2 + 2 son 4, y 3 + 1 son 4, y 1+1+1+1 también 4. Pero Lubitsch decía: " ¡2+2 ! Fin de la discusión. Dejad que el público lo sume".

Sobre Marlene Dietrich: Era una experta en iluminación. Sabía cómo tenía que colocar la cara para salir bien. Lo aprendió de Stenberg. Resulta un poco raro que una actriz diga: "Creo que el foco clave no está en el lugar adecuado". Sabía esos detalles, detalles muy técnicos. Yo le decía que se sintiera como en casa y le diera instrucciones al electricista jefe, que el enemigo no era yo, que se las arreglase con él. Para mí es como un viejo amigo. Era más como un hombre, una excompañera de armas. Hablábamos a menudo sobre la intrusión de ilusión, la ilusión de lo que se ve en el cine cuando aparece envuelta en boas...¡es todo una chorrada! Intento llamarla siempre que estoy en París pero creo que finge la voz de una camarera checa o una doncella francesa y dice " Creo que la Srta. Dietrich se está dando un masaje" ¡Por Dios, Marlene, sabemos que eres tú! No quiere que la vean. Marlene me gusta mucho de verdad y la echaré de menos, o si me marcho yo primero, me echará de menos a mí. Dios no lo quiera...

Sobre Audrey Hepburn: Lo escribí de noche (el guión de Sabrina) y de día rodaba. Una vez se suponía que ténía que escribir cuatro o cinco páginas (...) Sólo logré escribir página y media. Nadie lo sabía excepto Audrey Hepburn, así que rodábamos la escena desde un ángulo y luego desde otro. La estirábamos. Para ayudarme, ella a veces se equivocaba en los diálogos. Lo que Monroe hacía por su cuenta ella lo hacía para ayudarme. Cuando llegaban las 5 nos decía a mí y a mi ayudante de dirección "me duele la cabeza, tengo que dejarlo". Me ayudó mucho. Decía con mucha convicción las frases incómodas y a veces eso es lo que necesitaba, no para ayudar al director, sino para ayudar a la película.

Sobre Marilyn Monroe: Una vez llegó una hora y media tarde. Le dije ¿qué te ha pasado? Y me dijo que no había podido encontrar los estudios ¡Pero llevaba 6 años contratada! Cuando sabes que alguien no es de fiar y no se sabe sus frases, puedes prepararte para ello, pero ella te echaba una maldición. Siempre le ocurrían cosas nuevas y distintas. A veces se sabía las frases de ocho páginas de guión y otras sufría un bloqueo mental. A veces llegaba demasiado pronto. Era un personaje patético. Nunca he visto a una actriz con mayor séquito de médicos (...). No sé, tenía algo dentro, demonios interiores que la bloqueaban mentalmente y le hacían olvidarse de las frases, aunque a veces ocurría lo contrario. Había nacido con el don de decir sus frases de forma absolutamente perfecta y sincronizada, son un sonido perfecto y consciente del chiste. Había 50 actrices igual de buenas o con mejor técnica, pero nadie era mejor que ella. No era una chica normal. Era el símbolo de la belleza de esa dácada.

Sobre Gloria Swanson: Le dijeron que queríamos hacerle una audición primero. Decirle a una actriz de su estatus que tenía que hacer una audición era un poco demasiado (pero) accedió de inmediato. Hoy las mujeres de su edad actuarían de forma diferente. Era interpretación de cine mudo. Era más expresiva porque tenía que actuar sin palabras. Y eso era lo magnífico de ella: actuaba al estilo de otra época y eso no puede aprenderse, hay que criarse en él. Sabía lo que tenía que hacer. Tuve que controlarla (para que no se pasase) pero es más fácil decirle a alguien que baje un poco el tono que decirle que lo suba.

Sobre Bogart: Era un buen actor pero no solía hacer comedia y fue una sorpresa. Nadie sabe por qué ese hombre era tan carismático. Costaba trabajar con él porque durante las escenas de amor escupía un poco cuando hablaba y había que ajustar las cámaras para disimularlo. No le rodaba a contraluz ¡Parecía que le lloviera desde dentro de la boca! Al principio empezamos los dos con mal pie pero luego redescubrí al auténtico Bogart. Entre nosotros hubo pequeñas diferencias pero todo se perdonó y olvidó porque la siguiente vez que le vi fui a visitarlo porque tenía cáncer y su comportamiento hábía cambiado por completo: ahora era el héroe que nunca había sido.

Sobre Gary Cooper: No había nada más hermoso que ver llegar a Gary Cooper al estudio en su Bentley descapotable con un traje gris y una camisa rosa que combinaban perfectamente. Era de Montana, pero resultaba inmensamente elegante.

Sobre William Holden: Se mantenía muy ocupado y le gustaba hacer buenas obras como ayudar en la campaña contra incendios (...) Si alguien se me hubiera acercado para decirme que William Holden había muerto embestido por un rinoceronte o en un pequeño avión que sobrevolaba la bahía de Hong Kong, no me habría sorprendido. Me habría sorprendido que muriese por una mesilla de noche. Y así fue cómo pasó: estaba borracho, tropezó, y se golpeó con la mesilla de noche. Murió desangrado. Se preocupaba mucho por las especies en peligro pero se olvidaba que él también lo estaba por cómo bebía.

Sobre Jack Lemmon: Es la clase de hombre sobre el que podrías preguntarme en cualquier película y mi respuesta siempre sería la misma: es un completo profesional y purista. No hay otro actor que se tome su trabajo más en serio.

"La cima de mi éxito es siempre la próxima película"

Billy Wilder

stella dallas

2011-08-22T12:28:00.000-07:00

King Vidor fue muchas cosas, entre ellas, un hombre de estudio, por lo que tuvo que asumir la realización de los argumentos que le presentaban en la medida en que podían casar con sus convicciones estéticas e ideológicas. Con la cooperación de la United Artists pero con la producción de Samuel Goldwyn, Vidor dirige en 1937 un melodrama en estado puro que quizás, a la vista de la sobresaliente trayectoria del director, es uno de los trabajos más inusuales de su carrera.

"Stella Dallas" es, por un lado, una adaptación de la novela homónina de Olive Higgins, y, por otro, un remake de la película, también homónima, que Henry King dirigiera en 1925. Aún así, hay mucho de Vidor en "Stella Dallas" sobre todo a la hora de constatar la capacidad para conectar con el espectador a través de conceptos sencillos y cercanos. Quizás, sus años como acomodador de cine le sirvieron para conocer a la perfección qué es lo que revuelve y conmueve al espectador en su butaca.

"Stella Dallas" es arribismo, es rebeldía ante la predestinación social, es dolor moral, es sacrificio, es sufrimiento y resignación pero, sobre todo, es Barbara Stanwyck o, lo que es lo mismo, es Stella Dallas.

No conforme con lo que el destino le depara, Stella Martin "atrapa" al prometedor Stephen Dallas (John Boles) y emprende su camino hacia la alta sociedad. Quiere codearse con los mejores, entrar en los locales más exclusivos, aprender a hablar como hablan ellos. Pronto nace Laurel (Anne Shirley) y proyecta en ella todas sus aspiraciones, tratando a toda costa que su hija consiga por méritos propios lo que ella no ha conseguido a base de apariencias. Y claro que lo consigue: en una de las catarsis más conmovedoras que yo haya visto, la madre coraje es capaz de renunciar a su hija para lograr su propio sueño.

Stella Dallas (personaje) se define más por sus carencias que por sus atributos. King Vidor retrata de forma muy acertada como un disfraz exterior no puede suplir la falta de refinamiento. El catálogo de patéticos modelos que luce la protagonista, incluidos sus estrambóticos sombreros y sonoros brazaletes, en un intento de aparentar lo que no es, resulta grotesco pero también conmovedor, despertando, quizás, la empatía del espectador. Es precisamente esa empatía, ese "ponerse en el lugar de" lo que Vidor potencia a lo largo de toda la película con primeros y medios planos (alguno de ellos a través de espejos) de una Stella Dallas resignada y desolada ante las circunstancias. Y quizás ahí radique el desasosiego que produce la secuencia final, de una crudeza atroz, con una madre sola, encerrada tras una verja mientras observa el momento más feliz de su vida: objetivo cumplido.

La película adolece de lagunas narrativas que nos impiden conocer, en los 20 años que transcurre de acción, toda la verdad sobre los personajes. Para muchos (yo confieso, no estoy entre ellos) también pecará de cursilería por tratarse de una película encuadrable dentro del denominado género women´s pictures. Por otra parte, y para mi gusto, John Boles está soso, incluso ausente, y Anne Shirley peca en algunas secuencias de ñoñería. Con todo, tenemos a la inconmesurable Barbara Stanwyck para suplir con su interpretación cualquier carencia. Stanwyck está soberbia en un papel repleto de matices y dando vida a un personaje por el que cualquier actriz del momento mataría. Comedida o estrambótica según lo requiera la escena, su expresión corporal varía con el paso de los años, así como su entonación y expresiones faciales. Simplemente maravillosa en su primer papel de importancia y teniendo en cuenta que sobre sus hombros recae todo el peso de la película.

Yo confieso: si algún día me animo a realizar una lista de "madres coraje" Stella Dallas estará en el primer lugar.

otras imágenes: otros figurines

2011-08-20T10:20:00.001-07:00

Este es el figurín ideado para vestir la falsa tragedia que invadía el espíritu indomable de la caprichosa Escarlata, tragedia que permitía una nota de color verde para no perder personalidad ni rebeldía.

Walter Plunkett realizó un minucioso trabajo de investigación para vestir a los personajes de la novela de M. Mitchell. Elogiable labor, si tenemos en cuenta que cuando hubo finalizado los más de 2.000 figurines, la actriz que debía dar vida a Escarlata todavía no tenía nombre.

El resto es historia....

dogmas de fe veraniegos

2011-08-15T12:02:00.000-07:00

Por suerte o por desgracia no he vuelto de un largo y cálido verano ni en mi rostro asoma atisbo alguno de parecido con Ben Quick por más que me empeñe en que eso se irá consigiendo con los años. Desengáñate, dice mi Pepito Grillo faltón y prepotente, aunque tienes fama de muchas cosas, la de pirómano no está entre ellas y tu psudo adoración hacia la Woodward sólo pasa por ser la mujer de. Cierto. Pepito nunca falla...

Así volvía de un verano wyleriano hace dos años (ya!) y me temo que la historia se ha vuelto a repetir: no ha sido ni largo, ni cálido, aunque sí un poco wyleriano, y en mi rostro sigue sin haber atisbo alguno de Ben Quick ( "Es lo que hay, asúmelo ya", dice esta vez mi Pepito Grillo igual de faltón y prepotente que años ha ) y mucho me temo que la asignatura que dejé para septiembre de 2010, "Teresa Wright", sigue y seguirá pendiente (¡Afortunadamente! Teniendo en cuenta que la pereza que me produce esta chiquilla es igual que la de Hitchcock ante una morena). Lo sé, el verano todavía no ha llegado a su fin, pero a este lado de la pantalla ya casi se puede leer el THE END precedido de un fundido en negro.

Verano extraño, sí, extraño y ecléctico cinematográficamente hablando. He aprovechado para ver muchos de los títulos que en su día recomendasteis ( El nadador, An Affair to remenber, Un hombre para la eternidad, Stella Dallas, La extraña pasajera, A través del espejo, Quiero vivir... ) y he revisitado otros, no sé si por azar o por subconsciente (Cómo robar un millón, Funny Girl, Un dos tres, Vida íntima de Julia Norris, Imitación a la vida, El ángel azul...).

Todos estos títulos me han permitido ratificar muchos de los dogmas de fe que año tras año he ido acumulando en mi particular concilio cinematográfico y que, este verano, pueden reducirse a:

1.- Amarás a Bette Davis, Barbara Stanwyck, Olivia de Havilland, Deborah Kerr y Marlene Dietrich sobre todas las cosas.

2.- No tomarás los nombres de Wyler ni Wilder en vano.

3.- Santificarás a secundarias como Gladys Cooper ( y Thelma Ritter, of course).

4.- Venerarás el tandem estilístico Hepburn-Givenchy.

5.- Te seguirás riendo (y sonriendo) con las actuaciones de Lana Turner.

6.- Tendrás más en cuenta a Susan Hayward en futuras elecciones cinematográficas.

7.- "Don´t rain on my parade" será el nuevo himno con el que afrontar el difícil otoño que se me avecina.

He vuelto.

Sano y salvo.

Eso es lo importante, porque al fin puedo dedicaros todo el tiempo que mereceis y ponerme al día con vuestros blogs (aunque ya he visto que muchos de ellos están cerrados por vacaciones o con servicios mínimos).

A los que no habeis vuelto, os espero.

A los que ya habeis vuelto, os leo.

En cualquier caso, estoy encantado de haber vuelto...

the children hour

2011-08-10T02:55:00.000-07:00

Tiempo pseudovacacional, de actividad bloguera escasa (a mi pesar) por circunstancias ajenas a mi voluntad y con la sensación de estar abandonando a un perro....No, no y no! Siguiendo el ejemplo de las cutre televisiones os dejo con una "reposición" prometiendo que pronto, muy pronto, volveré a estar en activo (creo que voy a necesitar unas verdaderas vacaciones para ponerme al día con todos vosotros!!)

Disfruten y disfrútense!!!

Disfrutaba hace unos días de un radiante sol en una coqueta terraza de mi ciudad, levitando de felicidad, ignorando al mundo y queriendo ser ignorado por él, cuando el llanto de una niña me devolvió a la cruda realidad. Digamos que la sensación fue parecida a la de Judy Garland cuando despierta de su sueño ¡Mierda! El caso es que el llanto singular de la pequeña pasó a ser plural, llantos, llantos y más llantos, rebasando la delgada línea rosa que separa el berrinche anecdótico de la pataleta histérica. Los padres, jóvenes y aparentemente primerizos, decidieron no prestar mucha atención (y de paso hacernos insufrible a los demás nuestra plácida velada) poniendo en práctica la teoría de la ignorancia: que la criatura entienda que el llanto no es la dirección más corta para conseguir sus objetivos. De inmediato comprendí que estaba en presencia de la versión contemporánea de los Manchester, esto es, la joven pareja primeriza que juega a psicología con su primer retoño y que utiliza como libro de instrucciones cosas tipo “aprende a educar a tu primer hijo para que llegue a ser una persona de provecho, sorteando las drogas y demás tentaciones que la vida le pondrá a tiro” (edición bolsillo, por supuesto!).

Ruthie Manchester (Gabrielle Middleton) era la odiosa (no se me ocurre epíteto más suave) niña de “Dos en la carretera” (Stanley Donen, 1967). Mmm….cómo decirlo sin que me abra diligencias la fiscalía de menores? Esta criatura es, presuntamente (of course), un cruce entre la niña del exorcista y un grano en el culo. Sus padres, Howard (William Daniels) y Cathy (Eleanor Bron), es decir, Los Manchester, son igual de insufribles, lo cual puede justificar en cierta medida el carácter endiablado de su engendro. El caso es que la aparición de la pequeña Lucifer en la película consigue en el espectador el efecto deseado: odiarla sin el más mínimo de los remordimientos.

Pero juguemos al masoquismo. Imaginemos por un momento que la adorable Ruthie tiene como compañera de pupitre a una de las hijas de Gooper (Jack Carson) y Mae (Madeleine Sherwood), o, lo que es lo mismo, a una sobrinita de Paul Newman y Liz Taylor en “La gata sobre el tejado de zinc” (Richard Brooks,1958), en concreto, a la “cuellicorto” que arroja helado de fresa en las medias de la Taylor nada más empezar la película. Si hay algo más insufrible que un niño odioso es una prole de niños odiosos con “nombres de perro” dirigidos por una histriónica madre.

Demos un paso más y encaminémonos hacia el suicidio. Ruthie Manchester y la odiosa niña de cuyo nombre no quiero acordarme, acuden a la escuela para señoritas Dobie-Wright en donde Martha (Shirley MacLaine) y Karen (Audrey Hepburn) ejercen de profesoras. Allí conocen a la encantadora Mary (Karen Balkin, en la foto amendrentando a una compañera) que pronto se convierte en la líder indiscutible de esta peculiar pandilla. Ella solita, de un plumazo, y gracias a una portentosa imaginación, es capaz de acabar con la escuela y sus profesoras llevando una mentira hasta sus últimas consecuencias. “La calumnia” (William Wyler, 1961), no nos engañemos, es una película de terror.

Imagino que todas estas criaturas son seguidoras acérrimas de las películas de la “encantadora” Shirley Temple, las cuales habría que encuadrar o en el cine de terror o en el de ciencia ficción. También imagino que de mayores (no tan mayores) aspiran a ser un clon de Ann Blyth en “Alma en suplicio” (Michael Curtiz, 1945) y levantarle el novio a su propia madre, aunque ésta sea la mismísima Joan Crawford. Imagino muchas cosas por lo que cierro aquí este artículo por temor a convertirme en un nuevo Mengele.

pseudo vacaciones

2011-08-01T13:23:00.000-07:00

No, no serán unas auténticas vacaciones, de esas en las que se supone que hay que desconectar y entregarse al dolce far niente, pero sí serán unas pseudo vacaciones blogueras, mal que me pese, porque para mí, yo confieso, escribir aquí es como veranear.

Los compromisos laborales me obligarán a mantenerme "algo" alejado de tod@s vosotr@s, pero trararé de visitaros cuando los horarios y plazos y papeles me lo permitan. Si no es posible, nos vemos pronto.... Todavía queda mucho por confesar.

Os dejo con Good Wood en una fotografía preciosa en donde se entrega al sol...mmmm!

Besos veraniegos para tod@s!!

yo confieso:me confieso

2011-07-27T08:22:00.000-07:00

Suenan a lo lejos los acordes de lo nuevo de Björk, una canción llamada Cosmogony que me ha atrapado después de escucharla un par de veces. Los cielos y sus cuerpos giran en torno a mí en una danza eterna. Yo confieso: a Björk la amo o la odio. En este caso todo indica que viviré un amor de verano cosmológico. Pero mientras la escucho atentamente, mientras agudizo el oído para captar todos esos sonidos que se esconden tras su voz y me dejo mecer por esa "danza eterna", pienso en las filias y fobias que despierta, y voy más allá y pienso que con el cine nos pasa lo mismo.

Yo confieso: estoy cansado de tener que escuchar y leer lo que ya me atrevo a denominar como "frases hechas". Me explico: " Casablanca es una obra maestra", por ejemplo. A mí, como un resorte, en la cabeza me suena un gran ¿por qué? que autocontesto: porque lo dice la crítica? porque es políticamente incorrecto decir lo contrario? porque Bogart era grande? porque su guión es una obra maestra?

Nos encanta sobrevalorar e infravalorar pero no somos capaces de aceptar que más allá de lo que diga la crítica, el público, el amigo o el blog de turno, todo se reduce a una cuestión de gustos. Uno puede valorar en su justa medida (que al fin y al cabo es la de uno mismo) la maestría de una película: la labor del director, el guión, el trabajo de los actores, el diseño de producción, la música, el vestuario....y todas y cada una de las piezas que conforman una película, pero ello no indica que tengamos que rendirnos a los pies de una obra que supuestamente es maestra. Una obra puede ser maestra pero no tiene porque gustarnos, y gritarlo a los cuatro vientos no nos convertirá en herejes. Así que yo confieso: para mí Casablanca no es nada del otro mundo, no es un referente en mi universo cinematográfico. Es más, creo que la tengo porque en el momento que la compré era algo que se supone que había que hacer: tener Casablanca. Tampoco Bogart es santo de mi devoción porque siempre lo veo igual.

Pero el ser humano es mitómano por naturaleza y el ser humano cinéfilo más todavía. Nos dejamos llevar por la crítica y, yo confieso, si fuera crítico, aún tratando de ser lo más objetivo posible, mi historia, mi formación, mis gustos, mis miedos, mis deseos, en definitiva, lo que conforma mi personalidad, se vería reflejado en mis palabras. Por no hablar del estado de ánimo con el que llegas a una película.

Esto se puede extrapolar a cualquier disciplina artística. El que es creador y se "expone" debe pagar el peaje de la crítica. Nosotros mismos estamos expuestos y, por lo tanto, sujetos a esa eventual crítica. De hecho - lo más grande de esta comunidad - somos capaces de disentir con argumentos respetuosos y al mismo tiempo aprender a comprender aquello que uno no es capaz de ver o de sentir. Quizás es en el verbo sentir en donde radica todo. De dioses estamos sobrados: Duchamp, Hendrix, Benedetti, Welles, Monroe, Avedon, Dior... pero ¿por qué para unos son dioses y para otros simples humanos? ¿Qué convierte una película en una obra maestra? ¿La crítica? ¿El público? ¿Los premios? ¿La publicidad? ¿Los gustos?

¿Somos realmente objetivos e independientes?

Yo confieso: en mi caso no.

the party

2011-07-25T07:04:00.001-07:00

Quizás Blake Edwards es uno de los directores que mejor supo captar la esencia de una fiesta.

Tenemos esta fantástica secuencia (a la que pertenece la fotografía) de "Desayuno con diamantes". Años más tarde, Edwards "perfeccionó" la fiesta con su mítica "El guateque".

Pues bien, yo confieso: he vivido en mis propias carnes una fiesta al más puro estilo Edwards. Esta mañana, en mi casa, sólo faltaba el mítico elefante. Cuando lo procese todo prometo responder los comentarios pendientes y leeros a todos y todas.

Cuídense!

otras imágenes: silencio ¿se rueda?

2011-07-21T09:10:00.000-07:00

Yo confieso: soy politeísta.

Entre los dioses y/o divinidades que venero está William Wyler que, según podemos ver, era capaz de encontrar un hueco entre toma y toma para divertirse un rato. Esta foto corresponde al rodaje de "Los mejores años de nuestras vidas". Me encanta la actitud del equipo técnico, a la espera de que "el jefe" termine de hacer sus payasadas. Me encanta la actitud de William Wyler, a la espera de que el equipo técnico comience a reirse.

over the rainbow

2011-07-19T08:45:00.000-07:00

Yo confieso: estaba escribiendo una entrada sobre "The women" (George Cukor, 1939) sí, esa película en la que con premeditación y alevosía no sale un solo hombre (aunque se hable mucho de ellos) y que ha sido versionada recientemente con una botoxizada Meg Ryan como protagonista y una divertida Annette Bening. Escribía cómo llegó Cukor al proyecto tras pasar por "Lo que el viento se llevó" y "El mago de Oz" y no pude evitar recordar la maravillosa experiencia que viví este fin de semana con dos bichos de 6 y 3 años. Mi sobrina y mi sobrino.

A veces me gusta hacer este tipo de experimentos, sobre todo con Ana, que tiene 6 años y comienza a entender que cree entender sin entender nada¡ Bendita inocencia! El caso es que su madre me dijo que quería ponerles "El mago de Oz" pero que no la tenía. Solucionado el inconveniente me quedé pensando : ¿Cómo reaccionarán una niña de 6 años y un niño de 3 ante "El mago de Oz"? Y sobre todo ¿Cuánto aguantarán sin levantarse del sillón? Yo confieso: jamás pensé que pasaría lo que pasó.

Para empezar no les extrañó lo más mínimo que la película comience en blanco y negro. Ni se inmutaron. Yo pensé que éste iba a ser un gran inconveniente para atrapar su atención, pero no fue así. Me dí cuenta que su mayor preocupación durante los primeros minutos del metraje era la suerte que podía correr Totó. Además, mi sobrina sólo preguntaba por el mago ¿dónde está el mago? ¿es ése el mago? ¿esa señora es mala? El "Over the rainbow" los calmó como la música amansa a las fieras a pesar de que tuve que ir (mal) traduciéndoles la letra. Y entonces llegó el tornado y los ánimos se caldearon. De la tranquilidad pasaron a la alerta y desde que la señora mala en bicicleta se convierte en bruja con escoba se adosaron a mi como auténticas garrapatas.

La casa aterriza en Munchkinland y Dorita se dispone a abrir la puerta. Mi sobrina me agarra con fuerza la mano. Mi sobrino, expectante, sólo dice: ¡bruja! ¡tá la bruja! La puerta se abre y mi sobrina exclama un maravilloso ¡ohhhhhhhhhhhh! Su hermano y su tío, por inercia, la copiamos. Y se quedan con la boca abierta con tanto color hasta que aparece de nuevo la bruja y vuelven a pegarse a mí, presas inocentes del miedo. Esta vez es verde y más fea todavía. La buena hada Glinda les gusta, les parece guapa, y "esos señores pequeños" les hacen gracia y me miran extrañados cuando yo canto con ellos ding! dong! the witch is dead! Y entonces, mi sobrina, ya sabe que necesita unos chapines de rubíes para su colección de atuendos de princesa.

Entonces mi sobrina, tras el asombro inicial, me pregunta por lo bajo: ¿dónde están?

¿Qué se responde a esta pregunta? Yo confieso: no sabía qué responder. Si le contaba la verdad quizás entendiera mejor todo lo que iba a ver pero ¡adios inocencia! Le dije: "¿recuerdas cuando Dotita estaba en la granja cantando que había un sitio en el arco iris en donde no podía pasar nada malo?" Y ella me miró fijamente con sus grandes ojos y me respondió: "¡Sí!" A lo que yo repliqué: "pues están ahí ¡en el arco iris!" Pero ella, que de tonta no tiene un pelo me preguntó:"¿y la bruja?" Ya - pensaría ella- no puede pasar nada malo pero hay una bruja mala. Así que tuve que extender mi explicación: "¿Recuerdas el hada buena que le dio los zapatos de rubíes a Dorita? Pues con esos zapatos no puede pasar nada malo". Y se quedó medianamente convencida.

Lamentablemente tuve que marcharme cuando en sus vidas aparecía el espantapájaros y en la mía los compromisos, no sin bastantes ruegos para que me quedara con ellos . Pero más tarde hice una llamada de teléfono a su madre: necesitaba saber qué había pasado; necesitaba saber si habían aguantado toda la historia, sobre todo el peque. Y para mi asombro así fue: no se levantaron del sofá durante toda la película. Permanecieron callados y atentos a lo que veían en la pantalla, convencidos, seguramente, de que ellos también estaban over the rainbow.

No quiero saber si mi sobrina fue consciente de que todo fue un sueño. Espero que no. Y deseo que pasen muchos años antes de que sepa que no existe un lugar más allá del arco iris en donde los sueños se hacen realidad. Mientras tanto yo seguiré mintiéndole...

locas

2011-07-14T05:23:00.001-07:00

El glamour de la locura es pasajero, o al menos eso es lo que predica la canción. Glamourosa o no, lo que sí es cierto es que la locura y sus variantes (entiéndase demás problemas mentales) requiere de una cierta attitude que evite cruzar la delgada línea que separa una interpretación magistral de una caricatura. Tampoco cabe duda de que en el catálogo de demencias varias, Ellas han sido las que nos han brindado las mejores (y peores) interpretaciones: una "loca" es interpretativamente más jugosa que un "loco" ya que éste, por lo general, se limita a ser un psicópata o sucedáneo sin posibilidad de generar un mínimo de empatía. Los personajes desequilibrados femeninos, por el contrario, suelen ahondar en el origen de su sufrimiento y en muchos casos son capaces de salir de la encrucijada en la que el destino las ha puesto. Para ello acuden a sanatorios, hospitales, cárceles... en donde enfrentarse a ellas mismas y salir victoriosas del trance.

Con estas instituciones como telón de fondo, voy a hacer un pequeño repaso a mis locas favoritas. Seguramente me quedará alguna en el tintero, pero para eso os tengo a vosotros, queridos confesos.

Loca de amor

Natalie Wood fue Dennie Loomis en "Esplendor en la hierba" (Elia Kazan, 1961) un relato triste y desgarrador sobre una pareja de jóvenes enamorados que deben enfrentarse a los dictados de una sociedad puritana en donde el "qué dirán" es más importante que el "sé feliz". El sexo sobrevuela toda la película en forma de prejuicios, presiones y deseos, y las expectativas paternas y maternas (según el caso) son impuestas con mano de hierro. Dennie Loomis y Bud Stumper (Warren Beatty) intentarán planear un futuro que se verá roto por causas externas. Esta ruptura lleva a Dennie a ser ingresada en una clínica psiquiátrica para tratar su desequilibrio. Poco a poco, se irá despojando del sometimiento materno, indagando en su interior y transitando hacia un nuevo lugar, diferente del que dejó, pero conservando una pequeña esperanza por aquel primer amor. Yo confieso: me gusta mucho el tratamiento que Kazan y William Inge (guión) dan a las escenas con el terapeuta. Más que a una cura asistimos a una evolución personal en donde el profesional acompaña escuchando y guiando pero sin apenas intervenir. Opino que para transitar no es necesario olvidar, sólo es necesario saber cómo recordar, y creo que el famoso poema lo refleja a la perfección: "Aunque mis ojos ya no puedan ver ese puro destello que me deslumbraba. Aunque ya nada pueda devolver la hora del esplendor en la hierba, de la gloria en las flores, no hay que afligirse porque la belleza siempre persiste en el recuerdo..."

Loca por tres

Nunnally Johnson llevó al cine una historia asombrosa basada en hechos reales: el extraño caso de Christine Costner Sizemore. Bajo el título de "Las tres caras de Eva"(1957) y con un estilo marcadamente documental con narrador en off incluido, por primera vez en el cine se trató de una forma seria y veraz el trastorno de personalidad múltiple. Joanne Woodward da vida a las tres personalidades: Eva White (esposa abnegada), Eva Black (traviesa y lasciva) y Jane (¿la cordura?) aunque en el caso real hay constancia de muchas más personalidades y de un final no tan feliz como el que ofrece Johnson. Con todo, estamos ante una película que atrapa desde el principio por una magistral interpretación de una casi desconocida Joanne Woodward que asombró a propios y extraños con un papel que como bien dijo Orson Welles cuando aún se barajaban nombres, le daría un oscar a la actriz que lo hiciera. Y así fue. "Las tres caras de Eva" es una interesante película que en su momento causó sensación por lo excepcional del caso expuesto.

¿Estoy loca?

Hasta ahora hemos visto casos en los que las pacientes eran conscientes de su problema. Sin embargo, el cine también nos ha presentado personajes que ignoran su enfermedad o, incluso, piensan que las están volviendo locas o que están "encerradas" por un error. Es el caso de "Nido de víboras" (1948) de Anatole Litvack, de la que en su día hice una reseña y que, si me permitís, voy a reproducir en parte.

Lo más interesante de "Nido de víboras" no es, quizás, su trama - basada también en hechos reales - sino el lugar en el que se desarrolla: un terrible psiquiátrico con diferentes "niveles" que las pacientes van alcanzando o dejando atrás en función de sus progresos o fracasos. Y, cómo no, la interpretación de Olivia de Havilland. Aunque en algunos momentos su mirada pueda recordanos a los momentos más febriles de "Melita", está convincente en el papel de mujer amnésica, desiquilibrada y angustiada. El empleo de monólogos internos refuerza su actuación, apoyada por esa cruda pero efizaz recreación de una institución mental de la época. La importancia que Litvack otorga, por un lado, a las escenas de salas abarrotadas de pacientes y, por otro, a la interacción de la protagonista con otras mujeres (más) dementes, ayuda a crear la sensación de un claustrofóbico hormiguero.

Pero lo verdaderamente importante de esta película de 1.948 es que fue una de las primeras en abordar un drama psiquiátrico (que tan recurrentes serían en los 50) denunciando la lamentable situación de los sanatorios mentales de la época.

Loca por Sebastian

Yo confieso: en "De repente el último verano" (Joseph L. Mankiewicz, 1959) siempre me ha interesado más la locura de Katharine Hepburn que la de Liz Taylor. Al fin y al cabo, Taylor sólo es una víctima de las circunstancias y de su tía, un daño colateral con shock post-traumático al borde de la lobotomía, pero nada preocupante. Violeta Venable, por el contrario, sí posee ese glamour de la locura del que hablábamos al principio. El problema es que, en su caso, no es pasajero. Su regia aparición en ese mini-ascensor acompañado por un monólogo digno de ser orado en cualquier ceremonia seria que se precie, no deja lugar a ninguna duda: "esta señora está de atar". Y así es. Violeta Venable es mi loca favorita, y aunque el tema institución mental la pilla de refilón, es adorable, divertida, sofisticada, culta, zorra y maravillosa. Es la reina madre de la locura.

Bravo Violeta!!

otras imágenes: otras carteleras

2011-07-12T08:46:00.001-07:00

Siempre me ha llamado la atención cómo los estudios modifican sus carteles promocionales en función del país en el que se estrena la película. "Two for the road" para el mercado asiático me fascina especialmente porque alguna de las fotografías que salen en él si siquiera son fotogramas.

Para empezar esa imagen de Audrey Hepburn vestida (posiblemente de Rabanne) con ese traje chaqueta de charol negro no sale en la cinta. No recuerdo a Joanna vestida de esa guisa montada sobre una bicicleta. Justo al lado de su cabeza, una Audrey Hepburn sentada en una butaca estilo emmanuel con un vaporoso vestido de motivos florales. Tampoco se ve en "Dos en la carretera".

Tampoco entiendo mucho (por no decir nada) el momento ramo de flores en el cartel.

Y ya por último, si alguien sabe chino, me encantaría saber lo qué pone porque, visto lo visto, puede ser cualquier cosa.

Es probable que el cartel responda al tirón mediático de Hepburn en un intento por superar los pobres resultados obtenidos en la taquilla norteamericana. Quién sabe!

no más Fred, no más Gene, no más Ginger....west side story

2011-07-07T10:51:00.000-07:00

Vuestros deseos (y los míos) son órdenes, así que vamos a ir pagando cuentas pendientes. Por fin, en primicia, para yo confieso, me adentro en un musical. Como veis no es "Cabaret". Tampoco es "Sonrisas y lágrimas" (lo siento chicos, pero las guardo para otra ocasión) es "West Side Story". Ahora justificaré el por qué.

A finales de los 50 el hartazgo generalizado hacia el musical había alcanzado cotas inimaginables en los cines. Las tramas pobres y las sobredosis de cánticos y bailes desplegados a la primera de cambio ya no contaban con la aprobación de esos espectadores que pertenecían a una nueva generación que se vestiría con vaqueros. La era de los grandes musicales repletos de decorados fantásticos, plumas de colores, luces de neón y coreografías efectistas agonizaba lenta y dolorosamente en los armarios polvorientos de los grandes estudios. No más Fred, no más Gene, no más Ginger.... El musical ha muerto.

Pero en 1961 se estrena "West Side Story" y como si de un ángel de la guarda se tratase, rescata del coma terminal al género, al menos para insufrarle el aliento necesario para permanecer vivo algún tiempo más .

Pero vayamos por partes. "West Side Story" precisa de un minucioso análisis que nos permita entender la envergadura de su hazaña y, sobre todo, el punto de inflexión que supuso en el cine denominado "musical".

De Broadway a Hollywood

Los orígenes de "West Side Story" tenemos que buscarlos, como no podía ser de otra forma, en el Broadway de 1957. En una enésima vuelta de tuerca al clásico de Shakespeare "Romeo y Julieta", el coreógrafo Jerome Robbins, en estrecha colaboración con el compositor Leonard Bernstein (pero también con el guionista Arthur Laurents, el letrista Stephen Sondheim y el escenógrafo Oliver Smith ) idea esta innovadora adaptación que sería llevada a la pantalla cuatro años más tarde y que cosecharía un sobresaliente éxito de taquilla y crítica.

Jerome Robbins. Leonard Bernstein. Nombres propios. No estamos citando a dos personas para completar una simple ficha técnica. No, queridos confesos. Jerome Robbins y Leonard Bernstein, alma máter y alma páter de "West Side Story", eran auténticas instituciones en sus respectivas disciplinas: ballet (bailarín, coreógrafo, escenógrafo) y música (director, compositor, pianista). No voy a extenderme en sus dilatadas carreras ni en sus innumerables logros profesionales (de alguno de ellos daremos buena cuenta aquí) ya que cada uno necesitaría su propia entrada. Por otra parte, yo confieso: no soy un experto ni en danza ni en música clásica, más quisiera! Ahora bien, es importante aclarar algo: a Leonard Bernstein no lo debemos confundir con Elmer Bernstein. El primero sólo hizo una BSO, concretamente la de "la Ley del silencio" (Elia Kazan). El segundo se dedicó principalmente a estos menesteres ("El hombre del brazo de oro", "Matar a un ruiseñor", "La gran evasión" o "Cazafantasmas", por poner sólo cuatro ejemplos de su extensísima obra).

Ficha técnica

Robert Wise ("Sonrisas y lágrimas") y Jerome Robbins dirigirían mano a mano la película. Leonard Bernstein repetiría con la música. Ernest Lehman ("Con la muerte en los talones") y Arthur Laurents se encargarían del guión adaptado y del libreto. Para la dirección artística se contrató a Boris Leven ("Anatomía de un asesinato", "Sonrisas y lágrimas") y para fotografiar la cinta a Daniel L. Fapp ( "Uno, dos, tres", "Vida íntima de Julia Norris"). Montaje a cargo de Thomas Stanford ("De repente el último verano"), vestuario en manos de Irene Shaff ( "Hello Dolly", "Quién teme a Virginia Woolf") y, títulos de crédito con la creatividad de nuestro amigo Saul Bass, conformarían el grueso del elenco técnico del film. Sólo en esta relación de profesionales ya tenemos 6 oscars.

El reparto estaría encabezado por Natalie Wood en el papel de María, Rita Moreno (Anita), Richard Beyner (Tony), George Chakiris (Bernardo) y Ross Tamblyn ( "Siete novias para siete hermanos") encarnando a Riff, además de un nutrido grupo de bailarines. Aquí tenemos otros 2 oscars (y vamos por 8): Rita Moreno y George Chakiris, ambos en la categoría de mejor actriz y actor de reparto.

La película

Todas las premisas de las que hablamos en su día analizando el trabajo de Saul Bass se dan cita en el prólogo de la película. Suenan las notas -precedidas de un silbido - de Leonard Bernstein compendiando toda la obra, una maravillosa overture en donde se funden todos los temas que oiremos en la cinta. Sobre la pantalla unos sencillos trazos verticales que representan el skyline de Manhattan sobre un fondo que va cambiando de color en función de la canción. No, no son colores aleatorios. Melodía y color se intercalan y fusionan para advertirnos de la importancia que van a jugar en la película (recomiendo volver a ver esta introducción una vez que termine la película y observar el juego entre colores, música e historia).

Un plano aéreo de Nueva York nos dirige hacia el oeste de la ciudad, hacia los barrios de los emigrantes, hacia la ciudad gris y desierta. Un silbido nos llama para presentarnos a los Sharks y a los Jets. Los primeros, emigrantes de origen portorriqueño. Los segundos, americanos hijos de emigrantes. Ambos en una eterna lucha de bandas por el control de las calles. Jerome Robbins decide mostrarnos la confrontación a través de una virtuosa coreografía (sin apenas guión) que no es más que una carta de presentación de su estilo, de el nuevo estilo que creará tendencia e influirá en todas las escuelas de danza del mundo. Cada uno de los movimientos que vemos es la puesta en escena de una pelea. Música y movimiento componen una unión indisoluble, incluso en las características secuencias de baile acrobático. Por primera vez en la historia del cine musical las cámaras salen a la calle para rodar a bailarines con vaqueros. Este prólogo conforma una verdadera declaración de intenciones: sólo a través del baile y de la música se sitúa al espectador en el contexto en el que se desarrollará el argumento. El distintivo uso del espacio, los cambios de peso a través del pie, los movimientos aislados en varias partes del cuerpo, los gritos durante la coreografía... son sólo algunas de las señas de identidad de Robbins. Pero además, la confrontación a la que asistiremos a lo largo de toda la película queda reflejada en el lenguaje corporal de los bailarines, lenguaje que es diferente y diferenciador en los Sharks y en los Jets. Los Jets "chasquean" los dedos mientras suenan acordes con clara influencia jazzística; para los Sharks, Bernstein introduce ritmos latinos.

A lo largo de toda la película Robert Wise filma inteligentemente las coreografías creadas por Robbins, acompañando los precisos números musicales con movimientos de cámara que abren el espacio a los bailarines, a veces, incluso desde arriba, y consiguiendo con cada plano una composición perfecta. El montaje de Stamford consigue mejorar, si es posible, el extraordinario lenguaje corporal de los bailarines.

Una escena particularmente significativa de la confrontación entra bandas es la que se desarrolla en el baile del gimnasio, donde se produce el primer encuentro entre María y Tony. Con el rojo como color premonitorio sobre las paredes que rodean a los bailarines, los Sharks y los Jets bailan. Irene Shaff confecciona para la ocasión un vestuario que ayuda a acrecentar el enfrentamiento: para los "inmigrantes", morados, naranjas, rojos... Para los americanos, ocres, amarillos, celestes... De nuevo música y baile se dan la mano para marcar las diferencias. En ese majestuoso mambo compuesto por Bernstein que se inicia con una especie de sintonía de feria de atracciones, Sharks y Jets bailan dándose la espalda la misma coreografía. Pronto comienza, nuevamente, la "pelea", marcando a través de pasos de baile el territorio.

Y María, vestida de blanco, se encuentra con Tony, y todo se difumina y se produce esa suerte de cortejo que ya todos conocéis y escuchamos la famosa aria "María".

Y aquí podríamos decir que termina el primer acto. En el segundo, como bien sabeis, los acontecimientos se precipitan y el rojo pasa a ser el color predominante. Por primera vez en la historia del musical asistimos a una historia trágica y sin final feliz. Por primera vez en la película, veremos a María vestida de rojo.

Los actores

Natalie Wood está soberbia interpretando a María. Aunque es cierto que para las canciones fue doblada por "la voz de Hollywood" Marni Nixon (encargada de doblar también a Audrey Hepburn en "My Fair Lady") y que no sabía bailar, estas carencias las suple con un más que conseguido acento. Si no conociéramos a Natalie Wood podríamos pensar que estudió a marchas forzadas inglés para interpretar el papel. Incluso, para las frases y palabras que dice en castellano casi consigue eliminar el acento americano. A mi, yo confieso, me recordó en el acento a Penélope Cruz en sus primeros papeles americanos, precisamente por ese "inglés leído".

Rita Moreno y George Chakiris, los únicos del reparto actoral ganadores del oscar, están más que correctos teniendo en cuenta el peso de sus personajes. Inolvidables en el famoso "América" de la azotea.

El único pero lo encuentro en Richard Beymer (Tony) que al igual que su compañera María no sabía cantar ni bailar. Él también fue doblado en las canciones (por Jimmy Bryant) pero su actuación no está a la altura del elenco y, mucho menos,de Natalie Wood, con quien comparte la mayoría de las escenas.

En definitiva...

Estamos ante un musical que marcó un punto de inflexión en el género, comparable sólo al que marcaría años más tarde Bob Fosse con sus coreografías y su obra cumbre "Cabaret". Quizás, gracias al aliento insuflado por "West Side Story" nacieron "My fair lady", "Sonrisas y lágrimas" o "Hello Dolly" por poner sólo tres ejemplos, pero nuevamente el musical volvió a languidecer hasta que "Cabaret" lo revivió, si bien es cierto, que de forma anecdótica.

Junto a dirección y mejor película, "West Side Story" se llevó 10 de los 11 oscars a los que estaba nominada. Sólo se dejó en el camino el mejor guión adaptado que lo ganó su máxima competidora en la edición de 1961, "Vencedores o vencidos" la gran perdedora de la noche teniendo en cuenta que también partía con 11 nominaciones y se fue a casa con solo dos premios: actor (Maximilliam Schell) y guión adaptado.

Curiosidades

Elvis se postuló como candidato para el papel de Tony pero su agente se lo prohibió ¡Os imaginais West Side Story con Elvis Presley!

Otro de los interesados en el papel de Tony fue Warren Beatty que en aquel momento trabajaba ( y algo más) con Natalie Wood en "Esplendor en la hierba". Natalie acompaño a la audición a Beatty haciéndole el favor de leer con él. Los directores se quedaron tan encantados que acabó siendo la elegida.

West Side Story es la primera película en la historia cuyo oscar a la mejor dirección tuvo que ser "repartido" entre dos directores: Robert Wise y Jerome Robbins.

La autoexigencia e inseguridades de Jerome Robbins ( viendo sus coreografías me puedo hacer una idea) hicieron que los estudios lo pusieran de patitas en la calle poco antes de acabar el rodaje.

Tras su estreno en París, "West Side Story" permaneció en cartel durante 5 años ininterrumpidos.

La partitura creada por Leonard Bernstein para "West Side Story" se encuentra entre una de las más exigentes del repertorio del teatro musical. Para una interpretación apropiada se necesitan como mínimo a 30 músicos.

tomorrow belongs to me

2011-07-06T08:50:00.000-07:00

Yo confieso: soy adicto a los musicales!

Me debo una entrada dedicada a un musical pero no sé por cuál empezar. He aquí el problema: son tantas las películas musicales que me gustaría destripar que todavía no he sido capaz de comenzar con ninguna. No obstante, queda pendiente en la recámara (se admiten ruegos y sugerencias) una entrada al respecto o, casi mejor, una entrada con los mejores números musicales de la historia del cine. Ya veremos!

Hoy voy a hablar de "Cabaret" pero no de la película, sino de una canción muy concreta, quizás la menos "musical" de todo el film: "tomorrow belongs to me".

Hace unas semanas, cuando me designaron para realizar el MEME (ése que tanto me costó elaborar y que el Sr. Blogger eliminó sin contemplaciones) en mi memoria no estaba registrada esta escena, porque si así fuera, yo confieso, es probable que hubiera ocupado el puesto de "la escena más inquietante".

Como muy bien sabeis, la famosa escena arranca con un primer plano de un joven rubio y angelical que con una bella voz y una más que correcta entonación comienza a cantar "El sol en la pradera es tibio, los ciervos en el bosque corren libres, pero se juntan para saludar a la tormenta..." En ese momento, la cámara enfoca los rostros de alguno de los asistentes que se dan cita en esa especie de romería popular, para volver de nuevo al cantante que continúa cantando "el mañana me pertenece..." Hasta aquí todo parece hermoso: una escena costumbrista en un ambiente lúdico. Entonces, la cámara desciende hasta que podemos ver la insignia nazi en el brazo del joven para luego perderse entre los asistentes que contemplan respetuosos la escena. Volvemos de nuevo al solista, que continúa cantando hasta que un par de jóvenes (colegas) se le unen para formar un trío, justo cuando dicen "pronto habrá un susurro: despertad". A continuación la gente, de forma espontánea, jóvenes, ancianos, niños....se van levantando y se suman orgullosos y desafiantes al trío (ahora ya son un coro) "el mañana me pertenece, el mañana me pertenece" Sólo un anciano parece sentirse incómodo y, resignado, guarda silencio. Finalmente, el solista levanta su brazo para ejecutar el saludo nazi.

¿Se puede sugerir más con menos? No lo creo. El hecho en sí, lo grande de esta escena, no es que en apenas 3 minutos nos resuma un hecho histórico sin precedentes y vital para entender el contexto en el que se desarrolla la historia de los personajes. Lo grande, al menos para mí, es que nos hallamos antes una canción que pone los pelos de punta pero al mismo tiempo emociona. La canción, que inicialmente no tuvo nada que ver con el nazismo por tratarse de un cántico popular mucho anterior a su llegada (recalco "inicialmente" porque tras el estreno de Cabaret parece ser una canción de referencia para los grupos neo-nazis), tiene todos los ingredientes de un gran himno (letra, melodía, estructura) y, además, en la película se canta intencionadamente para que ese efecto se vea acrecentado: del solista pasamos al trío para terminar con un coro, todos con las las voces perfectamente empastadas a medida que se va produciendo ese gran crescendo. Por otra parte, la letra, en ese contexto, está repleta de metáforas perfectamente identificables.

Para mí, yo confieso, es una gran canción (popular), perfectamente interpretada por el coro, que me emociona y, al mismo tiempo, me aterra siempre y cuando la vea y la escuche en "Cabaret". Si la escucho en mi ipod sólo quiero unirme al coro y cantar. Al fin y al cabo, podríamos decir que estamos ante una canción con un mensaje muy optimista y esperanzador.

Aquí os la dejo con los subtítulos en español.

mesas separadas

2011-07-04T03:42:00.000-07:00

La carrera de Delbert Mann en el cine es, cuando menos curiosa, por no decir irregular. Perteneciente a esa generación de directores (Sidney Lumet, Robert Mulligan, Martin Ritt...) forjados en la era dorada de la televisión, su debut cinematográfico tiene el honor de haber pasado a la historia de las curiosidades por varios motivos. Delbert Mann fue el primer director en conseguir un oscar con una opera prima, "Marty", película protagonizada por otro oscarizado Ernest Borgnine y que se iría a casa aquella noche con cuatro de las ocho estatuillas a las que optaba. Además, fue la primera película norteamericana en conseguir la Palma de Oro en Cannes. Como debut no está mal, la verdad!

Pero entre su segunda película "La noche de los maridos" (1957) y las famosísimas "Pijama para dos" (1961) y "Suave como el visón" (1962), ambas "dorisdayánicas", hay una joyita (al menos para mí) llamada "Mesas separadas".

Adaptación de la obra teatral homónima de Terence Rattigan ("El príncipe y la corista"), que participa en el guión junto a Jonh Gay ("Los cuatro jinetes del apocalipsis") y un no acreditado John Michael Hayes ("La calumnia", "Una mujer marcada", " La ventana indiscreta") "Mesas separadas" es una madeja repleta de curiosos personajes que se dan cita en un pequeño hotel de la costa inglesa cuyo máximo aliciente es, además de la proximidad al mar y la "fine cuisine" , disponer de mesas separadas.

La fauna que habita el Beauregard Private Hotel es variopinta: una dominante y ultra conservadora madre (Gladys Cooper) que atosiga y somete a su débil hija Sebyl (Deborah Kerr), la cual trata de contener sus ataques de histeria y la admiración que le produce el Mayor Pollock (David Niven) un patético fanfarrón acosado por un escándalo del que la prensa (y los habitantes de la pensión) se hace eco. Comparten comedor, que no mesas, con otros residentes fijos que ayudan a dar color a la escena y con John Malcom (Burt Lancaster) un pobre hombre que tiene problemas con el alcohol y que está prometido de forma secreta con la dueña del hotel, la señorita Pat (Wendy Hiller) que tendrá que soportar estoicamente la visita sorpresa de la ex mujer de su amante, la otrora famosa Ann Shakland (Rita Hayworth).

Sin embargo, lo que inicialmente parece un relato sobre la convivencia de un grupo diverso de personas se transforma en un inventario de tipos de huídas ("no puedes huir de tí mismo") en donde la automentira es el mejor vehículo para escapar de las prisiones en las que se encuentran los personajes. Delbert Mann nos los deja claro desde el principio con un plano de Deborah Kerr "atrapada" tras una verja. La soledad ("aquí, con vuestras mesas separadas os hablais unos a otros"), la culpabilidad (" Por qué hace la gente cosas que no debe"), el autoconsuelo ( " ¿Por qué unos beben tantísimo y otros fuman 50 cigarrilos al día? Porque no pueden evitarlo, supongo"), la resignación (" Estoy hecho así y no puedo cambiar"), los juicios de valor ("lo que para unos son pecados monstruosos para otros son faltas corrientes") son sólo algunos de los temas universales que se hospedan en este hotel.

"Mesas separadas" (título más que acertado) es, en definitiva, una película sobra la verdad, en donde las referencias a la oscuridad abundan para avisarnos que se esconde una mentira tras ella y en donde los personajes se van convirtiendo de forma insconciente en espejos, unos de otros. Al fin y al cabo, quién esté libre de culpa que tire la primera piedra.

La labor interpretaiva de todos los actores, sin excepción, es más que notable, aunque evidentemente sobresalen algunas interpretaciones. Gladys Cooper ("Rebeca", "My Fair Lady") confirma con su actuación que nos encontramos ante una de las secundarias de lujo de la historia del cine. Junto a ella, la gran Wendy Hiller ( "Un hombre para la eternidad" "Asesinato en el Oriente Express"), justa ganadora del oscar a la mejor actriz de reparto por esta pélícula, y hoy injustamente olvidada por muchos a pesar de su intachable técnica británica. David Niven, oscar al mejor actor, nos brinda una de sus mejores trabajos en un papel complejísimo y repleto de matices. Y por último, pero no menos importante por ello, la mayúscula Deborah Kerr.

Deborah Kerr ofrece una de las mejores interpretaciones de toda su carrera en "Mesas Separadas". Nominada a mejor actriz protagonista, lo perdió en favor de Susan Hayward por "¡Quiero vivir!", el mismo año en el que Liz Taylor competía por "La gata sobre el tejado de zinc". Dos años más tarde, en 1960, Kerr volvería a ser nominada por "Tres vidas errantes", ganando en esta ocasión Liz Taylor por " Una mujer marcada". El oscar a Liz Taylor por esta interpretación nunca lo he entendido, yo confieso, a no ser que se trate del típico oscar que intenta enmendar las injusticias cometidas en pasadas ediciones (en 1959 también estuvo nominada por "De repetente el último verano" y perdió en favor de Simone Signoret por "Un lugar en la cumbre") y aunque así fuera....mejor me callo. Sea como sea, que Deborah Kerr tuviera que conformarse con un oscar honorífico en 1994, tras 6 nominaciones a los oscars (que podrían haber sido muchas más), 4 a los BAFTA, 4 a los Globos de Oro (aquí al menos ganó uno por "El Rey y yo") es una de esas cosas del mundopremio que nunca he comprendido. He dicho.

Si no menciono a Burt Lancaster es porque aunque su interpretación me parece notable, como la de todos, creo que sus compañeros de reparto están mucho mejor. Y si no menciono a Rita Hayworth, vestida, por cierto, por Edith Head (la única de todo el reparto con ese lujo) es porque cuesta un poco no pensar que es "Gilda" entrada en años en busca de redención.

En cualquier caso, queridos confesos, a todos aquellos que no habeis visto esta película os la recomiendo encarecidamente

suddenly the last spring

2011-07-01T03:31:00.000-07:00

¿Hay algo que me dé más pereza que justificar por qué empiezo esto? Sí, una película de Humphrey Bogart ¡Yo confieso! Pero ambas cosas hay que hacerlas o, al menos, eso se presupone....

Hace poco más de dos años comenzaba así este blog en una entrada titulada "quiero ser mala mala mala" dedicada a "Perdición" de Billy Wilder. Los motivos que me llevaron a abrir(me) este lugar siguen siendo extraños: me gusta escribir y soy adicto al cine clásico (todavía no hay cura). En cualquier caso, lo hice sin ninguna pretensión y animado por dos amigos que aparecen en los títulos de crédito de "yo confieso"(blog) como productor ejecutivo y costume coordinator: Alberto Ríos y Jack Lemon. Gracias chicos!!

En realidad escribía para mí (y/o para ellos). No le había contado a nadie que tenía un blog ni todas esas labores promocionales que se suelen hacer. Yo estaba satisfecho aunque apenas hubiera comentarios, aunque sólo tuviera 5 seguidores... Era feliz desde esa ignorancia. Tampoco navegaba en busca de otros cinéfilos, otras vidas, otras historias....Escribía, eso era todo.

Hubo un parón, un largo y oscurísimo fundido en negro que duró la friolera de año y medio hasta que regresé, como una secuela, la pasada primavera. Suddenly the last spring todo cambió. Encontré otros universos que comencé a seguir con mucho mucho interés. Poco a poco, personas anónimas para mí iban comentando lo que escribía ¡¡¡ Incluso me felicitaban!!! Eran (erais) como Munchkins: aparecisteis como si hubierais estado ocultos tras la maleza, con vuestras amables palabras, con vuestras interesantes entradas....y supongo que me reconocí en muchos de vosotros (sabeis lo difícil que es mantener una conversación sobre cine clásico), pero sobre todo, lo más grande, comencé a aprender de vosotros. Y todo empezó a tener un sentido.

Y hace poco, buceando en las tripas del blog, encontré la pestaña "estadísticas" y casi me caigo de la silla. Jamás hubiera pensando que "esto", que empezó como una anécdota, pudiera recibir ese número de visitas. No sé si son muchas, pocas, suficientes, anecdóticas....me da igual, para mí son más de las que podría haber esperado jamás.

Ahora, queridos Munchkins, ya no sois anónimos. A algunos os tengo incluso en el facebook (jijiji!). La familiaridad, la camaradería, el buenrollismo que se crea en estas interacciones entre cinéfilos son abrumadores y muy muy satisfactorios.

Cómo es la vida! Viendo esas "estadísticas" descubrí (no sin asombro) que mi entrada más visitada es "Por navidad quiero un Munchkin" . Así que, visto lo visto, me siento un poco James Stewart en "¡Qué bello es vivir!": agradecido y emocionado (o como Lina Morgan, lo que más os guste!)

En resumidas cuentas: gracias a tod@s por las cálidas acogidas, las amables palabras, los inteligentes comentarios y por hacerme sentir parte de "algo" que no me gusta que tenga nombre!!!

Hoy mis tags sois todos vosotr@s!

Y hoy, si me lo permitís, firmaré como...

Kike

bette davis sólo hubo una

2011-06-27T05:21:00.000-07:00

Objeto del estudio: similitudes y diferencias en la técnica interpretativa.

Sujetos del estudio: Bette Davis y Tallulah Bankhead.

Película con la que se realiza el experimento: "La zarina" (1945)

Resultados obtenidos: BETTE DAVIS ES IRREPETIBLE.

Servida la polémica en real bandeja de plata (vamos a analizar "A Royal Scandal") y la osadía por parte de un humilde servidor con su anterior entrada, procedamos, sin más demora, a destripar - sólo un poco - "La zarina" de Ernst Lubitsch o/y Otto Preminger.

Lo primero que hemos de dilucidar es ese "o/y" en la autoría de la cinta. Al parecer ni a uno (Lubitsch) ni a otro (Preminger) les gustaba mucho incluirla en su curriculum. De hecho, si navegamos un poco, podremos ver que según las fuentes consultadas, hay quien se la adjudica a uno y hay quien se la adjudica a otro. Los títulos de crédito, por su parte, colocan a Lubitsch como productor y a Preminger como director. Lo cierto es que la película la comenzó Lubitsch y la terminó Preminger ¿Por qué? Ernst Lubitsch había comenzado el rodaje pero tuvo que abandonarlo de forma precipitada por problemas cardíacos. Otto Premiger, que acababa de terminar "Laura" y estaba a las órdenes de la Fox, fue el director sustituto.

Estamos, por tanto, ante una especie de película híbrido. Reconocemos el "toque Lubitsch" en la ironía pero también el "toque Preminger" en la realización funcional. Para mi gusto el sello del denominado fundador de la comedia sofisticada es más visible que el sello Preminger. Ayuda, en este sentido, el equipo de guionistas, Justus Mayer, Bruno Frank y, sobre todo, Melchior Lengyel, autor no sólo de la comedia de la que se adapta la película, sino también de alguno de los títulos más memorables de Lubitsch como "Ninotchka" o "Ser o no ser".

A Royal Scandal es una comedia sobre Catalina II de Rusia, La Grande, la madre de todas las madres de Rusia. Abro paréntesis ( Bette Davis dio vida años después a esta reina en "Orgullo y Pasión" de Stanley Kramer, rodada, como ya os conté en su día, en España. Cierro paréntesis) El argumento explícito versa sobre las intrigas palaciegas por hacerse con el trono por parte de los revolucionarios. El argumento implícito, el verdaderamente irónico, es la soledad de una reina que no lleva bien el paso del tiempo, que no puede confiar en nadie y que está obsesionada por los uniformes y, claro está, por quienes los llevan puestos.

El cambio de dirección es quizás el culpable de que "La zarina" no esté a la altura de otras comedias del director alemán. Con todo, asistimos a momentos hilarantes, repletos de rápidos diálogos con muchísima ironía, surrealistas algunos, quizás arquetípicos, pero efectivos. La fuerza con la que arranca la película se va debilitando a medida que transcurren los minutos y, poco a poco, va perdiendo frescura.

Junto a Bankhead, de la que hablaremos al final, un elenco de importantísimos secundarios. Un inconmesurable Charles Coburn da vida al canciller Nicolai Liyitc, responsable de los asuntos exteriores del reino, mano derecha de la monarca y, quizás, el que mejores frases tiene en todo el guión. Su interpretación es, simplemente, inmejorable.

Anne Baxter es la condesa Anna Jaschikoff, una de las damas de compañía de la reina y prometida de Alexei Chernoff (William Eythe) el joven ante quien cae rendida Catalina La Grande. Anne Baxter está correcta en su papel, comparable, quizás, a Tallulah Bankhead en las escenas compartidas. Por el contrario, para mi, yo confieso, William Eythe no está a la altura de sus compañeros, más si tenemos en cuenta la importancia de su papel y los minutos de metraje en los que aparece.

Es destacable, aunque corto, el buen trabajo de Vincent Price interpretando a el Marqués de Fleury (entre otra docena de títulos más) y que sin caer en el cliché es capaz de transmitir el afrancesamiento más cómico de la corte de Luis XV. Sus tête a tête con Charles Coburn son de lo mejor de la película.

Y por último, la legendaria Tallulah Bankhead. Yo confieso: su interpretación me parece muy buena, y, quizás, ayuda a comprender lo que en su día pudo haber sido en un teatro. El carácter inestable de la Reina Catalina permite disfrutar de una Bankhead que cambia de registros pero manteniendo siempre la vis cómica. Aunque su papel exige la sobreactuación, lo resuelve de una forma acertada sin añadir más de lo que el guión exige y, por lo tanto, confirmando que hablamos de una actriz con tablas. Su interpreación consigue realzar el patetismo de una reina egocéntrica pero al mismo tiempo tocada (y a veces hundida) por el paso de los años.

Y ahora la pregunta ¿hay algo de Bette Davis en Tallulah Bankhead? Yo confieso: he encontrado algo que sí me ha hecho recordar alguna interpretación de Bette Davis. No es su voz, ni la forma de moverse, son las manos. Como sabeis, Bette utilizaba mucho las manos cuando el cigarrillo estaba fuera de lugar. Este "truco" es muy obvio, por ejemplo, en "La vida privada de Elizabeth y Essex", aunque también puede apreciarse en "La loba". Tallulah Bankhead emplea las manos de forma similar en "La zarina" pero no llega a darle la expresividad que transmite Bette Davis. En casi todas las escenas se la ve moviendo los dedos, inquietos, mostrando nerviosismo. Para mí éste siempre fue un rasgo característico de las interpretaciones de Bette Davis. Ignoro si era compartido. Ignoro si era copiado. Sólo sé que lo sigo teniendo claro: BETTE DAVIS SÓLO HUBO UNA.

anatomía de una entrada

2011-06-22T10:43:00.000-07:00

Hace unas semanas, en "tres zsas zsas" transcribía una conversación que supuestamente mantuvieron George Sanders y Zsa Zsa sobre la remota posibilidad de que Gabor consigiera un papelito en "Eva al desnudo". El cuando menos surrealista diálogo que mantiene el matrimonio está extraído del libro "Desnudando a Eva" de Sam Staggs y del que en su día hice una reseña en una de mis primeras incursiones en el "mundo blog".

Yo confieso: cada vez que abro "Desnudando a Eva" quedo litaralmente enganchado y siempre encuentro algo nuevo. En esta ocasión me (re)topé con Tallulah Bankhead, íntima enemiga de Bette Davis.

Os pongo en antecedentes: en 1950, año del estreno de "Eva al desnudo", nacía un programa de radio desde donde la practicamente acabada Tallulah Bankhead pretendía arrebatarle Margo Chaning a Bette Davis. Tal programa se haría muy famoso - según Sam Staggs - por la cantidad de maldades que se soltaron. El origen de la inquina que tenía Bankhead hacia Davis hay que buscarlo en las versiones cinematográficas que la actriz había hecho de algunos triunfos teatrales de la "Legendaria Tallulah": "Amarga Victoria" y "La Loba". En un encuentro que tuvieron ambas divas en una fiesta dada por Jack Wagner, Tallulah se dirigió a Davis exclamando " Cariño, has interpretado todos mis papeles, aunque yo estaba muchísimo mejor en ellos". Davis respondió: " Estoy de acuerdo con usted, Miss Bankhead" evitando así que la sangre llegara al río.

Pero el climax de la contienda llegó con "Eva al desnudo". Un oyente preguntó a la locutora-actriz en su programa de radio si había visto la película, a lo que ella respondió "Todas las mañanas al lavarme los dientes" para a continuación añadir "Cariño, ya verás cómo voy a dejar a esa Mujer cuando le eche la mano encima. Le voy a arrancar hasta el último pelo del bigote". Finalmente sentenció: " Si alguna vez hacen All about me, yo misma lo interpretaré". Y es que Tallulah Bankhead estaba totalmente convencida de que Bette Davis, para dar vida a Margo Chaning, le había copiado su voz, su peinado y sus exagerados ademanes. Como si la leña que ardía en el fuego no fuera suficiente, publicaciones como Life declararon: " Es obvio que Bette Davis ha tomado como modelo a Tallulah Bankhead para la película".

Que Tallulah estaba fuera de punto queda claro. Durante más de dos años se dedicó a despotricar contra Bette Davis y "Eva al desnudo" en su popular programa de radio. No bastándole con eso, en 1952 hizo su particular versión radiofónica de la película, adaptando el guión del propio Mankiewicz. En esta versión participaba Mary Orr, autora de la pequeña novela que sirvió de base para escribir la película y que daba vida a Karen Richards. Cuando le preguntaron cómo había sido trabajar con Bankhead confesó que la "Legendaria Tallulah" se acercó a ella y le dijo: "Cariño, tengo entendido que te inspiraste en mí para escribir el papel de Margo Chaning". La respuesta no pudo ser más sincera y desoladora: "No, Miss Bankhead, está basada en Elizabeth Bergner". Tallulah farfulló: ¡No es posible!

Pues bien, tras "presenciar" este odio que Tallulah Bankhead profesaba contra Bette Davis, quise saber si era fundado o infundado. Necesitaba saber si Tallulah y Bette tenían alguna similitud en la pantalla y si, realmente, una estaba copiando a la otra. Como los mejores trabajos de Bankhead se vieron sobre las tablas, esta investigación se me antojaba complicada. Su corta trayectoria cinematográfica (la mitad de ella en el cine mudo) no dejaba mucho margen de maniobra. Podría basarme en "Náufragos" de Alfred Hitchcock (1944) pero aquí, yo confieso, no encuentro atisbo alguno de Davis en Tallulah (o viceversa, ya no sé qué decir). Sin embargo, en mi afán por encontrar algo, por muy pequeño que fuera, encontré una película que también tiene su trastienda. Hablo de "La zarina" (1945) de Ernst Lubitsch y/o Otto Preminger y de la que hablaré en mi próxima entrada.

Os invito a verla y a ayudarme a buscar parecidos (razonables o no) entre Bette Davis y Tallulah Bankhead ¿Os atreveis?

no fue carmen jones, fue saul bass

2011-06-20T03:20:00.000-07:00

Carmen Jones

En 1954 Otto Preminger estrena "Carmen Jones" un musical basado en la "Carmen" de Bizet (adaptada a su vez por éste de la obra de Merimée, sí, sí, el de la canción de la Sevilla "yo soy la Carmen de España y no la de Merimée y no la de Merimée") con canciones de Oscar Hammerstein Jr. y protagonizada por Dorothy Dandridge y Harry Belafonte. Quizás, para muchos, esta película ha pasado a la historia por ser la primera en la que una actriz negra optaba al oscar a la mejor protagonista (Hattie McDaniel había conseguido el galardón pero como secundaria en su legendaria interpretación en "Lo que el viento se llevó"). Pero para mí, yo confieso, esta película es histórica por este momento.

Sí, no me he vuelto loco. Esta película marca un antes y un después en la historia del cine por los títulos de crédito. Ni más ni menos.

El responsable es Saul Bass (1920-1996) diseñador gráfico con un fecundo curriculum a sus espaldas y que llega al cine de la mano de Preminger para, en un principio, diseñar el cartel promocional de la película. Situémonos: año 1954. Hasta entonces todos los carteles promocionales estaban cortados por el mismo patrón. Salvo algún tímido intento en los años 30 y 40 por parte de directores más o menos innovadores, lo normal era emplear fotogramas de la película y, cómo no, la imagen de las estrellas protagonistas como reclamo para el gran público. Bass aceptó el encargo de Preminger y diseñó el cartel que veis arriba. Le gustó tanto su trabajo que lo contrató para idear los títulos de crédito de la película.

Tras "Carmen Jones" Saul Bass se encargó de los títulos de crédito de películas como "El gran cuchillo" (1954) de Robert Aldrich o "La tentación vive arriba" (1955) de Billy Wilder, pero sin duda alguna, fue su siguiente trabajo junto a Preminger el que lo catapultó como maestro en el diseño de los títulos de crédito: " El hombre del brazo de oro" (1955).

El hombre del brazo de oro: Bass/Preminger

En "El hombre del brazo de oro"se aprecian de forma clara las premisas de Bass: "sintetizar y resumir". Un elemento innovador en su trabajo (y por extensión en la historia del cine) es el empleo, en beneficio del diseño, de las posibilidades emocionales de la música combinadas habilmente con el simbolismo de las imágenes. Para el diseñador la función de esos primeros minutos está clara: introducir al espectador en la historia. Con unos tétricos acordes jazzísticos sonando sobre un fondo totalmente negro, Bass intercala barras blancas, verticales y horizontales, que entran y salen del marco a distintas velocidades, sin aparente orden ni concierto, para insertar (casi diríamos aprisionar) los nombres del elenco, nombres o títulos que aparecen en gris y con un tipo de letra creada exclusivamente para dotar de coherencia a todo el trabajo. El simbolismo es evidente y nos está adentrando o, mejor dicho, no está advirtiendo de los callejones sin salida de los personajes. Los títulos finalizan con un esperpéntico brazo que sale desde arriba tratando de "agarrar" el nombre del director.

La unión Preminger/Bass se extendería a lo largo de los años. "Buenos días tristeza" (1958); "Anatomía de un asesinato" (1959) o "Éxodo" (1960) son un claro ejemplo del estilo creado por Bass para intoducir las películas de Preminger.

Bass/Hitchcock

La excelencia de Bass radicó, quizás, en saber adaptar su trabajo a las necesidades del director y, por extensión, a las de la película. Su evolución y, en definitiva, experimentación, es indudable a la vista de los trabajos que hizo para directores como Stanley Kramer ("Orgullo y pasión"), Stanley Kubrick (Espartaco), William Wyler ("Horizontes de grandeza") o Edward Dmytryk ("Walk on the wilde side") entre muchos otros. Me gustaría destacar la belleza y minimalismo de los créditos de "Espartaco" en un trabajo artístico sublime y la originalidad de "Walk on the wild side" con esa gata negra vagando por las calles.

Si el encuentro con Otto Preminger fue decisivo para entrar a trabajar en el mundo del cine, su encuentro con Hitchcock fue, posiblemente, decisivo para que Saul Bass quedara vinculado al séptimo arte de por vida . Aunque no cabe duda que para muchos hablar de Saul Bass es ver, de inmediato, los títulos de crédito de "Anatomía de un asesinato", no podemos menospreciar su trabajo para tres de las mejores películas del maestro del suspense: "Vértigo", "Psicosis" y "Con la muerte en los talones"cuyos títulos de crédito son auténticas obras maestras.

En "Vértigo" Saul Bass comieza la secuencia con un primer plano en blanco y negro de la que podría ser la protagonista (no, no lo es, no es Kim Novak) dirige la cámara hacia la boca (aparece el nombre de James Stewart) hacia los ojos que miran sospechosos a derecha y a izquierda (aparece Kim Novak), y por último, hacia uno de los ojos. A continuación el blanco y negro pasa a rojo (recordemos la importancia del rojo en la película) y la cámara se adentra en el ojo para comenzar una secuencia de espirales de diferentes colores(¿son casuales las espirales en una película como "Vértigo"?) de la que finalmente aparecerá el nombre del director. A ello hay que añadirle la inquietante música de Bernard Herrmann. Bass lo consigue: ¿quién puede levantarse de la butaca viendo esos títulos de crédito?

Con "Psicosis" el trabajo de los títulos de crédito es puramente conceptual. De nuevo barras horizontales y verticales que desdoblan los títulos, los distorsionan, los enrarecen... ¿No hablamos, acaso, de una psicosis? Las malas (o buenas) lenguas siempre han dicho que el trabajo de Bass para "Psicosis" no se limitó exclusivamente a diseñar los títulos de crédito. Es frecuente leer que tras el storyboard de la mítica secuencia de la ducha también estaba él y que los planos y ángulos utilizados, incluso la idea de incorporar la sombra de Norman Bates tras las cortinas de la ducha, fueron suyas. Hitchcock, evidentemente, lo negó toda su vida.

Bass: el legado

Como dijimos al principio, el trabajo de Bass para el cine fue prolífico. Evidentemente no se detuvo aquí, en la edad dorada de Holywood, y continuó toda su vida vinculado a la industria. De sus últimos trabajos destacan los realizados para su amigo Martin Scorsese ( "Goodfellas", "El cabo del miedo", "La edad de la inocencia" o "Casino" entre otros). En cualquier caso, su estilo y su forma de concebir los títulos de crédito, marcaron un antes y un después, y si habeis tenido la paciencia ( y espero que la satisfacción) de ver todos los títulos de crédito que aquí os he dejado, sereis conscientes de su influencia en infinidad de películas.

La sombra de Saul Bass es como la de un ciprés, muy alargada, tanto, que incluso el diseño de este humilde blog se creó bajo esa sombra. Tanto, que incluso hay quien se dedica a "saulbassizar" los títulos de crédito de famosísimas películas. Tanto que incluso existen webs tan elaboradas como ésta donde poder contemplar su maravilloso trabajo a golpe de clicks.

Pero lo mejor que hizo Saul Bass para el cine fue concederle a los primeros minutos de una película la misma importancia que a los últimos. The end.

las famosas fotos

2011-06-17T08:10:00.001-07:00

Lo prometido es deuda: como os comentaba en mi anterior entrada, aquí teneis las famosas fotos, esas que son como un tesoro para mi. Sólo son algunas y entiendo que vosotros sólo podeis verlas: olerlas, tocarlas y pasarlas una a una, deteniéndose el tiempo que sea necesario es un gran placer. Os lo aseguro!

Me alegra mucho poder compartirlas con vosotros, al menos de esta manera!

Saludos a todos!!

mi "cinema paradiso"

2011-06-15T09:29:00.000-07:00

Tendría 11 años, quizás 12.

Todos los sábados quedábamos para ir al cine, un típico y mítico cine de un pueblo sin nombre. Recuerdo las películas de Bruce Lee. Recuerdo "Los cazafantasmas". Recuerdo... poco más. Y por más que mi madre se empeñe, no recuerdo que me llevara a ver E.T al cine. Una pena. Sí recuerdo, como si fuera ayer, el ritual de quedar para ir al cine los sábados por la tarde y recuerdo perfectamente como, durante la semana, pasaba por delante del cine para ver aquellos carteles que, muchas veces, eran vecinos de otros con mujeres en topless repletas de pegatinas en forma de estrella que ocultaban lo que todos queríamos ver.

Recuerdo un sábado. Habíamos quedado para ver una de tantas otras películas. Cuando llegamos a la taquilla descubrimos contrariados que habían cambiado la programación. En lugar de aquella película que mi memoria ha olvidado, ponían otra llamada "La rosa púrpura del Cairo" de un tal Woody Allen. Mis amigos no quisieron entrar a ver una película "desconocida", pero yo, movido no sé por qué, entré en el cine aquel sábado.

Solo.

Sí, recuerdo eso: la primera vez que fui solo al cine. Y recuerdo aquella película "La rosa púrpura del Cairo". Recuerdo como los personajes salían de la película y recuerdo cómo a mi manera, tomé conciencia de cómo se "inventaba" el cine.

Muchas veces me preguntan por qué me gusta tanto el cine y, en especial, el cine clásico. Yo creo que en aquella tarde de sábado está la respuesta.

A ese mismo cine habían acudido en infinidad de ocasiones mi madre y sus hermanas. Mi familia, con mi abuelo a la cabeza, tenía una pequeña tienda en la que el paso de los años había escondido auténticos tesoros. Un día encontré dos "cosas" que para ver bien era necesario poner delante de una luz.

-¿Qué es esto abuelo?

- Esa es la publicidad que poníamos en el cine hace muchos años.

Aquellas "cosas", me explicó, se ponían delante del proyector para que salieran en la pantalla durante los descansos, cuando la gente visitaba el ambigú.

Otro día encontré una caja. Era distinta a otras cajas que había en la tienda. Cuando la abrí para ver lo que contenía me encontré con cientos de fotografías de personas que yo no conocía. Al pie de cada foto había nombres extraños para mí: Joan Fontaine, Greta Garbo, James Stewart, Audrey Hepburn, Joan Collins, Liz Taylor, Bette Davis,Cary Grant, Paul Newman, Lana Turner... y en la parte trasera una fecha, un año, 1956, 1962, 1968...

- ¿Qué es esto abuelo?

- Son fotos de actores que tu madre y tus tías ha ido guardando desde hace muchos años.

Tenía que conocerlos. Ese fue mi gran objetivo: saber quiénes eran todas esas personas que posaban radiantes en aquella fotografías. El "modus operandi" estaba claro: "tengo que ver todas las películas en blanco y negro que pongan en la tele".

Y ahí empezó todo.

Un día una siniestra noticia corrió como la pólvora por mi pueblo. El cine iba a cerrar. No sólo eso: iban a derribarlo.

Hoy, en aquel sitio, en el mismo lugar donde descubrí la maravillosa sensación de ir solo al cine, en el mismo lugar en el que entendí cómo se hacía una película, hay un edificio de apartamentos. Hoy, cada vez que veo "Cinema Paradiso" recuerdo aquel cine.

En mi memoria sigue todo intacto: la taquilla, las butacas, los cortinones que bordeaban la pantalla, el olor, el ambigú....

En mi poder, esos maravillosos "fotogramas" que en los años 50 publicitaban la tienda de mi abuelo, como dos joyas de incalculable valor.

En una caja, a buen recaudo, cientos de fotografías promocionales de las estrellas del Hollywood dorado.

Ahora sí.

Ahora ya sé quienes son.

vencedores o vencidos

2011-06-11T03:44:00.001-07:00

Hace unos días, mis "vecinos" de 24 veces por segundo hacían la reseña de "Vencedores o vencidos" (Stanley Kramer, 1961). Yo confieso: la película había quedado perdida en mi memoria y aunque recordaba el impacto que en su día me causó, no podía hacer comentario alguno al respecto. Leída la entrada, revisité la cinta, así que me dispongo a hacer mi humilde análisis el cual estará bastante alejado de los detalles técnicos e interpretativos y se basará más en el fondo del asunto. Por ello, me remito a la excelente entrada de mis colegas White Gold y Bruja Truca, en donde se aborda con todo lujo de detalles el impresionante elenco de la película además de otras curiosidades.

AVISO: CONTIENE SPOILERS

¿Debe un juez aplicar la legislación vigente aunque vaya en contra de su conciencia? ¿ Es posible responsabilizar a todos los alemanes de los crímenes cometidos por el Tercer Reich?¿Tiene legitimidad un tribunal constituido ad hoc por los vencedores para enjuiciar a los vencidos?

¿Existe el perdón? ¿Se puede vivir sin odio? ¿Vencedores o vencidos? He aquí el dilema.

La incomprensible costumbre de traducir los títulos de las películas al idioma patrio es algo que nunca acabo de entender. No obstante, en este caso, el título con el que llegó a España "Judgment at Nuremberg" me parece más acertado que el original, pues, a fin de cuentas, la sombra de esa duda es la que planea como verdadera protagonista sobre las tres horas de película

¿Quiénes son los vencedores? ¿Quiénes los vencidos?

"Vencedores o vencidos" es una gran película, pero puede llevarnos a engaño. No estamos ante una obra magistral que se sustente gracias a un elenco repleto de actores de probada solvencia. No. De hecho, sin todos esos grandes nombres, posiblemente la obra conservaría su maestría porque ésta anida en el guión. "Vencedores o vencedidos" es mucho más que una película, es una patata caliente en manos del espectador que debe decidir - y así lo hace a lo largo de toda la película - quiénes son los buenos y quiénes son los malos.

Quitémonos las caretas y seamos sinceros: cuando comienza el juicio ya tenemos nuestro veredicto claro, ya sabemos quiénes son los vencedores y quiénes los vencidos. Hemos juzgado sin escuchar la defensa de los culpables (ni siquiera imputados). Paradójicamente, hemos cometido el mismo pecado que se le imputa a esos jueces que se adhirieron a la maquinaria nazi: nos hemos dejado llevar.

¿Hemos sido justos? Y es que ese es el tema central de la película, la justicia, y Kramer, muy hábilmente, nos encomienda esa tarea, la de tratar de ser justos (no la de serlo).

Un soberbio guión nos permite conocer todos los puntos de vista. Nos permite tomar partido, disentir, corroborar, defender y culpar. Sobre la mesa dos asuntos tan escabrosos como abominables, la esterilización y la eugenesia, que desembocan inevitablemente en la responsabilidad que los jueces instrumentalizados por el Tercer Reich pueden tener sobre las atrocidades cometidas en los campos de concentración ¿Son culpables por omisión? ¿Son acaso cómplices?

La película nos muestra todas las aristas de este complejo prisma. La cámara, muchas veces subjetiva, entra y sale del tribunal para que podamos disponer de los elementos necesarios que ayuden a dictar nuestra propia sentencia. Así, no sólo escuchamos la acusación y la brillante defensa (que, dicho sea de paso, recuerda las buenas relaciones que mantenía Hitler con Churchill o el Vaticano antes de la contienda) sino que también podemos comprender el sentir de los ciudadanos anónimos. Escuchamos frases como "demostrarle al resto del mundo que no todos los alemanes somos monstruos", "no sabíamos nada", "no estábamos enterados de lo que estaba sucediendo"... Pero nadie quiere hablar porque quien más y quien menos, con más o menos razón, se siente o se sabe cómplice.

Aunque comparte banquillo con tres colegas, es sobre Ernst Janning (Burt Lancaster) sobre quien recae el peso del juicio. Su gesto arrepentido, su silencio, y, más tarde, su confesión, producen el efecto deseado, el efecto crimen y castigo: sabemos que ha hecho algo malo pero sentimos compasión y, sin quererlo, lo estamos perdonando. Sabemos que él no sabía todo lo que nosotros sabemos y sabemos que está profundamente arrepentido. Creemos saberlo todo y, por ello, quizás, creemos saber ser justos si tuviéramos que dictar sentencia. Por ello nos sorprende el veredicto: culpable.

¿No hubiera sido mejor perdonar? ¿No se está equivocando el tribunal? De hecho, uno de los tres magistrados disiente ¿Es posible que ese magistrado sea yo?

Dictada la sentencia, el juez Dan Haywood (Spencer Tracy) visita a Janning en su celda y escuchamos la respuesta a todas nuestras dudas:

Jenning: Juez Haywood, la razón por la que le pedí que viniese... aquella pobre gente... aquellos millones de personas. Jamás supuse que se iba a llegar a eso ¡Debe creerme! ¡Debe usted creerme!

Haywood: Señor Janning, se llegó a eso la primera vez que usted condenó a un hombre sabiendo que era inocente.

¿Se puede decir algo más? Sí: ser justo no es tarea fácil.

otras imágenes: no sólo Bette sabía fumar

2011-06-10T09:56:00.001-07:00

Sí, Bette era la mejor fumadora: el modo en el que aspiraba el cigarro y exhalaba el humo era muy característico de sus personajes. Pero no debemos olvidar ni menospreciar a otra gran fumadora: Dietrich.

A veces, levantantado una ceja sobran las palabras.

A veces, fumando un cigarro también.

hollywood en españa

2011-06-07T09:03:00.000-07:00

En 1951 se estrena "Pandora y el Holandés Errante" ( Albert Lewin) con James Manson y Ava Gardner como flamantes protagonistas. Gracias a esta película, rodada en Girona, Ava entabla una relación de 15 años con España que inaugura con un sonado romance con al actor-torero-cantante (multiusos) Mario Cabré. Como atentos testigos del idilio, los periodistas nacionales y, sobre todo, norteamericanos, que dieron buena cuenta del romance entre la actriz y el actor-torero. El resto es una historia que ya conoceis: Ava adquirió "La Bruja" en La Moraleja y pasó a formar parte del selecto club que componía la dolce vita madrileña de los años 50. Chicote, Luis Miguel Dominguín, los toros, los saraos.... Ava está en España y, por extensión, un pedazo de Hollywood.

En 1956 y 1957 se estrenan dos superproducciones rodadas en España y que ayudarán a entender la empresa de nuestro protagonista (ahora lo conoceremos, calma) y las razones por las que España se convirtió durante 6 años en una sucursal de Hollywood: "Alejandro el Grande" (Robert Rossen) y "Orgullo y pasión" (Stanley Kramer). "Alejandro el Grande" o "Alejandro Magno" estaba protagonizada por Richard Burton y aunque consiguió rentabilizar el dinero invertido, fue un auténtico despilfarro de medios técnicos y humanos. Por su parte, Stanley Kramer, para dirigir "Orgullo y pasión", se entrevistó previamente con Franco para que le facilitara la logística adecuada al ingente número de extras que participarían en el film junto a Cary Grant, Sophia Loren o Frank Sinatra, al que, por cierto, no le gustaba demasiado España. Aquí podeis ver a Grant "paseándose" por la Plaza del Obradoiro.

Fue precisamente el mismo año del estreno de "Orgullo y pasión" (1957) cuando Samuel Bronston aterriza en España.

Samuel Bronston (en la foto junto a Ava Gardner y Charlton Heston) , productor independiente, fue el responsable de que en España contáramos con un pseudo Hollywood tan increíble como efímero en Las Rozas (Madrid) entre los años 1958 y 1964. A él le debemos 6 películas rodadas íntegramente aquí con su personal y megalómano sello: "El Capitán Jones" (John Farrow, 1959), "Rey de Reyes" ( Nicholas Ray, 1961), "El Cid" (Anthony Mann, 1961), "55 días en Pekín" (Nicholas Ray, 1963), "La caída del Imperio Romano" (Anthony Mann, 1964) y "El fabuloso mundo del circo" (Henry Hathaway, 1964).

Pero ¿Quién era Samuel Bronston y por qué eligió España para producir sus películas?

Samuel Bronshtein nace en 1.908 en una remota aldea de Besaravia (hoy perteneciente a Moldavia) en el seno de una humilde familia judía. Cuando era adolescente, emigra a París y realiza todo tipo de trabajos para ganarse la vida. Poco después de cumplir los 20 años se casa con la hija del dueño de una sala de cine. Significaría su primer acercamiento a la industria. Sin embargo, el destino le tenía preparado un encuentro decisivo: conocer a la viuda del novelista Jack London y la posibilidad de adquirir los derechos de sus novelas. Esta adquisición supondrá su pasaporte de entrada a Hollywood ya que, una vez en EE.UU, comienza a ejercer como productor independiente de las adaptaciones cinematográficas de London para estudios como United Artist, Fox o Columbia. Así, participa en títulos como " El barco de la muerte" (Sidney Salkow, 1942) con Glenn Ford como protagonista o "Las aventuras de Jack London" ( Alfred Santell, 1943) con Susan Hayward. Con todo, los problemas con los estudios eran constantes. Trabajar de forma independiente en aquella época y tratar de imponer o, simplemente, no pasar por el aro del sistema establecido, era misión imposible. Aún así, Bronston persisitía y trató de dejar su sello en la adaptación que René Clair hizo de la novela de Aghata Christie "Diez negritos" (1945) pero la Fox, harta de lidiar con él, suprimió su nombre de los títulos de crédito.

Bronston abandona EE.UU. Primero hace escala en Filipinas, en donde lleva a cabo una peculiar versión de "El Conde de Montecristo". Posteriormente viaja al Vaticano, donde le encargan la realización de un catálogo fotográfico de los tesoros allí custodiados y una serie de documentales que le granjean la amistad de un poderoso grupo de presión católica que le ayudaría a su regreso a EE.UU en 1953 para tener dos encuentros decisivos. Por un lado, conoce al influyente héroe de la marina el Almirante Nimitz. Por otro, conoce a los directivos de la empresa química Dupont de Nemours. De ambos encuentros surge la idea de rodar en España una película sobre la vida de John Paul Jones, creador de la marina norteamericana.

Pero ¿de dónde saldría el dinero?

En los años 50 multitid de empresas extranjeras tenían inmovilizados en España sus fondos porque no estaba permitido sacar por la aduana dinero. Esta política económica, que también se daba, por ejemplo, en Italia (de ahí los rodajes de "Quo Vadis" o "Ben Hur") obligaba a estas multinacionales a invertir en otros activos que les permitiera rentabilizar las ganancias. Digamos que ne se podían sacar de España 200 millones de pesetas pero sí 6 rollos de película. Además de las razones ecómicas, concurrían motivos sociales y laborales: mano de obra barata, muchas horas de luz para poder rodar, colaboración de las autoridades gubernamentales, posibilidad de decorados naturales miméticos y, sobre todo, la inexistencia de una organización sindical, lo que aseguraba rodajes sin sorpresas.

Con una carta de recomendación del Almirante Nimitz en la manga y el respaldo económico de la Dupont, Samuel Bronston llega a España y se entrevista con el entonces Almirante Carrero Blanco, el cual pone a disposición del productor toda la logística necesaria para comenzar su primer rodaje. Nace, en ese momento, una estrecha colaboración entre el régimen y Producciones Bronston que culminaría con la concesión de la encomienda de Isabel La Católica.

Bronston construye un "mini Hollywood" en Las Rozas que pasará a la historia por las magnitudes de sus decorados. Para ello se contrataron a carpinteros, pintores, modistas, azafatas, artesanos, escayolistas... En su momento álgido, coincidiendo con el éxito en taquilla de "El Cid", Bronston llegó a tener en nómina a más de 3.000 personas sin contar a los extras que, para esta producción, fueron 3.500 ciudadanos más 2.400 soldados del ejército de España. Además se contrató al responsable de crear la famosa carrera de cuádrigas de "Ben Hur"y a multitud de asesores (con todo, tras el estreno de la película, los historiadores pusieron el grito en cielo). De este modo, el empeño de Bronston por hacer de su productora una de las más poderosas de la industria del cine consiguió hacer sombra a las mismísimas RKO y MGM en cuanto a número de nóminas. Los decorados de " La caida del Imperio Romano" fueron los más grandes construidos hasta el momento, entrando, incluso, el el Libro Guiness. Para la recreación de la Roma imperial 1.100 obreros estuvieron contratados durante 7 meses para terminar las obras de una producción que costaría 28 millones de dólares y por la que Sophia Loren cobraría 1 millón. La leyenda urbana cuenta que durante el rodaje de "55 días en Pekín" los restaurantes chinos de toda España se quedaron sin personal para poder participar en la película. Para "El fabuloso mundo del circo" se recreó un circo completo y se secó el estanque de El Retiro además de hundirse un barco en el puerto de Barcelona. Para "El Capitán Jones" Bronston consiguió por primera vez en nuestra historia que se pudiera rodar en el "Salón del Trono" de el Palacio Real para que Bette Davis diera vida a la Emperatriz Catalina La Grande.

A medida que el estudio crecía, llegaban a Madrid más y más estrellas atraídas como abejas a un panal de rica miel. John Wayne, Rita Hayworth, Charlon Heston, Sophia Loren, Bette Davis ,Ava Gardner, Omar Shariff, David Niven, Alec Guiness, Mel Ferrer, James Manson... ocupaban las suites del Castellana Hilton y otros hoteles madrileños. Junto a ellos, como no podía ser de otra forma, la prensa nacional y extranjera, por lo que la colaboración Franco-Bronston funcionaba y el beneficio era bidireccional: la productora contaba con todas las facilidades para realizar sus películas y España, a cambio, proyectaba su imagen por el mundo como un maravilloso destino turístico. Además, Bronston comprometió con el régimen la realziación de varios documentales encaminados a ensalzar los valores patrios

"Producciones Bronston" traía todo su equipo técnico de Estados Unidos. No obstante, algunos técnicos y actores y actrices españoles consiguieron hacerse un hueco entre la extensa plantilla de Bronston. Por poner sólo dos ejemplos, el ganador de 2 oscars Gil Parrondo trabajó en la dirección artística de la productora. Carmen Sevilla por su parte, fue, sin duda, la actriz más beneficiada al interpretar el papel de María Magdalena en "Rey de Reyes"

El equipo de guionistas que trabajaba a las órdenes de Bronston estaba capitaneado por Philip Yordan, autor del guión de "Johnny Guitar"(Nicholas Ray, 1954), aunque éste, más que a escribir, se dedicó a reclutar a multitud de guionistas que estaban huyendo de la caza de brujas allende los mares acusados de comulgar con el comunismo. Por ello, no sería extraño encontrar entre el equipo de guionistas nombres como los de Ben Hecht (El Capitán Jones) o Ray Bradbury aunque, eso sí, no quedarían acreditados por temor a replesalias. Con todo, la labor de los guionistas fue, en muchos casos, un auténtico infierno. Las primeras estrellas (Wayne, Heston, Loren) solían ir acompañadas de "guionistas de cámara" que se encargaban de adaptar los textos al gusto del actor.

Para las bandas sonoras Bronston mantuvo su ambición. Max Steiner o Miklós Rózsa fueron algunos de los encargados de poner música a las faraónicas producciones que se estaban haciendo en España.

Sin duda alguna, Bronston había alcanzado la cumbre con "El Cid". Pero como toda empresa efímera, el Hollywood español llegó a su fin. Tras los relativos fracasos internacionales de "55 días en Pekín" y "La caida del Imperio Romano", el batacazo absoluto de "El fabuloso mundo del circo"(1964) supuso el tiro de gracia para Producciones Bronston y el comienzo de la quiebra. La política financiera que auspiciaba la realización de producciones norteamericanas en suelo español había cambiado y las cuentas que Bronston tenía que saldar con la Dupont no salían, por lo que la guerra fue declarada. Los bancos comenzaron a perseguirlo y los juicios se sucedieron uno tras otro. Con todo, ya fuera por honradez ya fuera por inteligencia, no se encontró una sola cuenta bancaria con el nombre de Bronston. Lo que sí se encontró fue la relación exacta de todos y cada uno de los gastos realizados a lo largo de los años por la productora, desde nóminas hasta regalos, pero jamás una cuenta personal en un banco.

Aunque en 1.971 Broston trató de levantar su imperio buscando financiación para realizar "Isabel la Católica" y cumplir así la promesa que le había hecho al régimen, no lo consiguió. Regresó de nuevo a EE.UU donde falleció en 1.994. Sus cenizas descansan en el cementerio de "Las Rozas", al lado de donde levantó su particular versión de Hollywood.

Cuando le concedieron la encomienda de Isabel La Católica dijo "incluso me sentía cohibido por la atención que me prestaban".

cuando marilyn era norma

2011-06-01T02:44:00.000-07:00

Tenía una calidad que nadie más tuvo en la pantalla. Salvo la Garbo, nadie más.

Billy Wilder

1926.

1 de junio.

9:30 a.m.

Hospital General de Los Ángeles.

Nace Norma Jeane Mortenson

1952.

Mujer objeto. Mujer sujeto. Mujer slogan. Mujer portada. Mujer prestada. Mujer premiere. Mujer platino. Mujer couche. Mujer rumor. Mujer rubor.

Una actriz, Marilyn Monroe, acapara la atención universal. La tímida y tartamuda niña californiana se ha convertido a base de tesón y buenos augurios en la mujer más deseada el planeta. Calendarios, fotografías, entrevistas, películas...una vorágine tan deseada como peligrosa que acabará por engullir a Norma Jeane.

1962.

5 de agosto.

12305 de Fifth Helana Drive

Los Ángeles.

Fallecen Marilyn Monroe y Norma Jeane.

Marilyn Monroe no fue ni será- por más que se pretenda - una figura controvertida. Los ríos de tinta que muchas (demasiadas) veces se han desbordado non han hecho más que acumular entorno a la actriz un cúmulo de tópicos debilmente sustentados por rumores y detalles, muchas veces escabrosos, aportados por personajes de dudosa solvencia y credibilidad y que, casi siempre, esconden tras de sí un interés económico. Las causas de su muerte, su penosa infancia, la ausencia permanente de un referente paterno y su desesperada búsqueda, sus supuestas relaciones con los hermanos Kennedy, los maltratos físicos y psicológicos del héroe nacional Joe DiMaggio, los somníferos, sus publicitados retrasos en los rodajes o, simplemente, su retahíla de ingeniosas y picantes frases para una era en la que reinaba el saber estar de Audrey Hepburn o Grace Kelly, han contribuido a ocultar muchos aspectos de Marilyn Monroe, o, mejor dicho, no han permitido conocer a Normal Jeane.

Marilyn, títere siempre manejado peligrosamente (por Natasha Lyttes, por la Fox, por Milton Greene, por los Strasberg, por Miller...) huía de fiestas y saraos, presa de su peremne inseguridad a mostrarse en público. En su etapa neoyorquina, cuando tomaba clases en el Actor´s Studio junto a, entre otros, Marlon Brando, disfrutó del anonimato. Acostumbraba a disfrazarse para pasear por las calles de Manhattan como una ciudadana más. Durante ese tiempo, 1955, Marilyn se había empeñado en recuperar a Norma Jeane, dejando atrás las candilejas y los flashes y buscando en su interior las respuestas sobre su verdadera identidad. Incluso, cuando hablaba de Marilyn, lo hacía en tercera persona, separando muy meridianamente a ambas personas. Quizás esta dicotomía, esta continua lucha interna entre Norma y Marilyn, estuvo presente hasta el final de sus días.

Pero Norma Jeane sabía sacarle partido a Marilyn Monroe cuando las circunstancias lo exigían. No, no sólo a través de favores sexuales, sino tomando plena consciencia de la atención que despertaba y de la importancia de su personaje. En noviembre de 1954 los clubs nocturnos de Hollywood no aceptaban la presencia de artistas negros. Cuando Norma Jeane se enteró de que a su idolatrada Ella Fitzgerald se le negaba la posibilidad de llegar a un acuerdo con el propietario del Mocambo para actuar en él, Marilyn (no Norma) lo telefoneó de inmediato para decirle que contrataran a Ella y que, si lo hacían, la Monroe asistiría en primera fila a todas y cada una de las actuaciones de la gran diva del jazz, asegurando también que la prensa se mostraría encantada. El propietario aceptó, Ella cantó, Marilyn no faltó ni un solo día y Norma Jeane se colocó, muy discretamente, a la vanguardia en la lucha por los derechos civiles de los afroamericanos hasta el último día de su vida.

Con la fama llegó el precio: el sometimiento. Si Marilyn ya era de por sí un producto manufacturado y dirigido por la Fox, a medida que los ingresos que generaba (no para ella, evidentemente, incluso su oscura profesora de interpretación, Natasha Lyttes, cobraba más) subían como la espuma, se tejía entorno a ella una suerte de hilos que la manejaban como un títere. Eran muchos los intereses creados y las bocas que alimentar. Marilyn fue convertida con descaro y alevosía y sin piedad en un mero objeto de deseo generador de suculentos dividendos y que, bajo ningún concepto, debía desaparecer.

Norma Jeane estaba aprendiendo a dominar a Marilyn en la época en que falleció. Todo apunta a que tenía planes nuevos para su vida, nuevos retos, nuevas ilusiones. En su última e inacaba película "Something´s got to give" (George Cukor, 1962) y de la que hoy podemos disfrutar en un montaje final, vemos a una Marilyn madura, más sólida. Incluso en esas famosas imágenes en las que ella se baña desnuda en la piscina se la puede ver feliz, muy feliz

Quizás, en el último momento, mientras sujetaba el teléfono, pensó en aquella cortadora de negativos de la RKO que la hizo adorar a Jean Harlow. Su madre.

Quizás, en el último momento, pensó que lo había logrado, que había conseguido ser como Harlow y que, como ella, se iba joven y guapa.

Quizás, aquella noche, Norma se agarró con todas sus fuerzas a la vida mientras Marilyn la llevaba hacia la muerte.

Sea como sea, Marilyn no murió aquella noche y hoy celebramos su 85 cumpleaños como si siguiera viva.

Gracias a “Abril en París” por recordarme este día con su gran homenaje a Marilyn en su blog.

science fiction/double feature

2011-05-31T02:36:00.000-07:00

La película comienza así (títulos de crédito).

Después de una boda, una pareja pija sufre un pequeño percance con su coche en una carretera secundaria rodeada de naturaleza salvaje. La noche es desapacible y amenaza lluvia. No obstante, deciden buscar ayuda y se adentran en la espesura del bosque hasta encontrar un caserón con luz en su interior. Quizás dispongan de teléfono ¿por qué no intentarlo? En la casa parece que se celebra una fiesta, nuestros protagonistas han visto como un grupo de motoristas llegaban apresurados.

Llaman a la puerta y los recibe un extraño personaje: siniestro, ojeroso, con pelo largo y joroba, su voz en cavernosa. Oculta algo. Brad y Janet, nuestra pareja perfecta, comienza a inquietarse...

Sí, podría ser (y es) el punto de arranque de una película de terror de serie b: "The Rocky Horror Pictue Show" pero pasada por el filtro de la comedia musical.

En 1973, Richard O´Brien y Jim Sharman estrenaron en Londres el musical "The Rocky Horror Show". Tras dos años de rotundo éxito decidieron llevar su obra a la gran pantalla con el nombre de "The Rocky Horror Picture Show". Jim Sharman se encargaría de la dirección y Richard O´Brien, además de la autoría de las canciones, se reservaría el papel de Riff-Raff, el mayordomo de la mansión en donde trascurre toda la acción. No estaría sólo en el servicio doméstico. Junto a él, su hermana Magenta (Patricia Quinn) y Columbia ( Little Nell) servirán al doctor Frank-N- Furter (Tim Curry), amo y señor y líder de los transilvanos, los cuales se encuentran en la Tierra para celebrar su convención anual. Todos ellos provienen del planeta Transexual, en la galaxia Transilvana, y todos ellos esperan con ansiedad el último invento del doctor: una criatura llamada Rocky Horror (Peter Hinwood) hecha a base de los órganos de Eddie (Meat Loaf) que, a su vez, mantenía un romance con Columbia. Rocky Horror sólo ha sido creado para proporcionar sexo a su creador, pero los planes del Doctor Frank-N-Furter se verán dificultados por la inesperada presencia de Brad (Barry Bostwick) y Janet (Susan Sarandon) dos humanos de intachable moral que lucharán en vano para evitar la corrupción de su anfitrión.

"The Rocky Horror Picture Show" es consideraba por muchos una película de culto (yo confieso: soy uno de ellos) pero para otros no es más que una película con escaso presupuesto y carente de cualquier tipo de interés. Aunque es cierto que no contaron con mucho dinero para llevarla a cabo y que pasaron más de una penalidad durante el rodaje (Susan Sarandon siempre ha dicho que nunca pasó tanto frío en su vida) este hecho ayudó a enfatizar el estilo "serie b" que debía tener la película ya que, al fin y al cabo, no era más que un homenaje (muy personal, eso sí) a todas aquellas películas de la vieja RKO. Sin embargo no debemos restarle méritos pues es la única película en la historia del cine (que yo sepa) que ha sido capaz de traspasar la pantalla y llevar al patio de butacas la acción durante más de 30 años y de forma ininterrumpida.

Cuando se estrenó en EE.UU fue un auténtico fracaso. Eran mediados de los 70´s, el público esperaba algo más trabajado y aunque la revolución sexual ya estaba superada, muchos sectores se escandalizaron con toda aquella muestra de libertinaje. Así que en poco tiempo comenzaron a relegar la película a cines de segunda para proyectarla en sesiones golfas. Pero fue precisamente este trato el que la convirtió en lo que hoy es: un fenómeno. Poco a poco los cines se fueron llenando y la gente comenzó a ir disfrazada como los personajes de "The Rocky Horror Picture Show". Los espectadores volvían una y otra vez y comenzaron a saberse de memoria cada frase, cada canción, cada coreografía. Ir a ver el "Rocky Horror" se convirtió en un divertido plan para el viernes por la noche. Por si esto fuera poco aparecieron los "props". No sólo bastaba con saberse coreografías y diálogos, sino que todo ello debía aderezarse con varios objetos, un kit especial para ver la película: pistolas de aguas para simular la lluvia; arroz para celebrar la boda; periódicos para guarecerse de la "lluvia"; confetis y matasuegras para las celebraciones; guantes de goma, linternas, ramos de flores.... Lejos de huir de una mala película, este público consiguió hacerla suya y convertirla en una suerte de viaje iniciático o catártico.

Los creadores de "The Rocky Horror Pictue Show" fueros los primeros soprendidos con este fenómeno. Cuando vieron con sus propios ojos las colas que se formaban en los cines a altas horas de la madrugada para ver su película y a la gente disfrazada como sus personajes, supieron que la película ya no les pertenecía y que el público se había adueñado de ella. Habían conseguido hacer una nueva película, interactiva, en donde en cada pase ocurría algo diferente.

Lo demás es historia: después de 30 años, hoy, en cualquier ciudad del mundo, se siguen haciendo "sesiones interactivas" de "The Rocky Horror Picture Show", con actores amateurs delante de la pantalla imitando a los protagonistas, con salas totalmente en pie haciendo el "time warp" o gritándole "guarra" a Janet cuando es sorprendida engañando a Brad.

No importa que la película sea buena o mala. Que los actores estén mejor o peor. Que las canciones sean más o menos buenas. Lo importante es vivir la experiencia de asistir a una sesión de "The Rocky Horror Picture Show" bien equipado y con ganas de pasarlo bien. Yo ya lo he probado y os aseguro que ha sido una de las experiencias cinematográficas más divertidas de mi vida. Yo confieso.

Let´s do the time warp again...